The Korvec Files

Miedos Oníricos Terrores Bizarros

2011-12-14T19:46:00.004+01:00

Aunque este año no he podido cumplir algunas de mis metas (literariamente hablando) y no me va a dar tiempo a terminar una antología de relatos que estoy preparando (incluyendo uno que resultó finalista en el Premio Domingo Santos) aprovecho para dejar enlace a una antología de relatos que lleva por título “Miedos Oníricos Terrores Bizarros” que fue orquestada por el señor Athman del Blog Athnecdotario Incoherente y en el que conseguí colar el relato “Pasaje y Guía”. Se trata de una antología de relatos pertenecientes a los géneros terror/fantástico, que transcurren como su propio título indica en entornos surrealistas y pesadillescos. Espero que la disfruteis.

Pulsa AQUÍ para iniciar la descarga

ILUSIONARIA (Antología benéfica)

2011-11-05T10:28:00.005+01:00

Recientemente me he enterado de que está preparándose una interesante antología de cuentos/ilustraciones para la que el escritor Juan de Dios Garduño Cuenca, a reunido a 20 escritores e ilustradores, su título es "Ilusionaria", su precio rondará los 15 euros y el beneficio irá integro para una asociación que ayuda a los niños afectados por la catástrofe de Chernóbil (Ucrania).

Son malos tiempos para la economía, pero por otro lado se acercan fiestas navideñas y este puede ser un regalo que los más pequeños de la casa sepan apreciar en estos tiempos de videoconsolas.

Os dejo enlace al Blog donde se está gestando el proyecto para que los interesados podáis conocer este pequeño gran proyecto en profundidad.

Pulsa AQUÍ para ir al blog de ILUSIONARIA.

¡Vacacionancias!

2011-08-05T18:22:00.002+02:00

Bueno, ya he iniciado las vacaciones y empezado a ponerme con algunas de las tareas que tenía pendientes. Algunas como ponerme como un cangrejo en la playa ya están cumplidas, pero hoy por fin he subido a megaupload la versión más o menos corregida/apañada de “El Despertar” (una infame novela de zombis) en formato PDF, para el que quiera disfrutarla (es un decir) en un ebook o dejarse los ojos ante la pantalla de su ordenador:

Para descargar "El Despertar" pulsa AQUÍ

Lecturancias infecciosas

2011-05-10T20:29:00.004+02:00

Ante todo un poco de “publicitancia”, desde hace un par de semanas el tercer volumen de la Antología Z de Dolmen (que contiene un relato de un servidor) puede encontrarse en librerías y grandes almacenes, yo ya adquirí un ejemplar como puede verse en la foto.

EL TERCER VOLUMEN DE LA ANTOLOGIA Z DE DOLMEN YA OBRA EN MI PODER

Para los que no puedan permitirse gastos (que con la crisis la cosa está fatal) o los felices poseedores de un ebook (también como un servidor), pueden optar por esta otra antología organizada por el señor Athman de “Athnecdotario Incoherente” con relatos de los foreros que pululamos por el foro de “Somos Leyenda”. Pulsa AQUÍ para iniciar la descarga.

LA ANTOLOGIA DE RELATOS DE “SOMOS LEYENDA” QUE TAMBIÉN INCLUYE UN RELATO MIO

Y para terminar pero no por ello menos importante, quiero aprovechar para darle algo de promoción a “Eclosión” autoedición por parte de D. Avelino Marcos Rodríguez al más puro estilo Juan Palomo (vamos que él se lo guisa y auto edita como en su momento hice yo con “El Camino de la Cabra”). Se trata de una novela con infectados al más puro estilo “28 Días después” ambientada en Valencia.

ESTE ES EL LIBRO DE MARRAS

Si lo he hecho bien al pinchar "AQUÍ" podrás ver un "book trailer" sobre el libro.

El que se anime a darle una oportunidad a este libro, que pulse sobre “Eclosión” para ser redirigido al lugar en el que podrá hacer efectiva la compra (no, este no podréis encontrarlo como si tal cosa en el “Tajo Británico”).

Saludotes

Antologia Z Volumen 3

2011-03-21T19:11:00.003+01:00

Aunque han pasado ya unos cuantos meses que lo sé, he esperado a tener una carátula que mostrar antes de anunciar por aquí, que volví a conseguir colar un relato en la Antologia Z de la editorial dolmen (en este caso el volumen 3).

Si la cosa no se tuerce, debería ponerse a la venta para mediados del próximo mes de abril, de hecho ya puede reservarse en Cyberdark.

The Descent 2

2011-03-19T00:42:00.011+01:00

Aunque la época de las sagas interminables como “Viernes 13” o “Hellraiser” parece haber sido en gran medida substituida por la fiebre de los remakes, de vez en cuando siguen apareciendo secuelas, generalmente suele tratarse de productos de bajo presupuesto destinados a los video clubs (sí para alguno de los que aún no han cerrado) y cuando hace un par de años, escuché hablar de la secuela de la para mi notable “The Descent” (2005) de Neil Marshall, pensé que se trataría de una de esas infames secuelas. Pero para mi sorpresa, en el festival de Sitges del año 2009, escuché a no pocos aficionados hablar maravillas de ese film, lo que llamó mi atención, por desgracia (y eso no me sorprendió tanto) el tiempo pasó y la película no sólo no llegó hasta la gran pantalla, sino que ni siquiera fue distribuida en formato DVD, así que una vez más, tocó tirar del mercado de importación y ciertamente aunque no soy de los que dicen (que los hay) que supera a la primera parte, “The Descent 2” (2009) de Jon Harris, si me parece una más que digna secuela.

No es extraño que no nos suene el nombre del director Jon Harris, ya que aunque tiene una más que dilatada carrera como editor, que yo sepa (y después de consultar brevemente por internet) parece que “The Descent 2” es su único trabajo como director. Tampoco he visto que tenga proyectos a corto plazo en ese sentido y pienso que es una lástima, ya que este primer trabajo como digo “apunta maneras”.

JON HARRIS

La banda sonora es meramente funcional, no puede decirse que sea mala o inapropiada, pero no es de las que se te quedan en la cabeza (por lo menos a mí no).

En cuanto a los intérpretes, no creo que nadie se sorprenda al no encontrar a grandes estrellas, pero si a los dos personajes femeninos más relevantes de la primera parte del film (algo que se agradece aunque rompa con el final de la anterior película) y algunos rostros más o menos conocidos dentro de la pequeña pantalla.

Así el rol protagonista vuelve a recaer en Shauna MacDonald, actriz de variados orígenes (nació en Malasia en el año 1981, hija de padres ingleses y se crió en Escocia). Empezó a trabajar ante las cámaras (según la IMDB a finales de los noventa) donde ha alternado trabajos para televisión, con interpretaciones en películas no demasiado exitosas/conocidas con títulos como “Niceland (Population 1000002)” (2204)de Friðrik Þór Friðriksson , “Jetsam” (2007) de Simon Welsford o “Crónicas Mutantes” (2008) de Simon Hunter por mencionar unas pocas, por lo que para el aficionado medio, probablemente sus trabajo más reconocible sea su rol protagonista en la (para mí) excelente “The Descent” (2005) de Neil Marshall.

“THE DESCENT”

En esta secuela, su personaje pasa por dos fases. En un primer momento, Sarah nos es mostrado como un personaje apático y en gran medida aterrado por unas traumáticas experiencias que no parece poder recordar. En la segunda fase (una vez metidos en harina) su rol pasa a ser el de una mujer de acción similar al de la Teniente Ripley, aunque algo más preocupada en salvar su pellejo que en otra cosa.

SHAWNA MACDONALD

Siguiendo con las féminas, tenemos a la actriz y cantante australiana Natalie Jackson Mendoza, nacida en Hong & Kong de padres filipinos el 12 de agosto de 1978 (vamos una chica de lo más internacional).

Aunque ha trabajado como cantante y incluso actuado en musicales, si nos centramos en su carrera como actriz, esta se inició como tantas otras en la antesala del cine, es decir, trabajando en series de televisión donde empezó a dar sus primeros pasos a finales de los noventa, en los que tuvo papeles eventuales en series como “Farscape”. Su primer papel más o menos recurrente fue el de Kyra en la serie “BeastMaster”.
Siguió con papeles más o menos “de rondón” en películas australianas o coproducciones con Australia como “Muggers” (2000) de Dean Murphy o la más conocida “Moulin Rouge” (2001) de Baz Luhrman.

Pero el papel por el que la mayoría de los aficionados al cine fantástico la recordaran será por el de la guapa y expeditiva Juno en “The Descent” (2005) de Neil Marshall, papel que repite con algunas variaciones en esta secuela.

La mayor diferencia con la Juno que se nos mostraba en el anterior film, es que aquí su personaje es más “animal”, después de apañárselas (no está muy claro como) para sobrevivir al final del primer film, ha pasado días “buscándose la vida” herida en medio de la oscuridad. En resumen, sigue siendo un personaje tan expeditivo (sino más) que el interpretado en la primera parte haciendo una aparición realmente antológica.

NATALIE JACKSON MENDOZA

Al igual que en la anterior parte, el siguiente personaje relevante es también una mujer interpretada en este caso por la debutante Krysten Cummings que interpreta a Ellen, la ayudante del sheriff.

KRYSTEN CUMMINGS

Y para no eternizar esta parte, menciono también al veterano actor de origen irlandés Gavan O’Hearlihy, que es uno de esos rostros que nos resultan familiares aunque no siempre terminamos de ubicar y a la guapa actriz australiana Anna Skellern.

GAVAN O’HEARLIHY

ANA SKELLERN

El film arranca con un tipejo que encuentra a una mujer aterrada y llena de sangre, el espectador (que haya visto la anterior entrega) identificará como Sarah. Mientras, a cierta distancia de allí, las fuerzas de seguridad prosiguen con la búsqueda de las muchachas desaparecidas sobre todo gracias a que una de ellas (Juno), es hija de un importante político.

SARAH ES ENCONTRADA (EN REALIDAD CASI AL REVÉS) POR ESTE TIPO

MIENTRAS LOS EQUIPOS DE RESCATE, BUSCAN INFRUCTUOSAMENTE A LAS “JÓVENAS” DESAPARECIDAS

Por descontado las tareas de las unidades de rescate están abocadas al fracaso, ya que como recodaran los espectadores de la primera parte, Juno dio a las autoridades una ruta falsa y como “sorpresa” para sus amigas les metió a explorar una red de túneles presumiblemente inesperada. Por ello una vez Sarah es identificada, el hecho de que sea hallada a cierta distancia de donde se suponía que se habían extraviado, amnésica y cubierta de sangre, despierta las suspicacias del sheriff local, que en lugar de poner la noticia en conocimiento de las autoridades, tiene la “genial” idea de organizar una pequeña partida de rescate por su cuenta y riesgo.

SARAH ES INTERROGADA EN CUANTO ES IDENTIFICADA, PERO NO PARECE RECORDAR NADA

POR ELLO EL SHERIFF TIENE LA GRAN IDEA DE ORGANIZAR UN EQUIPO DE RESCATE POR SU CUENTA Y RIESGO

El resto supongo que no es difícil de imaginar: el grupo de rescate guiados por un “redneck” local hasta un viejo ascensor que se adentra en las entretelas de una mina próxima, que como no, comunicará con la red de galerías donde moran los bichos parientes lejanos de Gollum que ya conocemos llegando. El grupo irá encontrando pistas que les llevaran hasta el primer encuentro con los bichos y como no llega “la hora de las tortas”.

ESTE REDNECK LES GUIARÁ HASTA EL VETUSTO ASCENSOR DE UNA MINA ABANDONADA

DONDE NO TARDARAN EN DAR CON LOS PRIMEROS HALLAZGOS MACABROS

Y BUENO, SUPONGO QUE A PARTIR DE AQUÍ YA OS HACÉIS UNA IDEA DE LO QUE VIENE

El argumento ciertamente recuerda a muchas películas de similar pelaje: desde el “Aliens” (1986) de James Cameron al “Bichos” (2003) de Joseph Conti por mencionar sólo dos. Ambiente oscuro y opresivo, un ritmo que tarda muy poco en arrancar, sangre y algo de gore y una vez más, a una serie de personajes en situación límite. La parte que por lo menos para mí gusto funciona peor, son algunos momentos que caen en lo cómico recordándome al Peter Jackson de “Mal Gusto” (1987). Desconozco si la intención del director era conseguir un efecto parecido, para dar unas pinceladas cómicas, pero como ya digo, par el particular gusto del que esto escribe, ese tipo de momentos no funcionan en absoluto en una película como esta.

UNA CÁMARA ABANDONADA… NO, NO ES UN RECURSO DEMASIADO ORIGINAL

LA AMBIENTACIÓN ESTÁ MUY LOGRADA

Y LOS “BICHOS” SIGUEN FUNCIONANDO (VAMOS QUE SIGUEN RESULTANDO INQUIETANTES)

ALGUNOS “MOMENTOS PETER JACKSON” PARA MÍ GUSTO, NO TERMINAN DE FUNCIONAR

El nivel de violencia y brutalidad, es similar al que ya vimos en el anterior film, por lo que no faltaran picos incrustados contra cráneos y los mordiscos de rigor, quizás porque esa relación ya no resulta tan sorprendente, quizás por gustos personales, las escenas de acción me resultan algo por debajo a las del film de Neil Marshall.

EL NIVEL DE VIOLENCIA

GORE Y BRUTALIDAD ES SIMILAR AL DEL ANTERIOR FILM

AUNQUE OPINO QUE LA COREOGRAFIA DE LAS PELEAS ESTÁ UN PELIN POR DEBAJO A LAS DEL ANTERIOR FILM

El nivel de los FX sigue siendo correcto, manteniendo el nivel del film anterior (que tampoco era ninguna super producción) por lo que no se aprecian esas diferencias presupuestarias que a veces se encuentran en las secuelas de bajo pelo que se ruedan para el “direct to video” (directas para el videoclub de la esquina vamos). La ambientación está lograda y a pesar de que tanto el ascensor como las grutas están rodados en set, dan el pego perfectamente. El maquillaje de las criaturas, obra de Paul Hyatt, también está muy elaborado, a pesar de que siguen recordándome a una especie de mezcla entre Gollum y los Huruk Hais de “El Señor de los Anillos”.

LOS ESCENARIOS PESE A SER EN GRAN MEDIDA DE "CARTÓN"

DAN EL PEGO TOTALMENTE

Y EL MAQUILLAJE DE LAS CRIATURAS

OBRA DE PAUL HYATT

ES COMO MÍNIMO NOTABLE

Resumiendo, es la segunda parte de una película que por lo menos por su final, deduzco que se rodó sin pensar en secuelas con todo lo que ello implica: su guión no es que sea original, nos recordará a muchas otras películas a lo largo de su metraje y puede que incluso piense que hubiese sido mejor dejar la película anterior como estaba. Pero eso no quita que sea un producto con buen ritmo, entretenida y con un nivel general más que decente. Como ya dije al principio, para mí gusto no está ni por asomo al nivel de la primera parte, pero tampoco es en absoluto una mala película y de hecho la diferencia entre ambos Films tampoco es tan grande, como para que ninguna distribuidora se haya animado aún a distribuirla en España.

I Antología de Microrelatos de Athnecdotario Incoherente

2011-03-17T14:25:00.003+01:00

Vivimos una época de grandes catástrofes en la que quizás otros dramas más pequeños pero también a la vez más próximos, nos pasan desapercibidos.
Uno de estos casos, es el del pequeño Aitor, que resumiendo es poco más o menos la siguiente:

“Aitor nació el 7 de Octubre del 2009 en Lleida. Hasta el día de hoy, ha sido ingresado en el hospital en numerosas ocasiones. Ahora sus padres no puede despegarse de él. Aitor depende totalmente de sus padres y del aparato que le permite respirar. Al mes de vida, Aitor comenzó a ponerse malito. La primera visita a urgencias, comentaron que podían ser cólicos del lactante, pero los posteriores días fueron de fiebre altísima, así que ingresaron a Aitor y cuando se dieron cuenta de lo que realmente pasaba, ya era demasiado tarde, era una maldita meningitis, que ya se había apoderado de su cabecita. Aitor era normal, todo iba a ser normal y a pesar de todo, Aitor sonríe.

El pequeño Aitor, no dispone de ninguna ayuda a domicilio. Solo tiene a sus padres, y su papa Dani, se ha visto obligado a dejar un trabajo remunerado y en compensación comenzará a recibir en el mes de Marzo 520 fastuosos euros de la Ley de Dependencia. La familia de Aitor no puede pagarse una enfermera. La familia de Aitor no puede pagarse un fisioterapeuta, pero la seguridad social le ofrece 2h semanales. Aitor se tiene que trasladar con dos personas hasta el hospital, uno va conduciendo mientras el otro aspira las secreciones. La familia de Aitor, es una familia humilde.”

Es por ello que el señor Athman ha organizado la primera antología de Microrelatos de Athnecdotario Incoherente“, una recopilación de relatos de pequeña extensión (también conocidos como “microficciones” o “minicuentos”).
Dicha recopilación puede descargarse gratuitamente de esta página (aparte de muchas otras) pero tiene un precio simbólico de 1 euro que se destinaría íntegramente al apoyo de Aitor en la siguiente cuenta corriente:

Pulsa AQUÏ para iniciar la descarga

La Caixa
Nº cuenta: -2100.0337.09.0101133913-

Obviamente la donación ni es obligatoria, ni yo me voy a dedicar a comprobar quien ha hecho el ingreso y quien no, pero un euro es algo que no creo que nos vaya a solucionar nada a ninguno, es el precio de tomarse una caña o un café (en según que antros) y que con un poco de suerte, sirva para ayudar en la medida a alguien que realmente lo necesita.

The Horde (La Horde)

2011-02-05T01:13:00.003+01:00

En ocasiones algunas películas triunfan por lo original de su planteamiento. Otras por el contrario, nos cuentan algo poco novedoso pero de un modo interesante. La película “La Horde” (2009) dirigida al alimón por los directores franceses Yannick Dahan y Benjamin Rocher, nos cuenta una historia cuyo argumento es prácticamente el mismo que el de media docena de películas, pero lo hace con un ritmo y un nivel de violencia que la convierten en un producto muy interesante para los aficionados al cine de acción y al cine de terror (más a los del primero que a los del segundo).

No puedo contar gran cosa sobre los señores Yannick Dahan y Benjamin Rocher, ya que a excepción del corto “Rivoallan” (2008) que en cierto modo puede considerarse como una precuela de “The Horde” (2009) no he visto nada más dirigido por ellos y por lo que he visto, salvo algún cortometraje que no he podido localizar, este es su trabajo más destacable hasta el momento.

“RIVOALLAN” PUEDE CONSIDERARSE COMO UNA PRECUELA DE “THE HORDE”

Por lo visto hasta el momento, tengo la impresión de que al igual que directores como Quentin Tarantino, no buscan innovar con los argumentos de sus películas, vamos que lo importante no parece ser lo que cuentan sino el modo en el que lo cuentan y aunque en “The Horde” no encontraremos los característicos diálogos del mencionado director americano, el nivel de sangre y violencia tiene poco que envidiar al que hace aparición en sus filmes.

En cualquier caso, tocará esperar y ver futuros trabajos de este par de directores para ver su evolución.

YANICK DAHAN (EL CALVO) Y BENJAMIN ROCHER

La banda sonora sin parecerme especialmente espectacular, si es cumplidora y apropiada. La típica banda sonora instrumental de película de acción, obra del compositor Christopher Lennertz, que tengo entendido que está bastante bien considerado en su trabajo pero que personalmente no conozco salvo por sus trabajos en el mundo videojuegil, ya que en su curriculum encontramos desde trabajos en la banda sonora de varios videojuegos (“Gun”, “Quantum of Solace”…) a comedias y películas de tono infantil como “Alvin y las ardillas” (2007) de Tim Hill, “Marmaduke” (2010) de Tom Dey o la secuela de “Como perros y Gatos” que dirigió Brad Peyton el año pasado (2010) películas que no he tenido ocasión ni intención de ver.

Entre los actores, los directores parecieron huir de “guaperas” y según sus propias palabras, buscaron actores con rostro de cine francés (es decir con caras grandes) y realmente en el reparto no encontramos ningún rostro juvenil o chicos/as monos y entre ellos destacan:

Jean-Pierre Martins, un cantante y actor francés cuyo rostro no es demasiado conocido en España, aunque ha aparecido más o menos de rondón en alguna película como “El imperio de los lobos” (2005) de Chris Nahon, el grueso de sus actuaciones se han desarrollado en el cine del vecino país galo.

En “La Horde” interpreta a Quessem, un expeditivo (y mostachudo) agente de policía que parece ejercer como de “conciencia” del grupo. Vamos, que en ciertos aspectos el suyo sería el rol más parecido al del “bueno de la película”.

No es que su interpretación me parezca para tirar cohetes, después de todo, se trata de una película de acción y terror, siendo quizás su papel más físico que dramático, pero resulta convincente en su rol.

JEAN-PIERRE MARTINS

Tampoco es más conocida por estos pagos la actriz Claude Perron, actriz que no conocía aunque por lo que he visto en su filmografía aparece en películas como “Amelie” (2001) de Jean-Pierre Jeunet pero no la recuerdo en absoluto, por lo que supongo interpretaría un rol secundario.

En este film interpreta al personaje femenino y debo decir que interpreta un rol bastante alejado de lo que suele habituar en el cine de género fantástico. Lejos de ser la típica tetona buenorra que se pasa media película corriendo y gritando, se acerca más a lo que de un tiempo a esta parte, suele ser habitual en el cine de terror galo en las que encontramos mujeres un tanto desquiciadas capaces de reaccionar con inusitada violencia : “Alta Tensión”, “Frontiers”, “Martyrs” o “À l’Intérieur”… serían sólo algunos ejemplos de ellas.

Aurore que es el nombre del personaje interpretado por esta actriz, lejos de ser una mujer desquiciada, es quizás el personaje más frío del grupo, pero no por ello actúa con menor violencia o mala leche que el resto, dando vida a un personaje que aunque quizás no tenga el carisma de la teniente Ripley o de Sara Connor, ni probablemente se la pueda considerar como una heroína, ya que sus acciones son en muchos casos egoístas, pero es uno de los personajes más memorables del film.

CLAUDE PERRON

Pero sin duda el personaje más memorable de la película, es René el desquiciado veterano de la guerra de indochina interpretado por el veterano Yves Pignot, lo que no deja de ser curioso, ya que se trata de un actor de cierto renombre (en Francia) tanto en cine como en teatro pero sobretodo relacionado con el mundo de la comedia.

Aunque pueda parecer contradictorio encontrar a un actor como él en una película como esta, su papel entre demente y payasil, encaja a la perfección en una película en la que el exceso parece ser la norma y es que a pesar de hacer una primera aparición digna del cine slasher, su modo de expresarse, su oronda figura y algunas de sus reacciones, terminan por convertirle en el contrapunto cómico dentro de una película plagada de tipos duros y expeditivos, junto a los que a pesar de todo, no desentona en absoluto siendo la suya, quizás la mejor y sin duda la más memorable de todas las interpretaciones.

YVES PIGNOT

SU PRIMERA APARICIÓN ES DIGNA DE UN SLASHER

Quizás el único rostro que sin terminar de ubicar, me resultaba vagamente familiar es el del actor Eriq Ebouane, al que hemos podido ver en roles generalmente secundarios en varias películas de acción como “Transporter 3” (2008) de Olivier Megaton, “Hitman” (2007) de Xavier Gens o incluso en “El Reino de los Cielos” (2005) de Ridley Scott, aunque no es en absoluto un actor que sólo se mueva por esos derroteros.

Aunque su papel como jefe de una violenta banda de delincuentes, no me parece especialmente interesante (al igual que el de casi todos los protagonistas, su personaje es prácticamente un cliché del que poco llegamos a saber) su interpretación consigue dotar al personaje de cierto carisma.

ERIQ EBOUANE

El argumento del film trata sobre un grupo de expeditivos policías franceses, que tras el asesinato de uno de sus compañeros, se dirigen hasta la guarida de los delincuentes responsables de su fallecimiento, con la intención de ajustarles las cuentas tomándose la justicia por su mano.

TRAS EL ASESINATO DEL AGENTE RIVOALLAN

SUS COMPAÑEROS SE DIRIGEN HASTA EL SORDIDO EDIFICIO DONDE SE ENCUENTRA LA BANDA RESPONSABLE DEL MISMO

DISPUESTOS A AJUSTARLES LAS CUENTAS

La banda se encuentra en un ruinoso edificio de las afueras poblado mayormente por indigentes y parias de la sociedad. A causa de la inoportuna actuación de uno de ellos, el asalto sale mal y el futuro de los agentes parece presentarse más oscuro que los sobacos de un grillo.

POR DESGRACIA LA INTERVENCIÓN DE UN ESPONTANEO

TUERCE EL ASUNTO

Es en esa situación, cuando un tipo al que parecían haber asesinado recientemente, vuelve de entre los muertos con inusitada violencia y precisando de una exagerada cantidad de disparos para su eliminación. La vista desde la terraza, les confirma que toda la ciudad (Paris) parece estar en situación catastrófica y por si fuera poco, su edificio es rodeado por una verdadera marea de esos violentos atacantes, por lo que delincuentes y policías, deciden dejar de lado sus diferencias y unir fuerzas para intentar escapar del edificio con vida.

A ESTE TIPO YA LE HABÍAN DADO “PAN CON TOMATE” PERO DE REPENTE SE LEVANTA CON GANAS DE REPARTIR ESTOPA

Y AL PARECER NO ES EL ÚNICO, LA COSA NO PINTA NI PIZCA DE BIEN

POLICIAS Y DELINCUENTES DECIDEN DEJAR SUS DIFERENCIAS DE LADO POR EL MOMENTO Y AUNAR FUERZAS PARA INTENTAR SALIR DEL EDIFICIO CON VIDA

Cierto, el argumento es cualquier cosa menos original. La sombra de películas como “Asalto a la comisaría del distrito 13” (1976) de John Carpenter, “Nido de Avispas” (2002) de Florent Emilio Siri o incluso con un argumento aún más similar al “Gangs of the dead” (2006) de Duante Sinnett, por mencionar sólo a unas pocas. Entonces ¿qué es lo que diferencia a esta película de las mencionadas?, ¿Por qué merece la pena que dediquemos más de hora y media de nuestra existencia en verla?. En dos palabras: ritmo y exceso.

EL RITMO ES UNA DE LAS MAYORES VIRTUDES DE ESTE FILM

A pesar de explicar una historia ya bastante vista, lo hace con un ritmo endiablado y con un nivel de violencia que en ocasiones llega a alcanzar niveles de parodia por culpa de sus excesos.

SU NIVEL DE VIOLENCIA Y ALGUNAS SITUACIONES SON TAN PASADAS DE ROSCA QUE ES IMPOSIBLE TOMÁRSELAS EN SERIO

EN ALGUNOS MOMENTOS LA ACCION CASI PARECE PARODIAR EL GÉNERO

Otra de sus mayores virtudes, es un nivel técnico que se encuentra bastante por encima del que muestran muchas de las películas noveles de similar temática. A pesar de ser una película de dos directores prácticamente noveles y de que no contaron con excesivos medios, tiene una buena fotografía, con secuencias que en ocasiones me recuerdan a las viñetas de un cómic y sin recurrir a la cámara que se mueve de un lado a otro durante unas escenas de acción espectaculares y bien rodadas (nada de el típico truco de la cámara epiléptica para ahorrarte montar una buena coreografía). En cuanto a los efectos especiales, para mi gusto aprueba con nota en los tradicionales, al lograr unos FX más que decentes. Es cierto que canta un poco a croma en la escena donde se nos muestra ese Paris devastado, pero el nivel de los maquillajes, heridas y casquería es más que decente.

EL TRABAJO DE FOTOGRAFÍA ME PARECE NOTABLE, LLEGANDO ALGUNAS ESCENAS A RECORDARME A LAS VIÑETAS DE CÓMIC

AUNQUE LOS MEDIOS CON LOS QUE CONTABAN NO ERAN MUY ALLÁ (EL TÍPICO MAQUILLAJE A BASE DE SIROPE)

EL RESULTADO FINAL ES MÁS QUE DECENTE

Y LAS HERIDAS DAN EL PEGO

EL ÚNICO PUNTO NEGATIVO EN ESTE SENTIDO, ES QUE SE NOTA UN POCO EL CROMA EN LOS FONDOS DE ESTE PARIS APOCALIPTICO

Dicho de otro modo, los puntos técnicos y las interpretaciones son lo que compensa a uno de los guiones más manidos de la historia del cine de acción. El único giro que se sale un poco de lo habitual en este tipo de films, es la inclusión de una embarazada y un “affaire amoroso” del que se discute más que se habla durante la acción y que cobra mayor importancia en el inicio alternativo del film, a base de varios diálogos en los que se hace referencia a la infidelidad del agente Rivoallan con su compañera Aurore.

EN EL PRINCIPIO ALTERNATIVO QUE SE ENCUENTRA EN LOS EXTRAS DE ALGUNAS VERSIONES, SE DA MAYOR PROFUNDIDAD EN LA RELACIÓN QUE PARECÍAN MANTENER EL FALLECIDO AGENTE RIVOALLAN Y AURORE

Y ALGÚN DETALLE NO DEMASIADO RELEVANTE COMO UN EXPEDITIVO INTERROGATORIO PARA ENCONTRAR LA GUARIDA DE LOS ASESINOS DEL AGENTE ASESINADO

Resumiendo, si bien es cierto que después de la expectación despertada por este film en algunos círculos, puede resultar una tanto decepcionante (sobre todo a nivel argumental), no deja de ser una pasatiempo de lo más recomendable. Una de esas películas de mecanismos simples que tan disfrutables resultan cuando no nos apetece rompernos la cabeza. Después de todo el film es lo que es y da lo que vende, lo que por desgracia es más de lo que puedo decir de muchas películas con mayor difusión y distribución.

Thriller a Cruel Picture (Desenlace Mortal)

2010-08-28T20:57:00.003+02:00

Recientemente han caído en mis manos algunas películas que querría reseñar, pero la “combinancia” entre la pereza y la escasez de tiempo lo complican cosa mala. Aún y así, me he animado a reseñar una película tras la que llevaba algún tiempo y que por fin obra en mi poder en su versión integra. Se trata de “Thriller a Cruel Picture”, también conocida (es un decir) como “They Call Her One Eye” y en España como “Desenlace Mortal” dirigida en el año 1973 por el director sueco Bo Arne Vibenius.

De Bo Arne Vibenius puedo contar poco más de lo que puede encontrarse rebuscando por la imdb. Nacido el 29 de marzo de 1943 en Solna, Suecia.

Estuvo trabajando en el mundillo del cine durante la década de los sesenta trabajando en películas como “Persona” (1966) a las órdenes del mítico Ingmar Bergman, pero su filmografía como director es entre oscura y discreta. Oscura, porque según la Imdb y según los extras del DVD, sólo ha dirigido 3 películas:

ESTA ES SU FILMOGRAFÍA

Pero según la “Swedish Film Database” sus trabajos tras las cámaras son algo más extensos aunque ignotos por aquí y constaría de :

"Breaking Point" (1975), "Thriller - a cruel picture" (1974), "Husmors filmer hösten 1972" (1972), "Reklamfilm SAAB 7 km/tim - krock" (1972), "Hur Marie träffade Fredrik, åsnan Rebus, kängurun Ploj och ..." (1969), "Bakomfilm Vargtimmen" (1967), "Peace in the Walley" (1967) , "Reklamfilm Coca Cola Filmskolan" (1966), "Reklamfilmen" (1966).

Supongo que el de Colca Cola será un anuncio y por lo que he visto el resto son cortometrajes. La de “Husmors filmer hösten” Es una comedia (o algo por el estilo), “Thriller a Cruel Picture” es una explotation de venganza con generosas dosis de sexo y (en menor medida) violencia y por último “Breaking Point” es una bizarrada sobre los delirios de un maníaco sexual (con abundantes felaciones). Una filmo grafía sin duda curiosa en la que no se quedó corto a la hora de utilizar alias y pseudónimos como Ron Silverman Jr. o Alex Fridolinsky.

“BREAKING POINT”

PELÍCULA QUE DIRIGIÓ Y INCLUSO GUIONIZÓ BAJO EL ALIAS DE RON SILVERMAN JR.

Aunque el señor Vibenius ha seguido trabajando posteriormente en el séptimo arte (mayormente en la producción) y fue premiado a finales de los noventa con un diploma (en un Festival de cine fantástico sueco) que yo sepa no ha vuelto a colocarse tras las cámaras ni tiene previsto hacerlo. Una pena, ya que quizás esas películas tan explícitas y excesivas hoy tendrían menos problemas con la censura. En ese sentido y viendo hoy día en festivales películas como “A Servian Film” (2010) de Srdjan Spasojevic, se podría pensar que fue un director adelantado a su tiempo.

BO ARNE VIBENIUS DURANTE EL RODAJE DE “THRILLER A CRUEL PICTURE”

BO ARNE VIBENIUS

La banda sonora, obra del compositor sueco Ralph Lundsten, destaca por lo desagradable (por lo menos para mí) que llega a ser. De corte totalmente instrumental y chirriante, consigue desquiciar y ambientar a la perfección tan sórdida historia. Bien es cierto que no es una banda sonora que nunca vaya a poner en mi MP-3, pero ciertamente cumple su función.

En cuanto a los intérpretes, sin duda la más destacada es su protagonista femenina, encarnada por la actriz y fotonovela sueca Christina Lindberg.

Nacida en Gothenburg (Suecia) el 6 de diciembre de 1959, Britt Christina Marinette Lindberg, parece que estaba más muy interesada en la arqueología, pero como la vida estaba “apurada” (provenía de una modesta familia trabajadora) y gracias a su agraciado físico y rostro angelical, empezó a trabajar como modelo para sacarse un sueldecillo, empezando con trajes de baño ligeritos y luego pues cada vez con menos ropa para esas revistas que tanto gustan a “la banda de los cinco y el calvo”.

ESO SI ES PUBLICIDAD

El paso siguiente fue el cine. Aprovechando el auge de producciones eróticas que estaban cobrando fuerza en el cine sueco, la joven Christina Lindberg, empezó a trabajar mayormente en roles secundarios en películas como “Rötmânad” (1970) de Jan Halldoff, que no he visto pero tengo entendido que es una especie de comedia erótica que en UK se tituló algo así como “What Are You Doing After the Orgy?”o en la producción americana “Maid in Sweden” (1971) de Dan Wolman o “Diary of a Rape” (1971) de Gustav Wiklund, donde tenía un rol protagonista.

“MAID IN SWEDEN”

“DIARY OF A RAPE” TAMBIÉN CONOCIDA COMO “EXPOSED”

Para promocionar esos films en el mercado nipón (que también contaba con varias producciones eróticas denominadas “pinku”), Christina viajó a Japón donde fue tentada para trabajar en un par de estas películas siendo quizás la más destacable “Sex and Fury” (1973) de Norifumi Suzuki, donde también encarnaría un rol secundario y donde sería eclipsada por Reiko Ike, que interpretaría a la tatuada mujer yakuza Ochô Inoshika, rol que volvería a interpretar en “Female Yakuza Tale” (1973) de Teruo Ishii (esta vez sin la presencia de la actriz sueca) con secuencias tan impagables como cuando una mujer yakuza, le pide a la protagonista antes de que le corte el dedo al “malo maloso de la película”, que no le corte el índice dejando entrever que lo utiliza para darle gustirrinin a ella. También como curiosidad, comentar que el personaje de Ochô Inoshika, ya fue interpretado en el año 1969 por la actriz Junko Miyazono en “Wolves of the ciry” de Yukio Noda.

“SEX AND FURY”

Pero volviendo al tema que nos ocupa, después de volver a Suecia, el primer rol destacable de Christina, fue en la película “Anita: Swedish Nymphet” (1973) de Torgny Wickman.

“ANITA: SWEDISH NYMPHET”

Algo después, llegaría la película que nos ocupa en esta reseña “Thriller a Cruel Picture” (1973) según el film, aunque no son pocos los medios (imdb incluida) que la datan en el 1974.

LOS CRÉDITOS DEL FILM DATAN A “THRILLER A CRUEL PICTURE” EN 1973

Sea como sea, se trata de una película protagonizada por una fémina de pocas palabras sedienta de venganza. En ese sentido me recordó en gran medida a las películas de la saga "Female Prisoner #701: Scorpion" que protagonizó Meiko Kaji. Este film contenía tal cantidad de secuencias de sexo explicito (cosa que me sorprendió cuando por fin pude ver la versión integra) y de violencia digna del mismisimo Lucio Fulci (destacando una de mutilación ocular, que tengo entendido se realizó utilizando un cadáver).

LA FAMOSA ESCENA DE MUTILACION OCULAR

Tras informarme un poco, descubrí que las secuencias pornográficas, son en realidad insertos de películas porno, pero el film fue censurado incluso en Suecia, recortando la duración de su metraje a medida que iba siendo exportado. Así de los 107 minutos (aprox.) que dura la versión integra, encontramos versiones de 92 minutos (Australia), 82 minutos (USA) y 80 minutos (UK). A España llegó con el título de “Desenlace Mortal” y tengo entendido que con una duración de 104 minutos (que creo que es la versión integra sin los insertos pornográficos pero no estoy del todo seguro). Su director Bo Arne Vibenius, después del fracaso de su anterior película quiso reventar la taquilla dándole al público lo que quería (el sexo y la violencia siempre han atraído a las masas) pero lo que consiguió, fue crear una de las películas más polémicas del cine sueco.

CRISTINA LINDBERG DURANTE EL RODAJE DE “THRILLER A CRUEL PICTURE”

Después de esta película, la muchacha bajó el ritmo y aunque no desapareció del panorama de un plumazo, al negarse a participar en películas pornográficas, su carrera empezó a decaer y la actriz optó por estudiar periodismo y aunque aún era posible verla en alguna película, de hecho su último papel fue en la película “No Come Down” (2009) de Trobjörn Martin, se gana las habichuelas como editora en la revista de aviación que regentaba su marido (que falleció en el año 2004).

CRISTINA LINDBERG

A pesar de tener una carrera como actor mucho más dilatada que la protagonista femenina, el actor que interpreta a Tony (el antagonista del film), es mucho menos conocido (supongo que por motivos evidentes) entre los aficionados a este tipo de películas.

Nacido también en Suecia el 11 de noviembre de 1934, Heinz Hopf estudio en la universidad sueca de Lund y se interesó por la interpretación, empezando en el mundillo del teatro en un principio y dando el salto a la gran pantalla a mediados de los cincuenta en la película “Rasmus, Pontus and Toker” (1956) de Stig Olin, de allí pasó a trabajar regularmente para la pequeña pantalla, participando como actor en una gran cantidad de telefilms, durante la mayor parte de los años sesenta, hasta que a finales de dicha década, empezó a trabajar en el floreciente mercado de las películas eróticas como “To Ingrid, My Love, Lisa” (1968) del director americano Joseph W. Sarno uno de los directores pioneros en estas lides, “Diary of a Rape” (1971) de Gustav Wiklund, película en la que coincidiría con Cristina Lindberg con la que volvería a trabajar en “Thriller a Cruel Picture” (1973) de Bo Arne Vibenius, película en la que encarna a un malvado camello y proxeneta, que se dedica a secuestrar a chicas a las que engancha a las drogas y obliga a prostituirse.

HEINZ HOPF COMO TONY EN “THRILLER A CRUEL PICTURE”

Aunque quizás ese sea su papel más memorable (por lo menos para los fans de este tipo de films), el señor Hopf siguió trabajando llegando a trabajar con directores de la talla de Ingmar Bergman en la premiada “Fanny y Alexander” (1982) aunque fuera en un papel secundario (por no decir de rondón).

“FANNY Y ALEXANDER”

Su carrera alternó trabajos para la pequeña y la gran pantalla (con predominio de la pequeña) hasta que finalmente se retiró a mediados de los noventa y falleció por un cáncer de garganta el 23 de enero de 2001.

HEINZ HOPF

Y aunque menos destacables, también tenemos a la actriz Despina Tomazani en uno de sus primeros papeles, una actriz que se ha movido sobretodo en el cine griego (yo aparte de en esta película, ahora mismo solo la recuerdo en “Marea de Sangre” (1982) de Richard Jefferies, pero que tras consultar en la IMDB veo que entre sus primeros trabajos a principios de los setenta y el último (por ahora) en el 2009, acumula más de dos docenas de trabajos.

DESPINA TOMAZANI

Y sin olvidarnos de la actriz Solveig Andersson que interpreta a Sally, la prostituta amiga de la protagonista.

SOLVEIG ANDERSSON

El argumento del film nos presenta a Madeleine, que después de quedar muda tras un desagradable encuentro con un demente, vive con sus padres en una apacible granja.

LA PEQUEÑA MADELEINE

QUEDO MUDA TRAS UN DESAGRADABLE PERCANCE CON UN DEMENTE

Y AHORA VIVE APACIBLEMENTE EN LA GRANJA FAMILIAR

Un buen día de camino a la ciudad, decide subir al coche de Tony, un tipo que la invita a comer y que se comporta como de un modo bastante “sobrado/generoso”. Tras emborrachar a Madeleine, le inyecta heroína con el fin de convertirla en adicta para controlarla y obligarla a prostituirse.

UN DÍA, MADELEINE DE CAMINO A LA CIUDAD, SE SUBE AL COCHE DE TONY

UN TIPO CON AIRES DE MAGNATE

QUE NO RESULTA SER TRIGO LIMPIO

Obviamente la muchacha no se toma el asunto muy bien y tras un fracasado intento de fuga, rechaza de un modo un tanto violento a su primer cliente. Tony la apuñala en un ojo como represalia.

LA MUCHACHA NO SE TOMA MUY BIEN EL QUE LA DROGUEN Y OBLIGEN A PROSTITUIRSE

Y TRAS UN INTENTO FRUSTRADO INTENTO DE FUGA,

RECHAZA VIOLENTAMENTE A SU PRIMER CLIENTE

TONY EN REPRESALIA, LA APUÑALA EN UN OJO DEJÁNDOLA TUERTA

Ya inmersa en el mundillo de la prostitución, Madeleine conoce a Sally, otra mujer en su misma situación, que tiene planeado ahorrar para pagar una clínica de desintoxicación y empezar una nueva vida. Tony envía una horrible carta a los padres de Madeleine, que los afecta profundamente.

YA INMERSA EN EL MUNDILLO DE LA PROSTITUCIÓN

LA PROTAGONISTA CONOCE A SALLY, OTRA MUJER EN SITUACIÓN SIMILAR A SUYA QUE PRETENDE AHORRAR PARA DESINTOXICARSE

TONY ENVÍA UNA TERRIBLE CARTA A LOS PADRES DE MADELEINE,

Los padres de la muchacha se suicidan y Sally es asesinada. Madeleine decide invertir sus ahorros en formarse para alcanzar su venganza.

LOS PADRES DE LA MUCHACHA SE SUICIDAN

Y SALLY ES ASESINADA

MADELEINE DECIDE INVERTIR SUS AHORROS

EN PAGARSE UNOS MAESTROS PARTICULARES

QUE LA FORMARAN PARA PODER EJECUTAR SU VENGANZA

Sí, el argumento no puede decirse que sea un dechado de originalidad y supongo que aunque como de costumbre evite contar el final, más de uno ya se hace una idea de lo que viene a continuación. Pero supongo que esta es una de esas películas en las que a pesar de que uno entra a ver suponiéndose el final, lo que importa es el camino hasta llegar a él.

UNO NO VE ESTE TIPO DE PELÍCULAS

BUSCANDO GRANDES ACTUACIONES

Así, encontraremos unas actuaciones normalitas (no nos engañemos, uno no ve este tipo de films buscando grandes interpretaciones), mucho erotismo y una dosis de violencia no demasiado alta para los tiempos que corren, a pesar de que los primeros compases de la película “Martyrs” (2008) de Pascual Laugier con la muchacha irrumpiendo escopeta en mano, me recordaron a esta película mucho más que el cacareado “Kill Bill” de Quentin Tarantino, que apenas toma prestado el detalle del parche en el ojo.

EL NIVEL DE VIOLENCIA TAMPOCO ES TAN ELEVADO PARA LOS TIEMPOS QUE CORREN (ESTO SE SUPONE QUE ES EL EFECTO DE UN DISPARO DE ESCOPETA EN LA CABEZA A CORTA DISTANCIA)

LAS SECUENCIAS DE ACCIÓN, ME RECORDARON MÁS A LOS PRIMEROS COMPASES DE “MARTYRS” (ESA IRRUPCIÓN DE LA ACTRIZ EN LA CASA ESCOPETA EN MANO)

QUE A “KILL BILL” DONDE APENAS TOMA EL DETALLE DEL PARCHE EN EL OJO DE UNA DE LAS SECUNDARIAS

Pero aunque el nivel de violencia no sea tan alto, debo reconocer que tiene una pelea rodada en stop motión que es uno de los momentos más memorables del film. Esa pelea además, tuvo que ser rodada por segunda vez (esta vez en escenario interior) ya que la primera versión de la pelea (que transcurría en exteriores) sufrió un accidente, aunque luego se ha podido rescatar material de esa primera versión.

ESTA PELEA RODADA EN STOP MOTION

ES UNO DE LOS MOMENTOS MÁS MEMORABLES DEL FILM

LA PRIMERA VERSIÓN ESTABA RODADA EN EXTERIORES Y SE PERDIO EN UN ACCIDENTE DE LABORATORIO

Por el contrario también cuenta con algún tiroteo para mi gusto bastante chorras, ya que básicamente consiste en la actriz corriendo entre unas casas mientras dispara la escopeta. Para mi gusto se podría haber eliminado todo ese tiroteo sin que la película sufriera demasiada merma.

ESTE TIROTEO POR EL CONTRARIO, ME PARECE BASTANTE CHORRAS Y NO APORTA GRAN COSA POR NO DECIR NADA A LA HISTORIA

En resumidas cuentas, si esta película se rodar hoy día no creo que llamara en demasía la atención, a no ser la versión con los insertos pornográficos, ya que a nivel de erotismo y violencia está más que superada por films actuales. Pero debe reconocerse que para su época, quizás si fuera más lejos que otras películas (aunque en el cine nipón encontramos películas de similar temática y características). En cualquier caso, siempre será recordada tanto por su bella protagonista femenina, como por la censura a la que fue sometida.

Mulberry Street

2010-05-09T12:03:00.008+02:00

Bueno, después de una buena temporada de escasa (por no decir nula) actividad, hoy me ha dado por volver a la carga y para ello, que mejor que “Mulberry Street” (2006) de Jim Mickle. Una de esas películas de escasos medios que consiguen (para mi gusto) un resultado más que aceptable y que a día de hoy, sigue sin estrenarse por aquí ni en formato DVD.

No puedo contar gran cosa del señor Jim Mickle. Aunque por lo que he visto en la red, trabajó durante varios años en el departamento de cámara (los llamados “grips” que son los encargados entre otras cosas, de colocar y “agarrar” o vigilar que queden agarradas las cámaras correctamente para la construcción de un plano) y confeccionando los famosos storyboards, esa especie de “comics” que se utilizan más adelante para crear los planos.

STORYBOARD

Pero su debut como guionista y director, llegó en el año 2002 con el cortometraje “The Underdogs” un corto de horror de poco más de veinte minutos de duración, que no he visto y algo más adelante la que por el momento es su trabajo más premiado y conocido, un film de bajo presupuesto titulado “Mulberry Street” que fue uno de los films más destacados del “After Dark Horrorfestival”, un festival canadiense también conocido como “8 films to die for” (8 películas parar morir). La película que en UK se la conocería como “Zombie Virus on Mulberry Street” donde ganó el galardón a la mejor película independiente.

“ZOMBIE VIRUS ON MULBERRY STREET”

Actualmente se encuentra trabajando en al post producción de su último trabajo “Stake Land” que debería estrenarse este mismo año y que por lo que he podido ver en el trailer, es un film apocalíptico sobre vampiros, que tampoco parece contar con grandes derroches de medios.

“STAKE LAND”

Supongo que no será fácil que ese film llegué a estrenarse por aquí, aunque personalmente, pienso estar atento al mercado de importación para hacerme con él. De momento aún es pronto para juzgar la carrera de este director, pero para mi gusto, ya apunta maneras.

JIM MICKLE

La música, no me pareció especialmente destacable (lo que no es raro en una película de bajo presupuesto) pero en cualquier caso comentar que es obra del compositor Andreas Kapsalis, que por lo que he visto, suele trabajar encargándose del apartado musical de documentales, lo que le va al pelo al formato de este film.

En cuanto a los actores, sin duda destaca su protagonista masculino, interpretado por el actor Nick Damici, uno de esos actores cuyo rostro nos suena, pero que a veces nos cuesta terminar de ubicar. Le hemos podido ver por ejemplo en la película “En Carne Viva” (2003) de Jane Campion, o siguiendo con roles policíacos en la popular serie “C.S.I.”.

En “Mulberry Street” interpreta a Clutch, un fornido ex boxeador viudo, que vive de alquiler en un viejo edificio de Harlem.

NICK DAMICI

Otro rostro que puede que nos sea familiar por sus trabajos en la pequeña pantalla, es el del actor Ron Brice, que interpreta a Coco, el amigo afeminado y enamorado en secreto de Clutch.

RON BRICE

Menos conocida es la actriz americana Kim Blair, que interpreta a Casey, la joven hija del protagonista, cuyo rostro está afeado por una cicatriz que trata de cubrir con el pelo, durante su accidentado camino hasta la casa de su padre.

KIM BLAIR

Otros personajes más o menos destacados, son el interpretado por la actriz Bo Corre, encarnando a Kay, la vecina “de buen ver” a la que el protagonista le ha “echado el ojo” o el del corpulento Vic, el “gorila” del bar donde trabaja Kay, interpretado por John Hoyt.

BO CORRE

JOHN HOYT

El argumento del film, nos presenta a Clutch, un afable ex boxeador, que vive en un piso de alquiler en la calle Mulberry de Harlem en la isla de Manhattan.

ESTE ES CLUTCH

UN EX BOXEADOR QUE VIVE EN EL BARRIO DE HARLEM

Su mayor preocupación, era un aviso por parte de la empresa que había comprado el edificio, en el que se deja entrever que pronto tendrá que buscarse otra vivienda, hasta que las noticias empiezan a hablar sobre ataques de ratas que contagian un virus que convierte a los afectados en bestias sedientas de sangre.

SU MAYOR PREOCUPACIÓN ERA UN AVISO DE RE EVALUACIÓN DE INQUILINOS POR PARTE DE LA EMPRESA QUE SE HA HECHO CON EL EDIFICIO DONDE VIVE

HASTA QUE LOS INFORMATIVOS EMPIEZAN A HABLAR SOBRE UN VIRUS TRANSMITIDO POR LAS RATAS,

QUE CONVIERTE A LOS INFECTADOS EN SERES SEDIENTOS DE SANGRE

Para acabar de complicar las cosas, su hija Casey se dirige hacia allí y su vecina Kay, se encuentra atrapada en el bar en el que trabaja. Clutch sale a la calle dispuesto a buscarlas.

PARA ACABAR DE COMPLICAR LAS COSAS, SU HIJA VIENE DE CAMINO Y SU VECINA SE ENCUENTRA ATRAPADA EN EL BAR DONDE TRABAJA

CLUTCH SALE AL RESCATE

Ese es a grandes rasgos el argumento de esta película en la que la falta de medios, obligó a agujar el ingenio y aprovechar los recursos disponibles. El guión original, situaba la acción en una zona rural de Pensylvania y los zombies debían ser más convencionales. Pero cuando se dieron cuenta de que no disponían de medios para desplazarse a rodar allí, decidieron trasladar la acción a un edificio. La idea de las ratas les llegó algo después. Junto con la crítica social sobre las grandes corporaciones y la gente que vive en los barrios marginales.

LA MAYOR PARTE DE LA ACCIÓN, OCURRE EN UN EDIFICIO SITUADO EN LA CALLE QUE DA TÍTULO AL FILM

AUNQUE LA MAYOR PARTE DE LA ACCIÓN ES INTERIOR, EL FILM CUENTA CON RODAJE EN EXTERIORES

EN EL FILM TAMBIÉN TIENE CABIDA LA CRÍTICA SOCIAL

Como en la mayoría de películas de zombies, no faltarán algunas escenas sangrientas, aunque el nivel de gore no me parezca especialmente elevado. Los FX son en su mayor parte “tradicionales” a base de maquillajes y ratas auténticas en lugar de tirar de animatrónica. Pero dan el pego bastante bien la mayor parte del tiempo (hay alguna explosión un poco cutre) a lo que sin duda contribuye esa imagen sucia y pixelada que le da cierto aire semi documental y el predominio de la oscuridad.

NO FALTARÁ ALGO DE GORE (POQUITO)

LOS FX SON EN SU MAYOR PARTE TRADICIONALES

CON ANIMALES VIVOS EN LUGAR DE ANIMATRÓNICOS

PERO EN GENERAL EL RESULTADO ME PARECE BASTANTE BUENO

Pero si hay algo que me ha llamado la atención en este film, es el uso y colocación de la cámara. Como ya mencioné más arriba, la imagen es bastante sucia y en muchos casos, supongo que grabado con cámaras digitales, otorgándole cierto aire de documental que se maximiza en aquellas tomas en las que el protagonista parece seguido por un periodista “cámara al hombro”. Los planos son bastante extraños y da la sensación de que han colocado la cámara en los ángulos y lugares más inverosímiles. Así la acción en ocasiones nos será mostrado desde arriba o desde abajo, quizás para emular el punto de vista de los roedores que pululan por los lugares más insospechados. Por otro lado, hay una cantidad (para mi gusto) exagerado de planos detalle y primerísimos planos. Vamos, que no es que la fotografía de este film me parezca mala, pero si realmente extraña.

EL USO DE LA CÁMARA A MENUDO RECUERDA A UN DOCUMENTAL O A UN REALITY CON ESE SEGUIMIENTO DEL PROTAGONISTA “CÁMARA AL HOMBRO”

LOS PLANOS SON EN OCASIONES BASTANTE EXTRAÑOS

QUIZÁS PARA EMULAR EL PUNTO DE VISTA DE LOS ROEDORES

Y CON GRAN CANTIDAD DE PRIMERÍSIMOS PLANOS

Resumiendo, probablemente no es la mejor película de muertos vivientes del mercado ni creo que pretenda serlo, pero si me parece mucho mejor que al mayoría de películas de bajo presupuesto que abordan este tema. Puede que el aspecto “zombiratonil” de los infectados, pueda parecer algo ridículo, pero creo que es una película que bien se merece un visionado.

Ya llega Antología Z

2010-03-10T18:58:00.003+01:00

Los aficionados a las historias de muertos vivientes, estamos de enhorabuena. No quería mencionar el tema hasta tener datos más concretos, pero ahora que ya hay una portada y una fecha (provisional) de salida a la venta : 26 de marzo, por fin puedo anunciar como es debido, la salida del primer volumen de “Antología Z”, la apuesta de la editorial Dolmen por autores nacionales, la mayor parte desconocidos (como un servidor) dentro del mundillo de los muertos vivientes.

Tengo entendido, que incluye las historias cortas de 19 autores, por lo que malo será, que no encuentres alguna de tu gusto.

¡Corre, que se agotaaaaaaaaaaaaaaaa!

Thirst

2010-02-01T18:42:00.004+01:00

Cada vez es más habitual, encontrar películas que sin limitarse a un género en concreto, forman interesantes mestizajes. Quizás uno de los casos más curiosos, es el de la película “Bakjwi” más conocida como “Thirst” (2009) de Park Chan-Wook.

El director coreano Park Chan-Wook, es para mi gusto, uno de los directores asiáticos más prometedores del momento. Nacido el 23 de agosto de 1963. Ya hace varios años, que empezó a trabajar como director y guionista, con las películas “Moon is the Sun Dreams” (1992) y “Saminjo” (1997) y un cortometraje en blanco y negro titulado “Judgement” (1999). Aunque por el momento, poco es lo que puedo contar de primera mano sobre ese periodo, ya que no he visto ninguno de esos trabajos, aunque a modo de curiosidad, comentaré que aparte de haber participado en el guión de todas sus películas, Park Chan-Wook, también ha trabajado en el guión de otras como por ejemplo en el de “Anarchists” (2000) dirigida por Yong-Sik Yu y en la que curiosamente, el protagonista de "Old Boy" el actor Choi Min-Sik, se encargó de ejercer como compositor.

Aunque en España no se daría a conocer hasta mucho después gracias a su film “Old Boy” (2003), fue su siguiente trabajo, por muchos considerado como su obra maestra, el que le abrió las puertas al cine fuera de Corea. Se trata de “Joint Security Area” (2000) un dramático thriller de ambiente militar.

"JOINT SECURITY AREA"

En el 2002 dirigiría la primera película sobre su hoy célebre trilogía de la venganza. Nada más y nada menos que “Sympathy for Mr. Vengeance” (2002) un durísimo thriller protagonizado por personajes desesperados.

"SYMPATHY FOR MR. VENGEANCE"

Al año siguiente, el 2003, participo en la dirección de “If you Weere Me” y dirigiría la segunda película de su trilogía de la venganza “Old Boy” (2003) basada en un cómic manga que le descubrió su amigo y director Bong Joon-Ho, el director que ese mismo año dirigiría la aclamada “Memories of Murder” (2003).

"Old Boy"

Al año siguiente junto a los directores Takashi Miike y Fruit Chan, dirigió una de las partes de “Three Monsters” (2004) una película de terror dirigida por un director nipón (Miike) uno chino (Fruit Chan) y uno coreano (Park).

"THREE", LA TERCERA HISTORIA "CUT" ESTA DIRIGIDA POR PARK CHAN-WOOK

En el año 2005, cierra su trilogía de la venganza con “Sympathy for Lady Vengeance” (2005) otra thriller bastante duro, que como de costumbre, llegó con un par de años de retraso hasta las carteleras españolas

"SYMPHATY FOR LADY VENGEANCE" CIERRA SU TRILOGÍA DE LA VENGANZA

Reconozco, que me sorprendí ligeramente cuando me enteré que su siguiente trabajo, sería una especie de comedia romántica. El film en cuestión que lleva por título “I’m a Cyborg but that’s OK” (2006).

Aunque me constaba que en sus primeros trabajos había habido espacio para la comedia, sus películas más conocidas, destacaban precisamente por su dramatismo. Lo cual no hizo sino aumentar mi curiosidad por verla. En Sitges no pudo ser y al preguntar a los afortunados, me daban respuestas un tanto tibias. Casi todos, parecían esperarse otro tipo de película y aunque no les había disgustado del todo, tampoco les había convencido. Cuando finalmente (y gracias al mercado de importación) pude ver la película, vi que se trataba de un film curioso. Una película que conservaba el curioso estilo visual de su anterior film, para adentrarse en una temática totalmente distinta, aunque sigue conservando casi todos los elementos de sus películas (como el afán suicida de algunos personajes), una violencia muy visual y personajes desesperados. Por lo que aunque ese film me recordó al cine de directores como Terry Gilliam y incluso al de Pedro Almodóvar, sigue conservando integra la personalidad de su director.

“I’M A CYBORG BUT THAT’S OK”

A ese film, le siguió un producto que por lo que tengo entendido, sigue la línea de películas como “Paris je t’aime” (2006) es decir, varios cortos, dirigidas cada uno por un director distinto, titulado “Cinema 16: World Short Films” (2008) del que nada puedo contar, ya que aún no he tenido ocasión de visionar.

“CINEMA 16: WORLD SHORT FILMS”

Y por último, tenemos su siguiente film, que en España pudo verse en el pasado festival de Sitges 2009 y que ya está a la venta en el mercado de importación. Se trata de “Bakjwi” o “Thirst”, una interesante y curiosa película, sobre un sacerdote que muere al someterse voluntariamente a un experimento para ayudar a encontrar una cura para un terrible enfermedad y que milagrosamente, regresa de la muerte convertido en un vampiro. El resultado, es un film que por momentos combina elementos de drama, terror, comedia y incluso thriller. No es para mi gusto su mejor trabajo, pero si es quizás uno de los más complejos y donde una vez más, ofrece un cambio de tercio con respecto a sus anteriores films.

“THIRST”

Por el momento, aunque en la IMDB aparece como que está involucrado en algunos proyectos (algo titulado “The Ax” o quizás incluso un remake del primer film de su trilogía de la venganza (algo que me sorprendería, ya que en su momento rechazó dirigir un remake USA de “"Old Boy"), pero de momento, hasta donde yo sé (que tampoco es mucho) no hay nada confirmado, aunque teniendo en cuenta su trayectoria, no creo que tengamos que esperar demasiado para ver su siguiente film, del que no me sorprendería, otro “cambio de tercio”.

EL DIRECTOR PARK CHAN-WOOK

En este caso, la música, corre a cargo del compositor Cho Young-Ook que por lo menos para mi, es totalmente desconocido y aunque no lo hace mal, tampoco me ha llamado la atención en ese sentido, teniendo el film la típica banda sonora instrumental, con predominio de flauta, que sin disgustarme, dudo que vaya a perdurar en la memoria de muchos espectadores.

En cuanto a los actores, encontramos a varios de los habituales en los films de este director como el actor Song Kan-Ho, uno de los actores más versátiles del cine coreano, que saltó a la fama con sus papel de sargento norcoreano en el film “J.S.A.”(2000) de la mano de Park Chan-Wook y al que también hemos podido ver en roles protagonistas en películas como “Memories of Murder” (2003) y “The Host” (2006) ambas del director Bong Joon-Ho.

SONG KAN-HO EN “J.S.A.”

De físico no especialmente agraciado y con una cierta tendencia a la obesidad, se trata de un actor que lo mismo interpreta a un curtido militar, como a un padre irresponsable.

SONG KAN-HO DURANTE EL RODAJE DE “THE HOST”

Y concretamente en “Thirst” llega prácticamente a interpretar dos papeles casi totalmente opuestos. Empezando como un devoto sacerdote, que poco a poco irá transformándose en un personaje cada vez más oscuro.

SONG KAN-HO

Aunque quizás el papel más destacable, sea el de la protagonista femenina, genialmente interpretada por la joven actriz surcoreana Kim Ok-Bin. Al igual que el protagonista masculino, también el papel de la muchacha evoluciona desde un personaje tímido y retraído, a otro más frío y perverso, para terminar encarnando a la antítesis de su personaje original.

KIM OK-BIN

Entre los secundarios, encontraremos a algunos de los habituales en los films de este director como el señor Oh Dal-Su y Shin Ha-Kyun.

OH DAL-SU

SHIN HA-KYUN

El argumento del film, nos presenta a un sacerdote, que se dedica a dar consuelo espiritual a los enfermos. Queriendo ayudar a encontrar una cura contra una devastadora enfermedad incurable (el virus Emmanuel), se presenta voluntario para probar una vacuna experimental y como en los casos precedentes, también él muere o por lo menos, eso es lo que parece.

ESTE SACERDOTE SE OCUPA DE CONSOLAR Y ANIMAR A LOS ENFERMOS DE UN HOSPITAL

Y UN BUEN DÍA, DECIDE VIAJAR A ÁFRICA PARA PRESENTARSE VOLUNTARIO COMO CONEJILLO DE INDIAS, PARA UNA VACUNA EXPERIMENTAL

CONTRA EL TEMIBLE VIRUS EMMANUEL

POR DESGRACIA, EL SACERDOTE MUERE CONSUMIDO POR LA ENFERMEDAD

Ya que el sacerdote, resucita milagrosamente y aunque sufriendo aún varios de los achaques del virus, regresa a corea, donde es mitificado por los enfermos, que le atribuyen cualidades milagrosas. La madre de uno de estos enfermos, que es un conocido de su infancia le convence para que rece por su hijo el cual, contra todo pronóstico, se cura del cáncer que le tenía postrado en cama.

O ESO PARECE, YA QUE RESUCITA MILAGROSAMENTE, AUNQUE SUFRIENDO LOS EFECTOS DEL VIRUS Y SIENDO MITIFICADO COMO UN SANTO

DESPUES DE REZAR POR UN AMIGO DE SU INFANCIA, ESTE SE CURA DE UN CÁNCER

A partir de ese momento, el sacerdote se convierte en una visita habitual, en el domicilio de esa familia, que parece maltratar a la esposa del enfermo, una guapa joven, que despierta la reprimida sexualidad del sacerdote y no es eso, lo único que está empezando a despertar en él.

EL SACERDOTE EMPEZARÁ A SER UNA HABITUAL EN LA CASA DEL ENFERMO,

DONDE EMPEZARÁ A SENTIRSE ATRAÍDO POR SU JOVEN ESPOSA

Su fuerza física y sus sentidos, se encuentran amplificados hasta niveles increíbles, el sol le produce terribles quemaduras y puede regenerar por completo cualquier herida o incluso hacer remitir los síntomas del virus, tomando sangre humana.

SU FUERZA FÍSICA Y SUS SENTIDOS, SE AMPLIFICAN HASTA NIVELES INCREÍBLES

Y EL SOL LE PRODUCE TERRIBLES QUEMADURAS, PUDIENDO REGENERAR CUALQUIER HERIDA TOMANDO SANGRE HUMANA,

A priori para no destripar demasiado, ese es el punto de partida de la última película del director surcoreano Park Chan-Wook, una película de vampiros, que arremete contra casi todos los tópicos del género. Mostrando a un vampiro que obviamente al ser sacerdote, no retrocede ante la cruz, puede nadar y bucear bajo el agua, se refleja en los espejos, no tiene colmillos ni se convierte en murciélago. Pero los cambios, no quedan sólo en lo estético, ya que lejos de las típicas víctimas en este tipo de films (virginales jovencitas en camisón), él prefiere beber sangre de un obeso paciente comatoso y lucha (o lo intenta) contra unos impulsos sexuales cada vez más fuerte.

ESTE VAMPIRO NI TIENE COLMILLOS NI ACOSA A JOVENCITAS EN CAMISÓN

Eso no significa, que la película esté exenta de erotismo, más bien al contrario. El film contiene desnudos y varias tórridas escenas en las que el sacerdote, termina cediendo tanto a su pasión, como a los oscuros deseos de una jovencita, que a pesar de su aspecto tímido y retraído, guarda un lado aún más oscuro, que el del vampiro, que en ningún momento abandona sus creencias, mientras que ella permanece atea hasta el final.

NO FALTARÁ UNA MÁS QUE GENEROSA DOSIS DE EROTISMO

CONTRA TODO PRONÓSTICO, EL VAMPÍRICO SACERDOTE SIGUE CREYENDO EN EL INFIERNO, MIENTRAS QUE ELLA, PERMANECERÁ ATEA HASTA EL FINAL

Como de costumbre, el film está lleno de simbolismos, siendo uno de los más evidentes, la flauta del protagonista, que por momentos vemos convertida en elemento musical, en instrumento de castigo para fustigar sus bajos o incluso expeliendo brutales borbotones de sangre por su orificio, en lo que parece a todas luces, un símil del orgasmo, convirtiendo a esa flauta, en elemento fálico, allí donde los haya.

ESTA FLAUTA LO MISMO SIRVE COMO INSTRUMENTO MUSICAL

COMO PARA CONTROLAR BAJAS PASIONES

Y AQUÍ ES MOSTRADA COMO UN SÍMBOLO FÁLICO EN UNA ESPECIE DE PARODIA DE SANGRIENTA EYACULACIÓN

Como suele ser habitual en las últimas películas de este director, la película, es un “cambio de tercio” con respecto a sus anteriores trabajos, aunque creo que es un error, calificar a este film como de terror. No es que no tenga sangre y algún momento ligeramente gore y incluso elementos del tan cacareado cine de terror psicológico oriental, pero por momentos, las acciones de los personajes son tan exageradas, que la película se convierte prácticamente en una comedia bizarra, para luego, pasar a ser un drama y en cierto punto de la película, incluso tiene elementos de cine policiaco y por supuesto, de película romántica.

EL FILM TIENE ALGÚN ELEMENTO DE GORE

TERROR PSICOLÓGICO

O INCLUSO COMEDIA BIZARRA

El film me parece realmente impecable a nivel técnico. Con grandes actuaciones, buenos FX y una fotografía espectacular (algo habitual en la filmografía de este director).

LA FOTOGRAFÍA Y EL NIVEL TÉCNICO, ES IMPECABLE

Quizás el mayor lastre de la película, sea su duración.144 minutos, que reconozco que sobretodo durante la revisión, se me hicieron un poco largos. Quizás por ello, no me sorprenda el que exista una versión de 133 minutos que no he visto y que puede que mejore el ritmo, ya que algunas situaciones, llegan a antojarse un poco redundantes.

Resumiendo, no es mi película preferida de este director, aunque tampoco me parece de las peores. Es una película de ritmo lento (sobretodo al principio) y de final quizás demasiado atropellado. No consigue generar inquietud (por lo menos a mi no), por lo que probablemente, no satisfaga al que busque un film de terror, tampoco gustará al que busque una comedia agridulce como fue su anterior trabajo, pero pienso que en general, es una buena película, que quizás precise de más de un visionado para ser apreciada en su justa medida. Por desgracia, esos visionados, pueden hacerse un poco pesados, algo que reconozco es la primera vez que me ocurre con la obra de Park Chan-Wook.

Sobre foros y zombis

2010-01-30T21:44:00.001+01:00

Últimamente, el blog no ha estado muy activo, ya que por un lado, he estado dedicándome a escribir, mayormente un par de historias cortas y sobre un nuevo proyecto sobre muertos vivientes (ahora que el tema parece estar de moda) que lleva por título (provisional) “Punto Seguro II/07”, del que voy colgando las primeras entradas en sucio y provisionales, en el foro de “Somos Leyenda” y hablando de foros, aprovecho para recomendar uno de reciente creación, también dedicado a los muertos vivientes, se trata de “Ejército Zombie”, que aún está dando sus primeros pasos, pero que cuenta con jugosos contenidos, muy en la línea del de Zomicz, que tras un periodo de inactividad, vuelve con aspecto renovado.

En otro orden de cosas, he tenido algunos problemas con imageshack, pero parece que ya le voy pillando el truquillo y me encuentro actualmente, preparando la reseña del film “Thirst” (2009) de Park chan-Wook, que si no pasa nada raro, intentaré colgar a partir del próximo lunes.

Saludotes a todos

Martyrs

2009-12-21T15:35:00.002+01:00

Aunque por lo general mi instinto a la hora de escoger películas, no suele errar demasiado, en ocasiones me llevo una sorpresa. Uno de esos casos, se ha dado cuando viendo las películas que el año pasado (2008) se me escaparon en el festival de Sitges, dejé dos para el final. Una, era “Eden Lake” (2008) de James Watkins y la otra “Martyrs” (2008) de Pascual Laugier.
Quizás por todo lo que se había hablado sobre la violencia de la segunda y después de todo lo que me habían recomendado la primera, esperaba que “Eden Lake” me sorprendiera y que en gran medida, “Martyrs” me decepcionara, pero ha sido al revés. No es que “Eden Lake”, no resultara de mi gusto, que si lo fue, pero no me pareció ni demasiado impactante, ni nada original después de haber visto recientemente películas de trama sospechosamente similar. Por el contrario, “Martyrs”, sin parecerme una obra maestra, si me ha parecido relativamente original en su conjunto y aunque como des costumbre, creo que la polémica sobre su violencia, fue exagerada con fines promocionales, es una de esas películas, que no se cortan un pelo a la hora de mostrar violencia de lo más brutal y explícita.

“Martyrs”, es el único trabajo que he podido ver hasta la fecha, de Pascual Laugier. Por lo que sé, nació en el 16 de octubre de 1971 y empezó en el negocio del séptimo arte, como guionista y como ayudante del director, Christophe Gans.
De hecho, entre sus trabajos, se cuentan un par de documentales sobre “El pacto de los lobos” (2001) del citado Gans.

Como director, aparte de ese par de documentales, ha dirigido un par de cortos titulados “Tête de citrouille”(1993) y “4ème sous sol” (2001). En el año 2004, dirigió “Saint Ange” que aquí creo que titularon “El Internado”, una película de la que algunos hablan maravillas diciendo que es una vuelta a las películas de misterio de antaño y que otros califican como prescindible y aburrida. Aunque he tenido ocasión, aún no la he visto, por lo que por el momento, no tomaré partido al respecto.

“EL INTERNADO”

Su siguiente trabajo, fue la polémica “Martyrs” (2008) que según los más sensacionalistas, fue la responsable de que en el festival de Sitges, se precisara de los servicios de un ambulancia. Personalmente, me eso me parece una mera maniobra publicitaria, porque ese mismo año, se proyectó “Philosophy of a Knife” (2008) de Andrey Iskanov que personalmente, me parece mucho más cruda y desagradable (sobretodo teniendo en cuenta su aire semi documental y sabiendo que está basada en hechos reales) y que yo sepa, a nadie le dio ningún patatús viéndola.
Por último, apuntar que este director, estuvo relacionado brevemente con el remake de “Hellraiser”, auque finalmente se desvinculó de él y que actualmente, anda en negociaciones para dirigir un thriller sobrenatural, aunque que yo sepa, a día de hoy, aún no hay nada sólido.

PASCUAL LAUGIER

La banda sonora, es obra de Seppuku Paradign, un grupo de reciente creación (2005) formado por los hermanos Willie y Alex Cortés, que lo que es a mi, no me suenan de nada y que después de un vistazo a la socorrida IMDB, veo que ya pusieron música en comandita a la película “Eden Log” al año anterior (es decir el 2007). En cualquier caso, la música, es discreta e instrumental. Probablemente, pocos la retendrán en su cabeza, (yo apenas la recuerdo unos acordes de guitarra y he revisado la película hace un par de horas), pero si recuerdo, que el tratamiento musical, ayuda a generar tensión. Vamos, que me ha parecido adecuada y funcional, aunque quizás poco memorable.

En cuanto al elenco actoral, sin duda las más destacadas, son las guapas Marjana Alaoui en el que es uno de sus primeros papeles, interpretando a Anna y la más experimentada Myléne Jampanoï, dando vida a Lucie.

MARJANA ALAOUI

MYLÉNE JAMPANOÏ

Pero también encontramos por ejemplo a la veterana Catherin Bégin, en un pequeño pero inquietante papel y a la ágil Isabell Chasse que por lo que he leído, procede del Circo du Soleil, dando vida (bajo capas de maquillaje) a una inquietante criatura.

CATHERIN BÉGIN

ISABELL CHASSE

Y por supuesto, no puedo dejar de mencionar a las dos niñas, que interpretan breve pero magistralmente a las versiones infantiles de las protagonistas, las jóvenes Jessie Pham, como joven Lucie y Erika Scott encarna a Anna durante su niñez.

JESSIE PHAM

ERIKA SCOTT

El argumento de la película, nos presenta a Lucie, una niña que escapa de las garras de su torturador, para terminar ingresada en un centro de menores. Allí, hará amistad con Anna, una joven que se encargará de cuidar de ella.

LUCIE, ES UNA NIÑA QUE CONSIGUE ESCAPAR DE LAS GARRAS DE SUS TORTURADORES

UNA VEZ INGRESADA EN UN CENTRO DE MENORES, HACE AMISTAD CON ANNA

Quince años más tarde, Lucie que cree haber encontrado a sus torturadores, entrará a sangre y fuego en su casa, acabando con toda la familia. Anna, que llega cuando la matanza ha terminado, albergará serias dudas respecto a la culpabilidad de la familia y la salud mental de su amiga.

QUINCE AÑOS MÁS TARDE, LUCIE CREE HABER ENCONTRADO A SU TORTURADOR EN UNA FAMILIA APARENTEMENTE NORMAL

Y DECIDE HACERLES UNA “VISITA”

CUANDO ANNA LLEGA HASTA ALLÍ, SE ENCUENTRA UNA CARNICERÍA,

QUE LE HACE DUDAR SERIAMENTE, DE LA SALUD MENTAL DE SU AMIGA

A priori, parece un argumento sencillo, pero ya adelanto, que no lo es tanto como pueda parecer y que la película, se guarda más de un as en la manga, con un par de sorprendentes giros argumentales. De hecho, lo que a mi más gratamente me ha sorprendido de la película, lejos de ser su cruda violencia, ha sido su capacidad para, sorprenderme y dar un vuelco al argumento, de un modo tan convincente.

LA PELÍCULA DA UN SORPRENDENTE GIRO ARGUMENTAL

QUE ME PARECIÓ MUCHO MEJOR RESUELTO QUE EL DE OTROS FILMS COMO “ALTA TENSIÓN”

Cierto que en la película, se encuentran algunos de los “sustos” y recursos más típicos del cine de terror actual. De hecho, saquea algunos de los recursos más efectivos del cine asiático, como esa sombra oscura que cruza fugazmente por la espalda, o las contorsiones antinaturales de un misterioso ser y lo mezcla con el horror más brutal y explicito, que ha impulsado el cine francés de los últimos tiempos. Así, por momentos puede que el espectador más curtido piense : esta secuencia me recuerda a “Dos Hermanas” y esta otra a “Alta Tensión”. Cierto reconozco que no menos de cuatro películas, se me pasaron por la cabeza en momentos concretos, pero el conjunto, fue muy de mi gusto, logrando una pesadillesca ambientación, en un “escenario” relativamente pequeño.

LA PELÍCULA COMBINA CON ACIERTO LA TENSIÓN DEL CINE DE TERROR ASIÁTICO

CON EL HORROR MÁS EXPLICITO DE LA ÚLTIMA OLEADA DE CINE DE TERROR FRANCÉS

El trabajo de cámara, me parece más que acertado. Ya durante los créditos iniciales, somos puestos en antecedentes, con un pequeño documental de granulosa textura, que en apenas un par de minutos, sirve para ponernos “en situación”. Más adelante, el trabajo de cámara, me ha recordado ligeramente al de algunas películas de Lucio Fulci, con abundantes primerísimos planos. Algunos llenos de expresividad y otros que nos muestran (al igual que ocurría en las películas del mencionado director italiano) el horror y la “carnicería” con todo lujo de detalles.

DURANTE LOS CRÉDITOS INICIALES, SOMOS PUESTOS “EN SITUACIÓN”, POR UN PEQUEÑO DOCUMENTAL DE TEXTURA GRANULOSA

EL FILM CONTIENE UNA GRAN CANTIDAD DE PRIMERÍSIMOS PLANOS, ALGUNOS CON MOMENTOS DE GRAN EXPRESIVIDAD

Y OTROS PARA MOSTRAR LOS MOMENTOS MÁS DUROS, EN TODA SU CRUDEZA

La película, trata diversos temas: venganza, remordimiento, amor (rozando el lesbianismo), duda, fanatismo… algunos, dirán que en el fondo, no es sino otro “torture porn” más y puede que no les falte razón. Pero por el momento y para mi particular gusto, es el mejor resuelto por lo menos argumentalmente, hasta la fecha. También es cierto, que ese género, nunca ha destacado demasiado por su complejidad argumental.

EL FILM TRATA DIVERSOS TEMAS COMO LA AMISTAD

O LA DUDA

AUNQUE ALGUNOS DIRÁN, QUE SÓLO ES OTRO “TORTURE PORN”

Otro de los grandes aciertos de esta película, son sus efectos especiales. En una época en la que personalmente, estoy más que empachado de carísimos FX generados por ordenador, aquí vemos una vez más, un trabajo casi artesanal. El efecto, es de lo más crudo y desagradable, nada que ver con la violencia fría y videoclipera, de películas como “300”.

TANTO EL MAQUILLAJE

COMO LOS FX,

SON MAS QUE DESTACABLES

Y EN GRAN MEDIDA, FRUTO DE TRABAJO “ARTESANAL”, MÁS QUE DE RETOQUES POR ORDENADOR

Como ya he dicho en varias ocasiones y en su momento recalcaron los medios de comunicación, “Martyrs” es una película dura. No creo que vaya a hacer mella en las “tragaderas” de los curtidos aficionados al cine de terror, como me dijo uno en Sitges, a estas alturas, el que más y el que menos, ha visto ya cosas peores en la pantalla. Pero si puede resultar muy desagradable, para los espectadores más sensibles. Tanto por su nivel de violencia cruda y realista, como por el nivel de crueldad que llega a mostrarse en pantalla.

COMO YA SE HA DICHO, ES UNA PELÍCULA DURA

CON UN TRATAMIENTO DE LA VIOLENCIA BASTANTE EXPLÍCITO Y REALISTA

En fin, no quiero contar ni mostrar mucho más de esta película, para que esta no pierda su poder de sorprender, para el que la ve por vez primera (por eso la sinopsis ha sido tan corta). Personalmente, la recomiendo a los fans del cine de terror, pero una vez más, también advierto, que es más que probable, que no guste nada a los espectadores más sensibles.

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The Burrowers

2009-11-22T20:01:00.003+01:00

El género del terror, ha intentado fusionarse con el del western en más de una ocasión, pero los resultados, por lo general, suelen terminar siendo discretos. Curiosamente, durante le festival de Sitges del año pasado (2008), quizás la película de la que más disfruté. A pesar de ser nominada durante dicho festival, en la categoría de mejor película, terminó siendo una de la que menos éxito ha cosechado. Considerada lenta y aburrida por muchos, acabó siendo estrenada directamente en DVD y sin distribución por el momento en España. Se trata de “The Burrowers” (2008) de J.T. Petty.

No puede decirse que J.T. Petty sea un director conocido, por lo menos, no en España. Guionista de cine y videojuegos (como “Splinter Cell"), debutó como director con la película “Sof for Digging” en el año 2001. Una película de escaso prepuesto, en la que un ex recluso, que es testigo de un asesinato mientras buscaba a su gato, ante la ineficacia de las autoridades y espoleado por la víctima que se le aparece en sueños, emprende su propia investigación. A pesar de gozar de cierto reconocimiento y ganar el premio especial del jurado en el festival de cine independiente de Boston, esa película a día de hoy, sigue sin distribución en España.

“SOFT FOR DIGGING”

Su siguiente trabajo, que aunque obra hace tiempo que en mi poder, confieso no haber visto aún, fue la tercera parte de “Mimic” (2003), seguida unos años después de “S&Man” (2006) que tampoco he tenido ocasión de ver (y que conste que esta no por falta de ganas). Por lo que he leído, “S&Man” o “Sadman”, se trata de un film de aspecto documental, que trata sobre el tema del boyeurismo y su relación con dirigir un film, internándose en el “mundillo” del cine de terror y algunas leyendas urbanas como las Snuff-Movies. Teniendo en cuenta el interés del director por estos temas, no me sorprende que entre sus futuros proyectos, se encuentre lo que podría ser un remake del mondo “Faces of Death” (1978) de John Alan Schwartz, aunque personalmente y sabiendo lo “sensacionalistas” que son los rumores que corren por la red, me inclino más a pensar, que se tratará de un film de terror con ese mismo título.

“MIMIC 3”

Según la IMDB, en el año 2007, J.T. Petty, dirigió una mini serie con el mismo argumento y título que “The Burrowers”, pero después de buscar información al respecto por la red, no he podido dar ni con un episodio, por lo que no me extrañaría, que fuera un proyecto, que finalmente se quedará en película. En el 2008, llegaría la citada “The Burrowers”, una especie de cruce entre el “Centauros del Desierto” (1956) de John Ford y “Temblores” (1990) de Ron Underwood , que a pesar de algunas buenas críticas, no contó con el apoyo del público, de todos modos, el director aún dirigió “Blood Red Earth” (2008) un cortometraje, que podría considerarse como una precuela del anterior film, en el que unos indios hambrientos, encuentran un ciervo que ha sido víctima de los “burrowers” y movidos por el hambre, terminan “buscándose la ruina”.

“BLOOD RED EARTH”

Por el momento, J.T. Petty, esta trabajando en varios proyectos con títulos como “Subterranean” y “Faces of Death”, ambas para el 2011.

J.T. PETTY

La música, es obra del compositor Joseph LoDuca, que ha trabajado sobretodo en TV. Sin ir más lejos, es el compositor de la sintonía de series como “Hercules” o “Xena” aunque también de la saga “Evil Dead” de Sam Raimi (“Posesión Infernal”).

Pero para ser sincero, sin parecerme mala, de no ser porque acabo de verla por tercera vez recientemente, ni recordaría la BSO de “The Burrowers”, por lo que no me ha parecido especialmente destacable en ese sentido.

En cuanto a los actores, como suele ocurrir en muchos de los films de la Lionsgate, no encontramos a grandes estrellas, pero si a actores más o menos populares en la pequeña pantalla, como William Maphoter, que interpreta al curtido William Parcher, que ha aparecido en varios episodios de la serie “Perdidos” aparte de haber intervenido de modo más ocasional en series como “CSI”, “Navy Investigación Criminal” y en películas como “The Zodiac” (2005) de Alexander Bulkley.

WILLIAM MAPHOTER

Al actor irlandés Karl Geary, que ya había trabajado con J.T. Petty en “Mimic 3” y quizás por eso, le confió el rol protagonista de este film, en el que encarna a Fergus Coffey, un inmigrante irlandés, cuya prometida acaba de ser secuestrada.

KARL GEARY

Aunque sin duda el actor con más experiencia del reparto, es el americano Clancy Brown, actor que desde los ochenta, ha trabajado en decenas de series, como “Carnivale”, telefilmes como el “Blancanieves” (2001) de Caroline Thompson y películas como el “Starship Troopers” (1997) de Paul Verhoeven. En este caso, interpreta a John Clay, un veterano cazador de indios, con cierto aspecto de “predicador”.

CLANCY BROWN

Otros actores destacables, son Doug Hutchison, que interpreta a un militar un tanto sádico y desquiciado, Sean Patrick Thomas, que interpreta a un cocinero de color, a la guapa actriz Jocelin Donahue, cuyo papel todo sea dicho, no es demasiado largo y al joven Galem Hutchinson, en el que fue el segundo papel de su carrera.

DOUG HUTCHISON

SEAN PATRICK THOMAS

JOCELIN DONAHUE

GALEN HUTCHINSON

El argumento de la película, nos presenta a Maryanne Stewart, una jovencita que se encuentra nerviosa, a la espera de que su prometido, acuda en breve a pedir su mano en matrimonio. Por desgracia, quien se presenta en mitad de la noche, es un alterado vecino, que ordena a la familia esconderse en el sótano.

EL ARGUMENTO NOS PRESENTA A MARYANNE

UNA JOVENCITA QUE SE ENCUENTRA A LA ESPERA DE QUE SU PROMETIDO LLEGUE AL DÍA SIGUIENTE

PARA PEDIR SU MANO

PERO QUIEN LLEGA EN MITAD DE LA NOCHE ES UN ALTERADO VECINO

QUE HACE QUE ELLA Y SU FAMILIA, SE REFUGIEN EN EL SOTANO

A la mañana siguiente, Fergus Coffey, el prometido de la muchacha, encuentra una dantesca escena, que parece indicar, que la muchacha ha sido secuestrada. Todo parece apuntar, a que han sido los indios, así que tras el funeral de las víctimas, parte en su rescate en compañía del veterano John Clay, su amigo William Parcher, el joven hijo de la mujer a la que anda cortejando este último y una escolta militar.

A LA MAÑANA SIGUIENTE FERGUS COFFEY, EL PROMETIDO DE LA MUCHACHA

ENCUENTRA UNA DANTESCA ESCENA, QUE PARECE INDICAR, QUE LA JOVEN A SIDO SECUESTRADA

TRAS EL ENTIERRO DE LAS VICTIMAS

EN COMPAÑÍA DE UNOS CURTIDOS VECINOS Y UNA ESCOLTA MILITAR, SALE EN SU RESCATE

No tardan en encontrar a un indio solitario, al que después de torturar a conciencia, les revela que los responsables, son la tribu de “los madrigueras” (burrowers). Los militares no se sienten satisfechos con esa respuesta, por lo que Coffey y sus acompañantes, a los que se une el cocinero “Wallnut”, optan por separarse y emprender la búsqueda por su cuenta.

NO TARDARAN EN DAR CON UN INDIO

QUE TRAS UN POCO DE TORTURA, LES INDICARÁ QUE LOS RESPONSABLES SON LOS “MADRIGUERA” (BURROWERS)

COMO LOS MILITARES NO PARECEN CONVENCIDOS, EL GRUPO DE AMIGOS, SECUNDADOS POR EL COCINERO “WALLNUT”, DECIDEN SEGUIR LA BÚSQUEDA POR SU CUENTA

La búsqueda, acabará por dar sus frutos, pero “los madrigueras”, lejos de ser una tribu de indios, resultan ser unas criaturas subterráneas, realmente duras de pelar. ¿Conseguirán terminar con ellas?.

LA BÚSQUEDA DARÁ SUS FRUTOS

PERO “LOS MADRIGUERA”, NO SON PRECISAMENTE UNA TRIBU DE INDIOS, SINO UNAS PELIGROSAS CRIATURAS SUBTERRANEAS

Una de las primeras cosas que llaman la atención de esta película, es su trabajo de fotografía, que por momentos, pasa de ser espectacular a “curiosa”, como cuando nos muestra la acción desde una perspectiva aérea o incluso ladeando la cámara. Tampoco faltarán los primeros y primerísimos planos, aunque no tantos como en una película de Jess Fraco o de Lucio Fulci. En cualquier caso, el trabajo de cámara tiene su mérito, ya que al parecer, el rodaje fue bastante complicado.

LA FOTOGRAFÍA PASA DE ESPECTACULAR, CON ABUNDANTES SECUENCIAS MOSTRADAS DESDE LA PARTE SUPERIOR

A CURIOSA

ABUNDAN LOS PRIMERISIMOS PLANOS

EL RODAJE FUE COMPLICADO Y EL TIEMPO NO SIEMPRE ACOMPAÑÓ

Otra de las cosas que más me han gustado, es sus FX “tradicionales” y es que las criaturas, en lugar de estar generadas por ordenador, son fruto de un duro trabajo que incluye desde maquetas, muñecos y animatronicos a actores disfrazados.

SUS FX MEZCLAN MUÑECOS

MAQUETAS

ANIMATRONICOS

Y ACTORES (O ACTRICES) DISFRAZADOS

Aunque el nivel de violencia, es relativamente alto, no abusa del gore, aunque eso no quita, que tenga algún que otro momento, que pueda resultar desagradable.

AUNQUE EL NIVEL DE VIOLENCIA ES RELATIVAMENTE ALTO

NO ABUNDA EL GORE, PERO SI TIENE ALGÚN MOMENTO QUE PUEDE RESULTAR DESAGRADABLE

La película, no oculta su principal fuente de inspiración, el western “Centauros del Desierto” de John Ford, de hecho, incluso contiene una secuencia, que a pesar de ser resuelta de un modo muy distinto, es todo un homenaje a cuando Ethan Edwards, el personaje interpretado por John Wayne, utiliza a su acompañante como cebo.

ESTA ESCENA, ES TODO UN HOMENAJE A “CENTAUROS DEL DESIERTO”

Siguiendo el estilo de algunos westerns como “Soldado Azul” o “Bailando con Lobos”, en esta película, el hombre blanco, nos es mostrado de un modo bastante realista, en su relación con los nativos americanos, a los que asesinó y robó la caza. En ese sentido, la película también tiene un cierto mensaje ecologista.

LA PELÍCULA TAMBIÉN CUENTA CON UN CLARO MENSAJE ECOLOGISTA

En resumen, la película, por lo menos desde mi punto de vista, acierta en su ambientación de western y consigue generar tensión. Sus primeros 20 minutos, son realmente intensos, pero luego, quizás falle al tratar de estirar la tensión durante tanto tiempo, haciendo que el ritmo se resienta y decepcione al que busque un producto de “acción/terror” y condensando casi toda la acción, en la parte final. A mi no me parece mala película y de hecho, ya la he visto en tres ocasiones (una de ellas en pantalla grande) pero es una de esas películas, que pierde bastante al verse en la pequeña pantalla y pienso que no le hubiera venido nada mal un poco más de acción, para agilizar el ritmo.

Solos (Descendents)

2009-11-01T13:25:00.009+01:00

Cada vez tengo más claro, que tengo un gusto bastante particular para las películas. Ya el año pasado, empecé a oír hablar de una película de (zombis/infectados) chilena. Al principio, la curiosidad me hizo buscarla, pero cuanto más leía sobre ella, pero me la iban poniendo. Adjetivos como, aburrida, absurda y pretenciosa (por comentar unos pocos) me iban desalentando, aunque de vez en cuando, también había algún que otro espectador, al que le parecía una genialidad, por lo que viendo que se trataba de una de esas películas que el espectador termina amando u odiando, volví a ponerme con ello, hasta que finalmente di con ella. Estoy hablando de “Solos” (2008) de Jorge Olguín.

Jorge Olguin, es un joven director chileno, que empezó (según la afamada IMDB) con la dirección de un par de cortometrajes, titulados “Un Héroe Llamado José” (1998) y “El Reo Jesús” (1998) que no he podido localizar, pero por lo poco que he podido averiguar, tratan sobre la delincuencia.

Para su debut en el largometraje, dio un cambio de tercio hacia el cine fantástico y se produjo de la mano del film “Angel Negro” (2000) un film rodado mientras estudiaba en la universidad, con un magro presupuesto que no llegaba a los 17.000 euros y que pese a todo, logró llegar a las salas de cine y accediendo incluso a varios festivales de cine fantástico (como el de Sitges) consiguiendo distribución en el mercado americano, de la mano de la célebre Troma.

“ANGEL NEGRO” LOGRÓ DISTRIBUCIÓN EN LOS USA, DE LA MANO DE LA TROMA

Su siguiente trabajo (que fue el primero que yo he podido ver) fue una película de vampiros titulada “Sangre Eterna” (2002) que ya contaba con un presupuesto de más de 200.000 euros que no es que sea mucho para lo que suelen gastarse los yankis en este tipo de “saraos”, pero que es bastante más de lo que dispuso para su anterior trabajo.

“SANGE ETERNA” DISPUSO DE UN PRESUPUESTO BASTANTE MÁS ELEVADO (AUNQUE TAMPOCO PARA TIRAR COHETES)

El resultado, es una película que a mi por momentos me pareció que intentaba abarcar demasiados temas (como los juegos de rol) haciéndoseme un poco confusa y con algunos FX que obviamente, son bastante mejorables (a pesar de que fue premiada por los mismos), pero que para sus medios, no estaba nada mal.

“SANGRE ETERNA”

Su siguiente trabajo, fue el que quizás más me llamó la atención. Ya que cuando el año pasado, empecé a oír hablar de una película de zombis chilena, lo primero que pensé, fue en un par de jovenzuelos con una videocámara y sus amigotes, pero al investigar un poco más a fondo, vi que detrás de "Solos" (2008), se encontraba un director con cierta experiencia en estas lides y que el film iba a estar rodado en inglés para su distribución internacional. Pero el tiempo fue pasando y el film por lo menos a España, no llegaba y tampoco la localizaba en Amazon. Encima, parecía ser una de esas películas, que aunque de vez en cuando, alguien alababa, recibía una gran cantidad de críticas negativas. No ha sido hasta ya bien avanzado del año 2009, que he podido conseguirla y realmente, en mi opinión, se trata de un film muy mejorable en varios aspectos. Pero también me parece un film con ideas muy interesantes, que muestra como la naturaleza parece querer librarse del ser humano y como las nuevas generaciones que deben adaptarse a un nuevo ambiente para sobrevivir, van siendo diezmadas por los males de su sociedad, como la guerra.

“SOLOS”

Por último, comentar, que actualmente, Jorge Olguín, se encuentra en el proceso de postproducción de “Caleuche : El Llamado del Mar”, que parece que será su trabajo más ambicioso hasta el momento.

JORGE OLGUÍN

El apartado musical, básicamente se compone de una melodía instrumental, que aunque a veces puede ser un poco cargante (por lo menos para mi) creo que es apropiada y es obra de un tal Claudio Pérez, que la verdad sea dicha, no me suena de nada. En cuanto a la canción vocal que suena al final, reconozco que quizás porque está en castellano, es bastante de mi gusto.

Quizás uno de los mayores errores, de esta película, ha sido el rodarla en inglés. Teniendo en cuenta, que sus protagonistas, son mayormente niños de corta edad, probablemente es lo que les ha hecho tener que tirar de jóvenes sin demasiada experiencia en estas lides y si a ello le sumamos, que la película cuenta con escasos diálogos, lo que obliga a que estos sean más expresivos, el resultado final, por lo menos desde mi punto de vista, ha sido un tanto nefasto.

LA PRIMERA NIÑA DEL GRUPO, ME PARECE QUE SE MUEVE DE UN MODO UN TANTO BRUSCO E INEXPRESIVO. POR DESGRACIA, NO SE TRATARÁ DE UN CASO AISLADO

Aún y así, pienso que se salva la protagonista encarnada por Camille Lynch, una niña de apenas 9 años sin experiencia (que yo sepa) como actriz y la actriz Karina Pizarro que interpreta a su madre, creo que también lo hace bastante bien. Como curiosidad, comentar que el propio director, hace un pequeño cameo como zombi, para probar “en sus carnes” el suplicio de someterse a las intensas sesiones de maquillaje.

CAMILLE LYNCH INTERPRETA A CAMILLE LA JOVEN PROTAGONISTA

KARINA PIZARRO

EL PROPIO DIRECTOR, REALIZA UN PEQUEÑO CAMEO COMO ZOMBI

El argumento, nos presenta a la pequeña Camille, que sobrevive a duras penas en un apocalíptico mundo, en el que los adultos. Deben utilizar máscaras antigás para salir al exterior, si no quieren sucumbir de modo casi instantáneo, a una violenta infección, que los convierte en bestias sedientas de sangre. Vamos, los “zombis rápidos” o infectados que parecen llevarse ahora.

EL ARGUMENTO NOS PRESENTA A LA PEQUEÑA CAMILLE

QUE SOBREVIVE A DURAS PENAS EN UN APOCALÍPTICO FUTURO

EN EL QUE LA CONTAMINACIÓN CONVIERTE A LOS ADULTOS EN BESTIAS SEDIENTAS DE SANGRE

En medio de este apocalíptico mundo, son varios los niños, que al igual que la protagonista, han nacido con una especie de branquias en el cuello, que les permiten respirar sin infectarse en ese mundo contaminado y que no son atacados por los infectados. Por desgracia para ellos, personal militar armados con máscaras NBQ, les persiguen para exterminarlos.

VARIOS NIÑOS NACEN CON BRANQUIAS, QUE LES HACEN INMUNES A ESA CONTAMINACIÓN

PERO PARA SU DESGRACIA, AUNQUE NO SON ATACADOS POR LOS ZOMBIS, SI LO SON POR PERSONAL MILITAR, QUE TRATA DE EXTERMINARLOS TANTO A ELLOS, COMO A LOS INFECTADOS

Todos ellos, parecen querer llegar al mar, al que dibujan de modo recurrente, pero su camino no será fácil.

CAMILLE JUNTO A UN GRUPO DE NIÑOS, TRATARÁ DE LLEGAR AL MAR

PERO SU CAMINO, NO SERÁ FÁCIL

Quizás lo primero que llama la atención de esta película, es su curioso aspecto visual, ya que la película, a diferencia de los anteriores trabajos de este director, que fueron rodadas en 35 mm, está rodada en menos de 9 días con una cámara digital (manejada por el propio director)y utilizando prácticamente sólo luz natural, lo que significa que nos encontramos con una película de “zombis/infectados”, sin escenas nocturnas.

LA PELÍCULA, FUE RODADA EN DIGITAL POR EL PROPIO DIRECTOR

Pero esas imágenes, sufrieron un extenso proceso de retoque fotografico, para crear ese ambiente apocalíptico, de ciudades destruidas. Como el director no quería ambientar el film en ninguna ciudad reconocible, tomo elementos de distintas ciudades del mundo, que mediante programas informáticos como el “inferno” devastaron y más adelante, colocaron de fondo.

LA ACCIÓN NO TRANSCURRE EN NINGUNA CIUDAD RECONOCIBLE, SINO EN UN ENTORNO CREADO CON ELEMENTOS DESTRUIDOS DE VARIAS

1 LA IMAGEN RODADA EN DIGITAL

2 PRIMER RETOQUE

3 PARA ACABAR, SE LE AÑADE EL FONDO

El proceso de maquillaje, tanto de los niños (a los que añaden una especie de branquias) como de los “infectados” es bastante laborioso y los efectos de los mordiscos de los zombis, están bastante bien realizados. La película, combina tanto los FX digitales para los fondos y los aviones y helicópteros que sobrevuelan regularmente el cielo bombardeando, como los FX llamemósles “tradicionales” mucho más sencillos y baratos, para la creación de los infectados y sus ataques. El resultado, es que los digitales, a pesar de su despliegue de medios y del gran detalle de los mismos, cantan bastante a “ordenador” quedando muy poco convincentes.

A PESAR DEL GRAN DETALLE PUESTO EN LOS FX DIGITALES

LOS VEHÍCULOS AÉREOS Y LOS BOMBARDEOS, NO ME PARECIERON DEMASIADO CONVINCENTES

Por el contrario los FX “tradicionales”, si me resultan bastante acertados y creo que consiguen un resultado más que aceptable. Por el contrario, las escenas de acción, están rodadas en muchos casos de un modo demasiado movido y confuso. Algo muy de moda últimamente, pero muy poco de mi gusto.

POR EL CONTRARIO LOS FX TRADICIONALES

SI CONSIGUEN UN BUEN NIVEL

LAS ESCENAS DE ACCIÓN ESTÁN RODADAS

DE UN MODO DEMASIADO MOVIDO Y CONFUSO

El argumento de la película, puede parecer un poco simple. Pero en realidad, su tema, me parece muy interesante. El film, muestra un film en el que el ser humano, prácticamente ha destruido el planeta y la naturaleza, parece haberse vuelto contra él, siendo en cualquier caso, el mismo ser humano, el que ha propiciado su inminente caída.

EL FILM MUESTRA A UN PLANETA AL BORDE DE LA DESTRUCCIÓN POR LA ACCIÓN HUMANA

Este apocalíptico mundo, nos es mostrado desde el punto de vista de las nuevas generaciones, que a pesar de nacer adaptados para sobrevivir en él, lo tienen realmente difícil por el legado de sus padres: guerras, contaminación y por la propia humanidad en decadencia, que lejos de ayudarles, se dedica a intentar exterminarlos.

ESTO ES MOSTRADO, DESDE EL PUNTO DE VISTA DE LAS NUEVAS GENERACIONES, QUE A PESAR DE HABER NACIDO ADAPTADAS PARA SOBREVIVIR EN ÉL

TIENEN QUE BREGAR CON EL LEGADO DE “SUS PADRES”

Así entre ese futuro de tonos grises, destacan especialmente, los coloridos dibujos, realizados por los niños.

EN ESTE FUTURO GRIS, DESTACAN LOS COLORIDOS DIBUJOS DE LOS NIÑOS

En ese sentido, la película me deja una duda en su parte final (que no comentaré para no chafar la película al que no la haya visto), que me parece todo un homenaje a “El Laberinto del Fauno” (2006) de Guillermo del Toro. En el que pienso que cada cual, al igual que en la mencionada película, puede interpretarlo a su gusto, pero que el cambio de tono en el color, da cierta pista en ese sentido. Para algunos, el mencionado final, es otro de los errores de la película, aunque no es mi caso. Lo que pienso que si es otro de sus grandes lastres, es el exceso de flashbacks en el que la separación de Camille de su madre, es mostrada, añadiendo algo de información, en demasiadas ocasiones, haciendo que el ritmo de la película, llegue a hacerse bastante lento y si tenemos en cuenta, que dura poco más de 70 minutos, eso no es buena señal. Personalmente, me dejó la sensación, de que era una maniobra para alargar metraje.

EN MI OPINIÓN LA PELÍCULA ABUSA DEL FLASBACK

Resumiendo, se trata de una película, con una idea interesante, que se encuentra lastrada por un ritmo quizás demasiado lento, unas interpretaciones en muchos casos muy mejorables, unas secuencias de acción rodadas de modo en muchos casos confuso y unos diálogos que aunque escasos, en ocasiones parece que sean recitados de memoria, más que diálogos. Quizás hubiera sido mejor idea, rodarla en castellano y doblarla a posteriori. Pero a pesar de ello, la encuentro (para mi gusto) muy superior a otras películas sobre muertos vivientes, con más presupuesto y mejor ritmo, pero con mucho menos que contar. De todos modos y como de costumbre: para gustos los colores.

Adios Africa

2009-10-19T17:57:00.004+02:00

Aunque ya se ha hablado en este blog alguna que otra vez sobre los mondo, esos documentales que buscan atraer al espectador, por lo escabroso o impactante de su contenido (como por ejemplo “Philosophy of a knife” (2008) de Andrey Iskanov, los más polémicos, se rodaron durante los sesenta, con la particularidad, de utilizar “metraje real”. Es decir, que mostraban secuencias de ejecuciones, autopsias, cacerías o operaciones de cambio de sexo reales. Aunque no el primero, quizás uno de los más polémicos fue “Adios Africa” (1966) de los que probablemente fueron los padres de este tipo de productos, los italianos Gualtiero Jacopetti y Franco Prosperi.

El primero (Gualtiero Jacopetti), era un periodista Italiano, que se recicló en documentalista amarillista, para dirigir media docena de mondos. En cuanto al segundo (Franco Prosperi), era un director con un par de peplums a sus espaldas, que tras descubrir el “filón” del “shockumentary” (el mondo para entendernos), se subió a ese carro, pero que no se limitó al mismo y dirigió desde comedias a películas de horror y incluso un par de explotations italianas de espada y brujería. El tercero en discordia, fue Paolo Cavara. Director que aunque no intervino en “Adios Africa”, si codirigió junto a los dos anteriormente mencionados “Mondo Cane” (1962) que es la que muchos consideran, como el origen de los mondo con metraje real (o que quiere pasar por real). Aunque Paolo Cavara, abordó de nuevo el “shockumentary” con “La Donna nel mondo” (1963) y incluso en solitario con su tercer trabajo “I malamondo” (1964), no volvió a dirigir junto a Jacopetti y Prosperi y nos dejaría giallos como “La Tarantula del Vientre Negro” (1971) o “Terror Infinito” (1976).

GUALTERIO JACOPETTI Y FRANCO PROSPERI

Aunque desde luego, ellos no fueron los creadores del mondo, ya que incluso en los lejanos años 20 encontramos “Häxan” (1922) de Benjamin Christensen, un excelente documental sobre la brujería, podría considerarse como uno de sus primeros exponentes. Pero con el documental “Mondo Cane” (1962), esta pareja (secundados por Paolo Cavara y el compositor Riz Ortolani), fueron presuntamente, de los primeros en utilizar imágenes de “la cruda realidad sin trampa ni carton”, aunque en este tipo de documentales, casi siempre existen las sospechas y acusaciones de montajes. De hecho, incluso a la popular serie de “El hombre y la tierra”, se la acusó de orquestar muchas de sus situaciones, con más razón, estos documentales que se centran en mostrar las situaciones más chocantes, desagradables e impactantes, levanta sospechas, de ser mas bien, un montón de situaciones preparadas, a las que se les inserta algo de material grabado “al estar en el lugar y momento oportunos”.

Pero dejando esas consideraciones, a juicio del espectador, volvemos con el tema que nos interesa, los mondo.

“MONDO CANE”

“Mondo Cane” que aquí fue conocida como “Este perro mundo”, es relativamente suave. Después de un mensaje en el que se nos avisa que todas las imágenes impactantes que vamos a ver son reales, porque la labor de un reportero es mostrar la realidad objetivamente y no suavizarla (más o menos). Se nos da un “tour” por el mundo, en el que vemos desde cementerios para mascotas, a las típicas secuencias de indígenas matando animales (para luego comérselos), pollitos siendo coloreados y luego secados para su venta, patos siendo brutalmente cebados, comidas curiosas, costumbres pintorescas (en ocasiones incluso sangrientas)… pero realmente, nada demasiado impactante para un curtido espectador de “hoy en día”.

ESTE MENSAJE NOS AVISA QUE TODAS LAS IMÁGENES SON REALES Y TOMADAS DE LA VIDA COTIDIANA

“MONDO CANE” O “ESTE PERRO MUNDO” COMO SE LA CONOCE AQUÍ CUENTA CON IMÁGENES CURIOSAS, PERO TAMPOCO NADA QUE VAYA A IMPACTAR A LOS ESPECTADORES MAS CURTIDOS

Como es habitual en estos casos, el éxito de “Mondo Cane”, propició una secuela. Aunque ni Paolo Cavara ni el compositor Riz Ortolani, les secundaron en esta ocasión (si lo hicieron en cambio en “La Donna en el Mondo” en el año 1963, documental que aún no he tenido ocasión de ver) si lo hizo Nino Oliviero, que sería otro de sus compositores habituales y el director de fotografía Benito Frattari,

“MONDO CANE 2”

Esta secuela, que utilizaba material descartado de la primera parte, vio la luz apenas un año después de la primera parte, aunque tardaría 2 o más años, hasta llegar a estrenarse en algunos países. Como es habitual en este tipo de productos, las versiones que llegaron a estrenarse, en ocasiones sufrían severos cortes en su montaje, lo que hacía que hubiera diversas versiones que abarcan desde los 102 minutos de metraje (la versión integra) hasta los 72.

“Mondo Cane 2”, arranca comentando los problemas que tuvo su primera parte en UK, para mostrar como en ese país, diseccionan a unos perros, a los que previamente, han extirpado las cuerdas vocales para que no puedan molestar con sus ladridos mientras “les operan”. Así se inicia otro “tour de force” por el mundo, en el que nos muestran desde las pintorescas golosinas de “El día de los muertos” en México, a unos policías haciendo unas peligrosas (en mi opinión imprudentes) prácticas de tiro más propias de un circo que de profesionales de la seguridad, a la brutal represión de una manifestación en Saigon y la que es quizás la imagen más impactante, la de un monje budista quemándose a lo bonzo.

“ESTE ES PROBABLEMENTE, EL MOMENTO MÁS IMPACTANTE DE LA SECUELA”

Aunque podría decirse que el nivel de brutalidad mostrado es mayor que el de la primera parte, al mostrar a un ser humano quemándose lentamente. En conjunto, al revisarla en versión integra (quizás porque me tragué los 3 mondos de una sentada), es la que más pesada y en ocasiones soporífera se me hizo.

AUNQUE EL NIVEL DE BRUTALIDAD ES MAYOR, “MONDO CANE 2” ES EL MONDO QUE MAS PESADO SE ME HIZO DE LOS TRES QUE ME VI DE UNA SENTADA

Estos dos, no serían las últimas colaboraciones entre Gualtiero Jacopetti y Franco Prosperi. Aparte de la mencionada “La Donna nel el Mondo” (1963) que aún no he tenido ocasión de ver. Pero la película que realmente nos interesa, llegaría algo después. Con un proceso de rodaje, de tres años, llegaría la que es probablemente el más polémico de sus documentales (hasta el punto, que a punto estuvo de llevar a prisión a Gualtiero Jacopetti, acusado de orquestar una ejecución para poder filmarla), se trata de “Adios Africa” (1966).

Como en anteriores ocasiones, esta película llego en su momento, muy mutilada a España (90 minutos de metraje) y no ha sido hasta fechas recientes, en las que encontré una versión integra de 139 minutos.

“ADIOS AFRICA” LLEGÓ A ESPAÑA EN FORMATO VHS CON EL METRAJE MUY MUTILADO (90 MINUTOS DE 140)

Después de revisarla, la película, me dejó una serie de sensaciones irregulares. Por un lado, es innegable, que tiene una fotografía realmente buena. En ocasiones, demasiado buena, para haber sido tomada (como se supone pretenden hacernos creer) “aquí te pillo aquí te mato”, que viene acompañada por una banda sonora instrumental, que realmente acompaña.

LA FOTOGRAFÍA ES REALMENTE BUENA,

EN OCASIONES DEMASIADO, PARA HABER SIDO TOMADA “AL VUELO”

Aparte, el film utiliza algunos recursos de cámaras bastante ingeniosos, como en mitad de un juicio, la imagen se ajusta para enfocar al juez mientras este imparte una sentencia de cadena perpetua, para luego hacer lo propio con el condenado.

ESTE JUEZ NO SE INMUTA AL SENTENCIAR A UN ASESINO A PERPETUA

A DECIR VERDAD, TAMPOCO EL CONDENADO PARECE DEMASIADO SORPRENDIDO

En otros casos, nos muestra imágenes sobre algunos conflictos (como la cruenta revolución de Zanzíbar) donde sobrevuelan enormes fosas comunes y interminables explanadas plagadas de cadáveres, que por lo menos a mi, no me cabe la menor duda de que no tienen nada de preparado o cuando en mitad de unas represalias policiales, el vehículo es atacado, viendo como la culata de un fusil golpea el parabrisas, para poco después, ver como uno de sus ocupantes, es arrastrado fuera del vehículo. Al ver esas imágenes, me queda la clara sensación, de que realmente, se jugaron el tipo para rodar muchas de las imágenes.

ESTAS IMÁGENES SOBRE LA SANGRIENTA REVOLUCIÓN DE ZANZIBAR
PARECEN TENER BIEN POCO DE ORQUESTADO

ESTA SITUACIÓN

PARECE QUE SE LES COMPLICÓ

ALGUNOS ENFRENTAMIENTOS ARMADOS, REALMENTE DAN LA SENSACIÓN, DE QUE FUERON ARRIESGADOS DE FILMAR

Otro aspecto que me llamó la atención y que es común a los dos mondos anteriormente comentados, es el aparente interés del cámara, en insertar primerísimos planos, en los que se da protagonismo, a los rasgos más llamativos de varios personajes y tiene algunos elementos de erotismo, como las mujeres surafricanas corriendo mientras se quedan en ropa de baño, que me parecen metidos con calzador.

COMO EN LOS DOS MONDOS ANTERIORMENTE COMENTADOS, ABUNDAN LOS PRIMERISIMOS PLANOS

DONDE EL CÁMARA, DA PROTAGONISMO A LOS RASGOS MÁS LLAMATIVOS DE LOS PERSONAJES

COMO EN UN BUEN “MONDO” NO PUEDE FALTAR

SU DOSIS DE EROTISMO, METIDO MÁS O MENOS “CON CALZADOR”

Con lo que queda claro, que a nivel puramente técnico, el documental me parece notable. Pero en cuanto al tema que trata y mucho más importante, la forma en la que lo hace, eso ya es toda otra historia. Acusada de racista y partidista, “Adios Africa” comienza mostrándonos como los occidentales abandonan el continente, dejando el poder a los africanos.

EL DOCUMENTAL EMPIEZA MOSTRANDO COMO LOS EUROPEOS, ABANDONAN EL CONTIENTE, DEJÁNDOLE EL PODER A LOS AFRICANOS

Ya la voz en off, parece acusar a los occidentales de “abandonar” a los africanos cuando más los necesitan y empieza a mostrar situaciones entre cómicas y curiosas. Como esos guerreros que bailan con el logo de la BP en los escudos, o toda una sucesión de políticos africanos, dando mítines, que incluyen desde a un tipo que arenga con dos poyos muertos en las manos a otro tipo trajeado, al que unas cabras que pasan por allí, le derriban el micrófono ante la aparente indiferencia de sus oyentes.

LAS PRIMERAS Y PINTORESCAS REACCIONES, SON DE ALEGRIA

MOSTRANDO A VARIOS POLÍTICOS AFRICANOS DANDO UNOS PINTORESCOS MÍTINES

A medida que avanza el metraje, los africanos nos son mostrados destrozando productos europeos y surafricanos, con momentos tan curiosos, como una apisonadora pasando sobre varias toneladas de naranjas o un tipo rebozándose en los huevos procedentes de Portugal, que una turba se ha dedicado a estrellar contra el suelo.

ESTÁ CLARO, QUE LOS PRODUCTOS EUROPEOS Y SURAFRICANOS, NO SON BIEN RECIBIDOS

Luego, asistimos a subastas de las mansiones que los adinerados hombres blancos dejaron tras de si y en como estas una vez habitadas por las familias africanas, se dedican a romper los muebles para hacer leña, convirtiendo las mansiones en algo más próximo a pocilgas. Persecuciones de los caballos y demás situaciones como el teatral éxodo de los granjeros boers a bordo de unas caravanas al más puro estilo western abandonado Kenia, que causó numerosas acusaciones de “montaje”. También se nos muestran varios juicios donde antiguos miembros del movimiento “mau mau” asesinaron a población blanca o incluso a un granjero blanco sacrificando ganado al que le han cortado los tendones. El punto de vista, ciertamente me parece poco objetivo y partidista, ya que para empezar, ni siquiera se molestan en explicar que fueron los “mau mau” y francamente, dudo mucho que una gran mayoría de espectadores sepan o tengan intención de informarse al respecto. De hecho, ni siquiera me quedó claro que se indicara que la zona en cuestión era Kenia, con lo que queda claro, que el objetivo de este documental, es impactar más que informar.

LAS MANSIONES DE LOS BLANCOS CONVERTIDAS EN POCILGAS

ALGUNAS ESCENAS DE CAZA

ME PARECIERON ESPECIALMENTE DESAGRADABLES, COMO ESTA POR SU ENSAÑAMIENTO CON EL ANIMAL CAIDO

Después de esta “primera ronda”, llamémosle “política”, pasamos a otro de los clásicos en los mondo, el maltrato animal. Así, si primeramente nos muestran a los blancos friendo a tiros a un elefante al que han localizado desde un helicóptero, luego nos embarcan en una serie de masacres animales, en la que una horda africana, acribillan a lanzas a todo animal que se cruza en su camino, ensañándose especialmente, con un hipopótamo… para luego mostrarnos a una organización (regentada como no por blancos) que se dedica a salvaguardar animales de los furtivos y que movilizan todo un despliegue de medios, para mover cocodrilos a zonas más seguras. Esta parte del documental, tiene su punto culminante, en la operación de rescate de una cría de cebra, que es finalmente aerotransportada hacia su salvación, en medio de una preciosista puesta de sol.

COMO NO PODÍA FALTAR EN EL MONDO, ALGO DE MALTRATO ANIMAL

ACTIVIDADES FURTIVAS DE LAS BRUTALES CACERÍAS

LUEGO NOS MUESTRAN A UNA ORGANIZACIÓN QUE SE DEDICA A SALVAR ANIMALES

CULMINANDO CON EL PRECIOSISTA RESCATE DE ESTA CRÍA DE CEBRA

La última parte de “Adios Africa”, es quizás la más dura, al centrarse en conflictos armados, de los que una vez, nos dan escasa información. Desde una avioneta, nos muestran a la población india y musulmana, tratando de huir del archipiélago de Zanzibar, o sus cadáveres poblando ingentes extensiones de terreno. Por toda explicación, nos dicen que los medios informativos, han recordado a la población, que los musulmanes traficaron con esclavos en el pasado. No explica demasiado, que la élite musulmana, eran los dirigentes de una monarquía (fundada después de independizarse de los ingleses en el 63) que tuvo que “salir por patas” cuando se inició una brutal revolución de los estratos mas pobres de la población, que como suele ser habitual, la tomaron con los estratos más acomodados (en este caso en lugar de blancos, musulmanes e indios). Al ser un archipiélago, el acceso era complicado y aparte de unos periodistas alemanes cuya avioneta vemos incendiada, los autores de este documental, eran de los pocos periodistas occidentales en la zona, que a bordo de un helicóptero, consiguieron las que tengo entendido, que son las únicas imágenes disponibles de tan sangriento conflicto.

LAS QUE APARECEN EN “ADIOS AFRICA”, TENGO ENTENDIDO, QUE SON LAS ÚNICAS IMÁGENES DISPONIBLES DE LA REVOLUCIÓN DE ZANZIBAR

Y bueno, para no alargar mucho más el tema, comentar que a partir de este punto, es cuando llegan las imágenes más duras, tanto de conflictos armados, como de caza de animales (al levantarse las restricciones de caza) y organizarse auténticas masacres de hipopótamos y elefantes para obtener una fuente rápida y barata de carne.

A PARTIR DE ESTE PUNTO, ES CUANDO LLEGAN LAS IMÁGENES MÁS DURAS

TANTO DE CONFLICTOS BÉLICOS

COMO DE CAZA

Y POSTERIOR “PROCESADO” DE LAS PIEZAS

En este tramo, me llama la atención, como en medio de semejantes situaciones, son capaces de encontrar situaciones pintorescas, como el líder mercenario con un loro sobre el hombro que no para de gritar “¡merde!” y incluso reparte algún que otro picotazo al que se pone a su alcance o una pareja de leones, que es continuamente perseguida por domingueros con cámaras y que van marchando “de acá para allá” en busca de un rincón tranquilo en el que poder “darse un revolcón”.

A PESAR DE TODO, LOS DIRECTORES SON CAPACES

DE SEGUIR ENCONTRANDO SITUACIONES

DE LO MÁS PINTORESCAS

Así que llegados a este punto. ¿Me parece partidista el documental?. Pues sin duda y también me parece claro, que está más interesado en mostrar “carnaza”, en digamos “impactar” al espectador, que en tratar de informarle con imparcialidad. ¿Pero significa eso que carece de valor como documental?. En absoluto. A pesar de lo que pueda decirse y de sus aspectos negativos, también creo que tiene sus virtudes y que estás, no deben ser eclipsadas por sus defectos.

LA AVIONETA DE UNOS PERIODISTAS ALEMANES EN LLAMAS, DURANTE LA REVOLUCIÓN DE ZANZIBAR

Los espectadores especialmente sensibles y sobretodo aquellos, que no soportan ver matar animales, pueden llegar a pasarlo realmente mal viendo “Adios Africa”. Los que busquen informarse sobre el fin del colonialismo europeo, harán bien en informarse antes por otros medios, aunque también es cierto, que cuenta con imágenes que aunque partidistas, muestran a las claras parte de la parte más oscura y sangrante de ese proceso. Cierto que no se menciona demasiado los motivos de ese malestar de la población africana con los europeos (como pincelada, se ve una especie de elitista cacería de zorros, en la que un indígena corre haciendo las funciones de presa), pero no deja claro, aspectos como el expolio de recursos naturales y tierras o del régimen del appartheid y es una lástima, porque el material gráfico que contiene, aparte de “carnaza y erotismo” podría haber servido para un gran documento, de haber tenido algo más de interés informativo.

“ADIOS AFRICA” BUSCA ANTE TODO, IMPACTAR AL ESPECTADOR, ANTES QUE INFORMARLE DE UN MODO OBJETIVO

No es menos cierto, que el espectador habitual de los mondo, lo último que suele buscar, es informarse y que por lo general, es un mero espectador ávido de sensaciones fuertes e imágenes desagradables. En el fondo, no es algo muy distinto de la telebasura que ahora campa en distintos programas de cotilleos, donde varios pseudo famosos por haberse tirado a “la estrella” de turno, se dedican a sacar sus trapos sucios y “despellejarse” ante el público.

Primer Certament de Literatura Zombie y Apocalíptica

2009-10-12T18:53:00.003+02:00

El señor Emigranteandaluz, del foro ZOMICZ, es el principal impulsor, de un interesante concurso, sobre uno de nuestros géneros preferidos (por lo menos de los míos).

Las bases (por el momento) son:

1) Se podrán presentar todos los miembros del foro (incluso los que se unan sólo para eso.

2) Los textos no deben superar las diez páginas

3) Los textos se enviarán en formato digital A-4 (folio) con letra arial 12, una separación lineal de párrafo de 1.5, 2,5 centímetros de margen y cada párrafo deberá estar separado por una línea en blanco.

4) Los miembros del jurado no pueden participar, la administración del certamen los hará llegar los relatos sin título ni autor, siendo un número la única referencia para cada relato.

5) La historia debe estar contextualizada dentro de la temática zombi o post-apocalíptica

6) El idioma debe ser castellano en todas sus variables aceptadas, aunque se apreciará la internacionalidad del vocabulario en la narración (los personajes obviamente pueden tener la procedencia que el autor o la autora decidan, y plt se expresarán acorde con la misma).

7) Los textos presentados deben ser inéditos, vamos que no pueden haber sido publicados por ninguna editorial legal (el haberlos subido a internet NO se considera publicación).

8) El relato se deberá enviar en Word o PDF firmado con un seudónimo, y en un archivo adjunto en word los datos personajes.

8) El jurado estará compuesto por cinco personas curtidas tanto en el arte de la escritura como en el tema que nos ocupa. El jurado valorará de 0 a 10 las siguentes cinco ategorías:

- Calidad de la escritura (ortografía y gramática)
- Calidad de la estructura narrativa (si es legible o es una suma de ideas caótica)
- Calidad de la historia (si aburre, divierte, aterra, hacer reflexionar... en fin, el efecto sobre el lector)
- Originalidad de la historia (si es lo de siempre o incluye novedades con cierta racionalidad)
- Personajes (solidez, desarrollo a lo largo de la historia...)

9) El relato considerado como ganador encabezará la selección, y será leido en el podcast de zomicz en Enero (si Fido lo permite...)

10) Desde zomicz se ofrecerá a los autores o autoras cuyo texto alcance un mínimo de calidad la posibilidad de incluir su relato corto dentro de la primera Recompilación de Relatos Cortos de Temática Zombi y Post-apocalíptica en Castellano. Esta tendrá (en principio) formato digital, y será distribuida desde nuestro foro y todos aquellos espacios que se ofrezcan de forma gratuita.

11) La participación en el concurso supone la aceptación de estas bases así como el fallo del jurado.

Pues nada, para consultar sobre el tema, actualización de las bases o aunque solo sea para curiosear un poco, pulsa AQUÍ, que aún queda muco tiempo hasta diciembre.

Entrevista en el Blog del amigo Athman

2009-10-12T18:44:00.002+02:00

Días atrás y aprovechando la reciente autoedición de "El camino de la cabra", el amigo Athman, ha colgado en su blog Anecdotario Incoherente (un lugar de lo más recomendable) una entrevista y una reseña sobre mi obra. Para ociosos y curiosos, dejo enlace a ambos posts:

- PINCHA AQUÍ PARA VER LEER LA ENTREVISTA

- PINCHA AQUÍ PARA VER LA RESEÑA SOBRE "EL CAMINO DE LA CABRA"

El Camino de la Cabra III por fin en mi poder

2009-10-05T17:59:00.004+02:00

Bueno, de las tres partes, esta es la que más problemas me ha dado. Pero como suele decirse: "bien está lo que bien acaba" y después de muchos quebraderos de cabeza, por fin la tercera y última parte de "El Camino de la Cabra" obra en mi poder.

La caja, llegó a casa de mis padres el pasado lunes (vamos hace una semana), pero como yo he estado muy liado entre esto y aquello, no fue hasta el día de ayer (domingo) que pude abrir por fin la caja. Como ya he enviado los 10 primeros, he aprovechado para meter en la caja, los últimos de la segunda parte, así se harán compañía.

EN LA CAJA LOS 3 ÚLTIMOS EJEMPLARES DE LA SEGUNDA PARTE Y LOS 25 RESTANTES DE LA TERCERA

El formato es el habitual, con solapa y una foto de mi feo careto y en este caso, además un par de bocetos a lápiz del gran Sombra.

A MODO DE EXTRA, PUEDEN VERSE UN PAR DE BOCETOS A LÁPIZ DE SOMBRA

Las ilustraciones del interior, se encuentran entintadas y el resultado, creo que es tan satisfactorio sino más que las de la anterior parte.

EN ESTA TERCERA PARTE, SE ENCUENTRAN ALGUNAS DE LAS MEJORES ILUSTRACIONES DE SOMBRA

Ya he empezado con los primeros envíos y a lo largo de esta semana, según vaya consiguiendo direcciones y recordando a quien se lo tengo que enviar, irán saliendo. Ruego paciencia, ya que el asunto, se encuentra ahora en las muy capaces manos del servicio Postal (con todo lo que ello implica).

Ahora mi siguiente objetivo, es por un lado, preparar una reedición corregida de la primera parte (aunque más reducida, de unos 10 ejemplares) para los que se han enganchado a la saga a partir de la segunda parte y no la quieren coja en sus estanterias y por otra, terminar con "El Despertar", que ya está entrando en su recta final.

Sitges 2009

2009-10-05T00:21:00.004+02:00

Otro año más, ha llegado el Festival de Sitges y como viene siendo habitual, desde hace unos años, no he conseguido acreditación (por un tema bancario, no por culpa de ninguna web o webmaster), una lástima, ya que este año, me había guardado unos días de vacaciones para poder sacarle partido. Pero como no ha podido ser, me ha tocado ser selectivo.

A SITGES UN AÑO MAS

Siguiendo mi rutina anual, el primer día (el pasado jueves día 1) me desplacé para hacerme con las entradas de las películas que más me interesan y de paso, para aprovechar y pasear, antes de que el festival se llene de gente.

EL AUDITORIO ESTÁ YA PREPARADO CON SU ALFOMBRA ROJA Y TODO

El tiempo no es que fuera muy veraniego, pero algunas personas, se bañaban en la playa.

EL TIEMPO NO ES QUE FUERA MUY VERANIEGO

PERO PODÍA VERSE ALGÚN QUE OTRO BAÑISTA

Una vez en el pueblo, me llegué a las salas, que ya lucían carteles con las películas que iban a proyectar.

LAS SALAS YA ESTÁN LISTAS

Y COMO NO ANUNCIANDO LOS TÍTULOS

TAMPOCO FALTARON LOS MEGA CARTELONES

Y también como cada año, compré alguna película por allí. Este año ha tocado “Phobos”.

LA “CAPTURA” DE ESTE AÑO

De momento, las dos películas que he visto, “Thirst” y “The Countess”, han resultado bastante de mi gusto y para variar, la entrada al recinto no se ha retrasado (han sido bastante puntuales), no se ha estropeado ninguna pantalla de subtítulos, ni he sufrido ningún registro antes de la entrada, por lo que de momento, la cosa está marchando mejor que otros años.

Cut and Run

2009-09-27T14:48:00.003+02:00

Algunos directores, a pesar de tener una larga trayectoria profesional a sus espaldas, son prácticamente conocidos por una única película. Este sería por ejemplo el caso del italiano Ruggero Deodato, que lleva “en el tajo” desde la década de los sesenta y que entre un gran número de aficionados, sólo es recordado por ser el director de la polémica “Holocausto Caníbal” (1980), quizás el más conocido de los mondos de caníbales. Pero no fue este, el único film de ese género que dirigió. Quizás uno de sus films más extraños, a caballo entre el mondo de caníbales (aunque sin escenas de canibalismo) y el cine de explotación (explotation) encontramos su “Cut and Run” (1985), un film, que sin ser ninguna obra maestra, merece que le prestemos algo de atención.

El señor Ruggero Deodato, nació el 7 de mayo de 1939 en Potenza (Italia). Desde joven, mostró interés por el mundo del cine y gracias a su amigo Renzo Rossellini conocido productor y director hijo del afamado director Roberto Rossellini, pudo trabajar como director de segunda unidad en varios films de Rossellini como “El General de la Rovere” (1959) o “Fugitivos en la Noche” (1960) y algo más adelante, de otros directores en films como: “Lo Smemorato di Collegno” (1962) y “Joe el Implacable” (1966) de Sergio Corbucci o “Il Planeta Errante” (1966) de Antonio Margheriti.

Se considera que el peplum “Ursus el Terror de los Kirgueses” dirigida al alimón por Deodato y Margheriti en el año 1964, fue su debut como director. A ese debut, le seguirían otros trabajos como director de segunda unidad y ya en solitario y bajo el seudónimo de Roger Rockefeller, dirigiría “Fenomenal e il Tesoro di Tutankamen”. Seguiría con trabajos igual de conocidos (es un decir) y trabajos para televisión la dirección de varios episodios de las series “Il Triangolo Rosso” y “All’Ultimo minuto”.

Ruggero Deodato, seguiría trabajando en esa misma línea y probablemente su nombre no nos sería hoy conocido, de no ser porque a finales de los setenta el director Umberto Lenzi, con una escena de canibalismo del film ”Il Paese del Sesso Selvaggio” (1972) que era una explotación de “Un hombre llamado Caballo” (1970) de Elliot Silverstein, daba el pistoletazo de salido del género conocido como “mondo de caníbales”. Esas películas que se caracterizaban por mostrar duras imágenes de crueldad con los animales, desnudos a porrillo y gore a granel, aparte de rellenar metraje con más o menos desvergüenza, con insertos de documentales o incluso con imágenes de otro film. Pero el caso, es que durante la década de los setenta y principios de los ochenta, proliferaron estos films y aunque el primero en ser dirigido por Deodato fue “Ultimo mondo cannibale” (1977), fue su siguiente incursión en el género “Holocausto Canibal” (1980) la que hizo famoso, en gran medida, gracias a la polémica generada a raíz de la engañosa publicidad, que en varios casos quiso hacer pasar la película como un auténtico documento rescatado, de una tribu de caníbales. Y su escena que muestra a una muchacha empalada (solucionada gracias a un sillín de bicicleta y un hábil uso de la cámara), sigue siendo hoy día, todo un icono de ese género.

“HOLOCAUSTO CANIBAL”

Pero a pesar del éxito de ese film, ninguno de sus trabajos posteriores como “Trampa para un violador” (1980) una explotación de “La Última Casa a la Izquierda” (1976) de Wes Craven, “Cut and Run” (1985) violento film con casi todos los elementos (menos el canibalismo) del mondo de caníbales y un reparto internacional, en el que durante buena parte del metraje, unos periodistas transmitían sus desventuras en directo de modo que puede recordar vagamente a la posterior “Rec” (2007) de Balagueró y Plaza o “Los Bárbaros” (1987) una de aquellas “explotation” más simpáticas que memorables de espada y brujería (con más espada que brujería) que se pusieron de moda durante mediados de los ochenta a raíz del “Conan el Barbaro” (1982) de John Milius conseguía repetir “el pelotazo” de “Holocausto Canibal”.

“TRAMPA PARA UN VIOLADOR”

Así, Ruggero Deodato, siguió trabajando tanto para la gran, como para la pequeña pantalla (como el telefilm “Padre Speranza” protagonizada por el mítico Bud Spencer) y aunque incluso podemos verle haciendo cameos más curiosos que destacables (sin ir más lejos en “Hostel 2” (2007) de Eli Roth, ninguno de sus últimos films, ha logrado alcanzar destacables cuotas de publicidad (por lo menos en España). Desde hace varios años, va anunciando una secuela/remake de su mayor éxito que parece que finalmente se materializará en el film “Cannibals” que se supone, se estrenará antes de que termine el año, pero personalmente, pienso que la época de este tipo de productos ya pasó y aunque de vez en cuando se dirigen films de este género y nunca se sabe, cuando un género va a volver a resurgir de sus cenizas (como el actual resurgir de los films de muertos vivientes). De verdad espero, que el señor Deodato triunfe y de un nuevo impulso a ese género (a ser posible, quitando las secuencias de maltrato animal), pero siendo sincero, dudo muy seriamente que lo consiga.

RUGGERO DEODATO

La música original, tengo entendido que era obra del compositor Claudio Simonetti, pero también me dijeron hace tiempo, que de esta película, circulaban dos montajes musicales distintos (no recuerdo bien porque royo). Ignoro si esa información es correcta o no, la cuestión, es que la versión que circula por España, cuenta con una banda sonora instrumental, un tanto machacona, que integra una especie de gritos animalescos, que me parece de lo más apropiada.

En cuanto a sus intérpretes, encontramos un reparto compuesto por numerosos actores tanto americanos: Lisa Blount, Willie Aames, Richard Lynch, Eriqe La Salle o el inconfundible Michael Berryman. Como Europeos: como Leonard Mann (Leonardo Manzanella), Gabriele Tinti, Valentina Forte, el inglés John Steiner y incluso, alguno sudamericano como el actor uruguayo Luca Barbareschi.

LA AMERICANA LISA BLOUNT INTERPRETA A LA PROTAGONISTA, UNA REPORTERA CON UN ESTÓMAGO A PRUEBA DE BOMBA

LEONARD MANN (LEONARDO MANZANELLA) INTERPRETA AL SUFRIDO CÁMARA QUE SECUNDA A LA REPORTERA

EL INCONFUNDIBLE MICHAEL BERRYMAN (POPULAR SOBRETODO GRACIAS A SU PERSONAJE EN “LAS COLINAS TIENEN OJOS”)

RICHARD LYNCH, COMO EL CORONEL BRIAN HORNE, EL MALO MALOSO DE LA PELÍCULA

ERIQ LA SALLE, INTERPRETA A FARGAS, EL DUEÑO (O ENCARGADO) DE UNO DE ESOS BARES CON CHICAS QUE BAILAN LIGERAS DE ROPA, MIENTRAS SE SACA UN SOBRESUELDO, VENDIENDO CHIVATAZOS

WILLIE AAMES, DA VIDA A TOMMI ALLO, EL “GRUMETILLO” AL QUE LOS PROTAS VAN A RESCATAR DE LAS GARRAS DE LOS NARCOS MALOS

VALENTINA FORTE DURANTE EL QUE FUE UNO DE SUS PRIMEROS PAPELES, INTERPRETANDO A ANA, TRABAJO QUE QUIZÁS PRECISÓ DE MAS EXHIBICIÓN DE CARNE QUE DE TALENTO INTERPRETATIVO

EL BRITÁNICO JOHN STEINER, DA VIDA VLADO, UN MALOTE, QUE PROTAGONIZA LA QUE ES QUIZÁS, LA ESCENA MAS DESAGRADABLE DEL FILM

ESTE FUE, EL ULTIMO TRABAJO (SEGÚN LA IMDB) DE CARLOS DE CARVALHO, UN ROL DE PILOTO, RELATIVAMENTE INTRASCENDENTE

El argumento, nos presenta a una pareja de reporteros, compuesto por una presentadora y su sufrido cámara, que al investigar una trama de tráfico de drogas, topan con una dantesca matanza.

ESTE PAR DE INTRÉPIDOS REPORTEROS, PREPARAN UN REPORTAJE SOBRE TRÁFICO DE DROGAS

PERO CUANDO LLEGAN AL LUGAR EN CUESTIÓN, LA BANDA DE TRAFICANTES,

HA SIDO BRUTALMENTE MASACRADA

En la escena del crimen, dan con una fotografía, que les remite al que podría ser el coronel Brian Horne, al que se suponía muerto en la infame matanza de Guyana (el suicidio colectivo de los miembros de la secta Templo del Pueblo, del pastor Jim Jones) junto al joven y desaparecido hijo, del productor de su cadena. Como el tema es a la vez jugoso para la pareja de sensacionalistas reporteros, que quieren entrevistar al superviviente y el tema toca en lo personal al productor, reciben medios para viajar hasta el amazonas y retransmitir en directo.

EN LA ESCENA DEL CRIMEN, DAN CON UNA MISTERIOSA FOTOGRAFÍA

EN AL QUE APARECE UN TURBIO EX MILITAR SUPUESTAMENTE FALLECIDO Y EL HIJO DESAPARECIDO DE SU PRODUCTOR

GRACIAS AL HALLAZGO, LA CADENA LES PROPORCIONA LOS MEDIOS PARA VIAJAR HASTA SUDAMERICA

Y RETRANSMITIR SU AVENTURA EN DIRECTO

Lo malo del asunto, es que un grupo de violentos indígenas, acaudillados por los esbirros del coronel Horne, se dedican a exterminar narcotraficantes y ya puestos, a todo el que se cruce (o tropiecen) en su camino, de forma bastante expeditiva.

PERO UN EXPEDITIVO GRUPO DE VIOLENTOS INDIGENAS

ACAUDILLADOS POR LOS ESBIRROS DEL CORONEL HORNE

ANDAN REPARTIENDO ESTOPA A GRANEL POR LA ZONA

Después de algunas desventuras, la pareja de reporteros, consiguen dar con el joven hijo del productor, aunque se encuentran sin medios para salir del lugar y rodeados tanto por un entorno bastante hostil. ¿Conseguirán salvar el pellejo?.

DESPUÉS DE ALGUNAS DESVENTURAS, LA PAREJA DE REPORTEROS, CONSIGUE DAR DAR CON JOVEN HIJO DE SU PRODUCTOR, PERO SE ENCUENTRAN SIN MEDIOS PARA REGRESAR EN UN MEDIO DE LO MAS HOSTIL

¿CONSEGUIRAN SALIR DE ALLÍ CON VIDA?

La película, es una curiosa mezcolanza de géneros. Por un lado, contiene un argumento y una ambientación, que hará que el espectador más o menos curtido en cine ochentero, piense que se encuentre ante un mondo de caníbales.

LA GRAN CANTIDAD DE VIOLENCIA EXPLÍCITA

USO DE ANIMALES

INSERTOS DE DOCUMENTAL

Y GENEROSAS DOSIS DE EROTISMO,

DONDE NO FALTAN LAS BRUTALES VIOLACIONES, TODOS EN CONJUNTO, SON VARIOS DE LOS ELEMENTOS CARACTERÍSTICOS DE LOS MONDO DE CANÍBALES

Por otro lado, el argumento puede recordar muy vagamente a una explotation de “Apocalipse Now”, con la búsqueda de un misterioso coronel, que anta capitaneando una misteriosa y expeditiva tribu.

EL TEMA DEL MISTERIOSO EX CORONEL

CAPITANEANDO UNA TRIBU QUE ANIQUILA NARCOS, ME RECORDÓ EN MÁS DE UN MOMENTO A “APOCALIPSE NOW”

El tema de los dos reporteros grabando contra viento y marea, puede hacernos pensar en el anterior éxito de este mismo director “Holocausto Canibal”, film que fue la semilla de la que terminaron por germinar mucho más adelante, películas como “The Blair Witch Project” o “Rec”.

LOS DOS PERIODISTAS GRABANDO PESE A VIENTO Y MAREA (O LO QUE ELS ECHEN) CON TAL DE CONSEGUIR SU REPORTAJE, PUEDE RECORDARNOS TANTO A “HOLOCAUSTO CANIBAL” DEL MISMO DIRECTOR, COMO A FILMS MUCHO MAS TARDÍOS COMO “THE BLAIR WITCH PROJECT” O “REC”

A pesar de toda esa mezcolanza y de que quizás, algunas interpretaciones (como todo) son mejorables, la película funciona en conjunto y cuenta además, con unos FX bastante dignos y con una fotografía bastante destacable, incluso en las secuencias eróticas.

SUS FX

SON MAS QUE DIGNOS

Y CUENTA CON UNA FOTOGRAFÍA BASTANTE DESTACABLE

INCLUSO EN LAS SECUENCIAS ERÓTICAS

El que quiera verla, encontrará una crítica a la prensa mas amarillista, sensación que se ve reforzada con frases como “Soy reportera, no puedo andarme con remilgos” y en menor medida, al tráfico de drogas. También se toca algo de rondón, el tema de las sectas, aunque realmente, el film no hace un acercamiento serio a ninguno de los temas, por lo que el film es puramente de entretenimiento y no un producto semi documental en la línea de películas como el “Traffic” (2000) de Steven Soderberg.

EL QUE QUIER VERLA, ENCONTRARÁ UNA CRÍTICA A LA PRENSA MAS AMARILLISTA

AL MUNDO DE LAS DROGAS

Y MAS DE REFILÓN, AL DE LAS SECTAS

Resumiendo, se trata de una película de aventuras, que mezcla elementos e ideas de varios géneros. Su nivel de gore y violencia, sobretodo en la versión integra, puede que haga de este film, un producto que no sea del gusto de todos los paladares. Algunos elementos de su guión, no terminan de funcionar o de encajar, pero al fin y al cabo, se trata de una película de entretenimiento y entretener, por lo menos a mi, consiguió entretenerme.

El Camino de la Cabra 3 : La Oscura Senda de la Venganza

2009-09-14T15:51:00.002+02:00

Aunque el asunto se ha retrasado bastante por diversas complicaciones, finalmente, se ha solucionado todo y la tercera parte de “El Camino de la Cabra”, obrará en breve en formato papel en mi poder, con el mismo formato que las dos partes anteriores, ya que finalmente, no fue necesario el cambio de editorial.

Hoy mismo he realizado el ingreso, por lo que los libros deberían obrar en mi poder, en un plazo de un par de semanas. Al igual que la segunda parte, se trata de una tirada bastante reducida (30 ejemplares) que salen a un precio de 11 euros (salían a unos céntimos más pero prefiero un precio redondo).

También y para el que no tenga medios para comprarlo, quiera leerselo antes o simplemente para los que prefieren los libros en formato digital, dejo el enlace a la versión digital en formato PDF, para que pueda descargárselo gratis todo kiski:

Pulsa AQUÍ para iniciar la descarga

Marchando una de "pollis"

2009-09-05T15:07:00.002+02:00

Bueno, pues después de dos semanas de curro, durante las que he tenido que hacer trabajos que no me corresponden habitualmente (por falta de personal vacacional), ando bastante estresado y por lo que parece, me va a tocar buscar otra editorial, para la autoedición de la tercera parte de “El Camino de la Cabra” (ya hace más de dos semanas desde que les envié el PDF y no consigo comunicar por ellos ni por teléfono ni por correo electrónico).

Así que, para dejar todo eso atrás y como prometí más fotos, voy a colgar en esta ocasión unas cuantas de aves, ya que los “pollis” parece que han sido los menos representados en las anteriores entregas. Quizás no son fotos tan espectaculares, pero allá van de todos modos:

EL PRIMERO SE TRAE ALGO ENTRE EL PICO

AUNQUE AQUÍ DISIMULA Y PARECE HABERSE LIBRADO DE ELLO... SIN DUDA SOSPECHOSO

SI LAS PALOMAS APARECIERAN EN LAS PELÍCULAS DE "MAD MAX" TENDRIAN ESTE LOOK

ESTE NO PIERDE DETALLE DESDE LA ALTURA

ESTE SE LLEVARÍA BIEN CON AGATA RUIZ DE LA PRADA

Y UNA PAREJITA PARA TERMINAR

MIENTRAS, EL GATIN PARECE PENSAR: "YA OS PILLARE YA..."

Adios vacaciones, adios

2009-08-23T20:07:00.003+02:00

Bueno, pues todo lo bueno se acaba y así mis vacaciones, han llegado a su fin. Han sido días de asueto, en los que me he acercado lo menos posible a los ordenadores (Salvo para leer las noticias y ver películas) entre las que he revisado algún film ochentero, como Dolls, del que hoy mismo he colgado la reseña.

Durante estos días, he aprovechado para ir a la playa, visitar de nuevo y esta vez con más y mejor tiempo el zoo de Barcelona, donde esta vez pude obtener algunas fotos nuevas. Hice cerca de un centenar, pero colgaré sólo unas pocas:

EL PANDA

O FIREFOX, AUNQUE NO SE PRESTABA NADA A SER FOTOGRAFIADO

EL HIPOPÓTAMO AL QUE ALGÚN DESAPRENSIVO, HA ARROJADO UNA RAMA A LA BOCA

EL SEÑOR DELFÍN

UN LEÓN MARINO A LA HORA DE LA MERIENDA

Y COMO SIEMPRE, EL OSO, UNO DE LOS QUE MAS SE PRESTAN A SER FOTOGRAFIADOS

También he aprovechado para cocinar y experimentar con nuevas recetas, siendo dos de las más exitosas, las espinacas con frutos secos y atún y el salmón con verduras y melón.

SALMÓN CON VERDURAS Y MELÓN

ESPINACAS CON ATÚN Y FRUTOS SECOS

Y como no, ser víctima del pertinaz ataque del mosquito tigre (o Tiger mosquito), un bastardo de más cuidado, que los de la peli esa del Tarantino.

MI PIE, VÍCTIMA DEL “TIGER MOSQUITO”

En otro orden de cosas, terminé por fin la maquetación de la tercera parte de “El Camino de la Cabra”, que he conseguido dejar en 270 páginas, por lo que el precio “a ojo” calculo que será de unos 10 euros ejemplar. La mala noticia, es que aunque envié el PDF a la editorial el pasado martes, a día de hoy (y después de pasar la mayor parte de la mañana del viernes telefoneando) sin noticias y como mañana mismo empiezo a currar, el hacer el ingreso en el banco, será algo complicado.

Por el lado positivo, el señor Emigrante Andaluz, del foro de Zcomicz, un foro sobre todo lo relacionado con el tema de los muertos vivientes, que os recomiendo, se ha currado unos audiolibros de las dos primeras partes, con acento peninsular o argentino a gusto del consumidor, que pueden descargarse desde los siguientes enlaces:

AUDIOLIBRO PRIMERA PARTE (ACENTO PENINSULAR)

AUDIOLIBRO PRIMERA PARTE (ACENTO ARGENTINO)

AUDIOLIBRO SEGUNDA PARTE (ACENTO PENINSULAR)

AUDIOLIBRO SEGUNDA PARTE (ACENTO ARGENTINO)

Y nada más, dar de nuevo las gracias al señor Inmigrante Andaluz, por el curro y para los que puedan estar esperando la tercera parte, pues paciencia, supongo que durante esta semana o la próxima, me enviarán la factura y todo será ver, como me las apaño para acercarme una mañana al banco.

Dolls

2009-08-23T11:39:00.003+02:00

La Pediofobia o miedo a las muñecas (no confundir con la Pedofobia, que es el miedo a los niños), ha sido un recurso muy utilizado en el séptimo arte. Las muñecas de porcelana, fueron un recurso bastante utilizado en los giallo y algunas películas como “Barbarella” (1968) de Roger Vadim. Pero quizás una de las primeras y mejores películas sobre muñecos asesinos, fue “Dolls” (1987) de Stuart Gordon.

Stuart Gordon nació el 11 de agosto de 1947 en Chicago, Illinois (USA). Es productor, guionista y hasta incluso ha hecho un par de papelitos (pequeños) en alguna película. En su juventud, ya apuntó maneras, al ser encarcelado por obscenidad durante su debut en la dirección teatral, al dirigir en la universidad, una lisérgica y políticamente incorrecta versión de “Peter Pan”. Pero su faceta mas conocida y en la que me centraré es en la de director de películas de cine fantástico. Aunque su primer trabajo en la dirección, fue algo titulado “Bleacher Bums” en el 1979, su debut dentro del cine fantástico fue espectacular. De echo yo aun recuerdo, que incluso apareció brevemente comentado en el telediario y que a raíz de las pocas imágenes que mostraron en el informativo, fui al cine a ver esa película el mismo día de su estreno (tuve que hacerme acompañar de mi padre porque por aquellos entonces era menor). El film en cuestión nada más y nada menos que “Re-Animator” (1985) film en el que mostraba y no por última vez, su afición al escritor H.P. Lovecraft adaptando (de forma bastante libre) su obra, en este caso en concreto del relato de horror “Herbert West: Reanimator”.

“Re-Animator”

Una película que estoy seguro que casi todo aficionado al cine fantástico, de más de 20 años recordará, ya que ha dado lugar a un par de secuelas y a una explotación italiana que aquí nos llegó como “falsa secuela. En cualquier caso, gracias a su primer trabajo, el señor Gordon, tenía ya asegurado su lugar en la historia del cine de terror y siguiendo en su línea, al año siguiente, dirigió su segunda película “From Beyond”, que de nuevo, adaptaba un relato de H.P. Lovecraft y que en España, mediante una hábil maniobra comercial, para que la relacionasen con la anterior retitularon como “Re-Sonator” (1986)... pero como suele ocurrir con debuts espectaculares y pese a no parecerme este segundo trabajo, una mala película, no tuvo la acogida, ni por supuesto la popularidad de la anterior.

“Re-Sonator”

En cualquier caso, lejos de desanimarse, el señor Gordon siguió con su ritmo de trabajo y al año siguiente le seguiría "Dolls" (1987), que en esta ocasión en lugar de adaptar un relato del escritor de Providence, utilizaba un guión de Ed Naha (responsable de guiónes de películas como la entrañable “Troll” (1986) de John Carl Buechler. “Dolls” (1987), fue una de aquellas películas más simpáticas que terrorificas, en la que un grupo de jovenzuelos, se alojan en la casa de unos adorables ancianos, que se dedican a fabricar muñecos, que resultan tener vida propia y bastante mala baba. Puede que “Dolls” no sea un gran film, pero contó con la suficiente repercusión, como para inspirar poco después a varias películas de similar temática como “Puppetmaster” (1989) de David Schmoeller, primera de la longeva saga de la productora Full Moon.

“Dolls”

Siguiendo con su ritmo de una película anual y cambiando totalmente de registro, guioniza y dirige la comedia infantil: "Kid Safe: The vídeo" (1988). Esta es una de las pocas películas de este director, que no he visto, ni podido conseguir (confieso que tampoco la he buscado con demasiado ahínco).

No tengo ni idea de cómo le fue con ese film, supongo que no tuvo el éxito que se esperaba, ya que rompió su ritmo de un film por año y no fue hasta dos años después, que el señor Stuart Gordon con ánimos renovados volvió a la carga pero esta vez con un telefilme y volviendo al género del horror con “Daughter of Darkness” que a España nos llegó titulada como : “La Hija de las Tinieblas” (1990), una historia de vampirismo en el que una maestra de escuela, viajaba hasta Budapest buscando sus orígenes (a su padre) y que contaba con la presencia del actor Anthony Perkins, en el que fue uno de sus últimos papeles. Como en anteriores ocasiones, el telefilme no estaba mal del todo, consiguiendo una ambientación interesante, pero no llego a ser demasiado popular por aquí. De hecho, es tan poco conocida, que incluso algunas páginas web, la confunden con otra película de similar título: “Alucarda, La Hija de las Tiniebas” dirigida en el 1978 por el méxicano Juan López Moctezuma.

“LA HIJA DE LAS TINIEBLAS”

También en ese año llegó la que para mí fue una gran decepción, ya que junto al escritor Joe Hadelman (autor de la novela Guerra Interminable que os recomiendo) hizo el guión y dirigió una película sobre robots gigantes que se enfrentaban en un estadio. Como aficionado a los mechas ("Mazinger Z", "Robotech", "Macross"...), caí sobre ella en cuanto vi en el videoclub la sugerente carátula de “Robot Jox“ (1990), película que nos presenta un futuro en el que la guerra ha sido substituida por unos enfrentamientos de robots gigantes y que como no, se centra en el enfrentamiento entre el piloto ruso (el malo) y el americano “el prota”. Supongo que no hará falta que cuente más, ya que supongo que la mayoría la conoceréis sobradamente, ya que ha pasado varias veces por las sobremesas de casi todas las cadenas de televisión. Confieso, pequé de pardillo al alquilarla esperándome una película con espectaculares enfrentamientos mecanizados y no es que los FX estuvieran del todo mal para la fecha y medios… pero su trasnochado argumento, estaba protagonizado por unos personajes planos, que rallaban en lo sonrojante. Más tarde, Hadelman, acusaría a Gordon de sacrificar la profundidad de los personajes, en pos de algo más disfrutable y comercial, pero en cualquier caso, lo que me encontré al ver la película, no se correspondía con lo que me esperaba ante semejante carátula… pero ya se sabe que durante la década de los ochenta y los noventa, la carátula, a menudo era lo más espectacular de la película.

“ROBOT JOX”

Así, el señor Stuart Gordon, se iba convirtiendo en un director irregular, incapaz de volver a alcanzar con ninguno de sus trabajos, el nivel de “Re-animator”, pero con todo y con eso, al año siguiente y de nuevo atraído por su carátula, me lancé a alquilar su siguiente trabajo y no sólo por un cartel de lo más espectacular, un reparto que incluía nombres como Lance Henriksen o Jeffrey Combs y una sinopsis, basada en la obra de Allan Poe, que hablaba de inquisidores lascivos. La cosa prometía, se mirara por donde se mirara. El film en cuestión era ”El Foso y el Péndulo“ (1991), que aunque no estuvo del todo mal… tampoco fue lo que me esperaba. El papel del señor Combs, en lugar de ser el del malvado y lascivo inquisidor (que por algún motivo era lo que me esperaba) se limitaba a un rol bastante accesorio como doctor a las órdenes del inquisidor (rol que interpretó el señor Henriksen) y en cuanto al protagonista… pues ni recuerdo quien lo interpretaba. Mucho más adelante, me comentarían que la película llego a España con algunos minutos menos de metraje, pero la verdad sea dicha, nunca he hecho por conseguir la versión integra.

“EL FOSO Y EL PÉNDULO”

Desde luego, “El Foso y el Péndulo”, tampoco iba camino de ser uno de los films más memorables de ese director y supongo que debió tomárselo con calma, ya que no tuve mas noticias suyas hasta el año 1993 con ”La Fortaleza Infernal“ (1993). Cierto una película en la que aparezca Christopher Lambert como protagonista, suele ser indiscutiblemente una mala señal... y ciertamente no es que sea una obra maestra, pero me pareció como mínimo entretenida y funcionó lo suficientemente bien en taquilla, como para que poco después, se estrenara una secuela.

“LA FORTALEZA INFERNAL”

Unos par de años después, concretamente en el año 1995 dirigiría “Castle Freak”, película que parece ser se inspira de nuevo (supongo que muy vagamente) en la obra de H.P. Lovecraft, pero poco puedo comentar al respecto, ya que aun no he conseguido verla a pesar de que le tengo bastantes ganas, aunque solo sea por ver de nuevo al señor Jeffrey Combs en acción. Al año siguiente llegó la gamberra ”Space Truckers“ (1996), resultando quizás un producto más divertido que trascendente y probablemente mereció mejor suerte, pero quizás porque no esperaba gran cosa de ella, reconozco que yo la encontré bastante disfrutable.

“SPACE TRUCKERS”

En el 1997 se involucraría en el rodaje de la serie sobre la película : “Cariño he encogido a los niños” de la que solo sé que consta de 66 episodios de 1 hora de duración cada uno. En el 1998 Dirigiría la comedia fantástica “The Suit wonderful ice cream” que adapta el libro de relatos de Ray Bradbury “El Maravilloso Traje de Color Vainilla” pero no conozco ni el libro ni el films, así que poco puedo contar al respecto.

“EL MARAVILLOSO TRAJE DE COLOR VAINILLA”

En el 2001 dirigiría "Dagon", de las mejores películas de la Fantastic Factory del señor Yuzna (lo que no es decir mucho si tenemos en cuenta la calidad de las otras) y que una vez más, adaptaba la obra del señor Lovecraft. En mi opinión, el resultado fue una historia tirando a discretita, pero con una gran ambientación.

“DAGON”

Un par de años después, llegaría el que para mi fue todo un descubrimiento y en este caso, el descubrimiento fue doble. Estaba rebuscando en el cajón de las películas que como nadie alquila, venden a bajo precio en los videoclubs y me encontré con algo titulado “King of The Ants“ (2003) no confundir con otra película de mismo título y año pero dirigida por Michael Arabian & Tedd Taskei. La verdad es que la compré sin mirar siquiera quien era el director (total por 3 euros que costaba) y cuando la vi me llevé una sorpresa mayúscula. El film empieza siendo lo que parece un thriller de bajo presupuesto, para desembocar en un film realmente sucio y violento. Cierto, no es ninguna obra maestra, pero en mi opinión, si que es una buena película y sin duda, no mereció pasar tan desapercibida.

“KING OF THE ANTS”

Ese film, hizo que volviera a centrar mi atención en el señor Gordon y mi sorpresa no pudo ser mayor al ver que estaba a punto de estrenar “Edmond” (2005) un film con guión de nada más y nada menos que David Mamet, ¿Stuart serie B Gordon en comandita con el guionista de por ejemplo “El Cartero Siempre llama dos veces”?, eso era una unión contra natura allí donde las haya y que a pesar de algún que otro diálogo que se antojo bastante pretencioso, resultó un film muy de mi gusto.

“EDMOND”

¿Terminaría Stuart Gordon dándole la espalda al cine de terror, para seguir con su particular visión del cine negro?. Sus dos últimas películas no me habían disgustado en absoluto. De hecho, hacía años que no disfrutaba tanto con uno de sus trabajos… pero para mi seguiría siendo el director de “Re-animator”. Habían pasado ya 20 años desde su rodaje y para mi seguía (y sigue) siendo su mejor trabajo. Fue entonces cuando me enteré de otra noticia como mínimo prometedora. Mick Garris, el director de varias de las adaptaciones del escritor Stephen King, estaba a punto de ultimar algo llamado “Masters of Horror”, un producto para la televisión por cable (lo que a priori no limitaba su contenido de contenido adulto), en la que varios directores míticos del cine de terror, tendrían (a priori) completa libertad creativa para dirigir relatos terroríficos y el segundo de ellos, estaba dirigido por Stuart Gordon. Después de ver y quedar relativamente satisfecho por el dirigido por Don Coscarelli, me dispuse a disfrutar del segundo que llevaba por título “H.P. Lovecraft’s Dreams in the Witch House” aunque más tarde fue comercializado en España por manga films con el más sencillo título de “Tras las paredes” (2005). En efecto, como el título indica, el señor Gordon volvía a la carga con la obra de Lovecraft y el resultado, fue un episodio inquietante, con sus dosis de sangre y erotismo, que para mi gusto, quedó bastante deslucido por la aparición final de esa rata con rostro humano, en una situación más cómica que terrorífica.

“TRAS LAS PAREDES”

Y por lo que tengo entendido, también dirigió otro episodio en la segunda temporada titulado “The Black Cat” (2005) basado en una historia corta de Edgar Allan Poe, pero de esa segunda temporada (en mi opinión bastante más floja), sólo he llegado a ver los 6 primeros episodios y ese no se encontraba entre ellos. Pero tengo intención de verlo algún día, ya que me han hablado bien de ese episodio y porque el papel de Allan Poe, recae nada más y nada menos que en Jeffrey Combs. Tampoco ha llegado (por el momento) hasta los cines (ni que yo sepa hasta los videoclubs), “Stuck” (2007) un thriller al parecer basado en hechos reales, sobre una mujer que atropella a tipo que queda empotrado en su vehículo y se lo lleva “puesto” hasta el garaje. El argumento, a priori recuerda a cierta historia sobre un autoestopista en “Creepshow 2” (1987) de Michael Gornick, aunque en este caso, parece ser que se elimina el componente sobrenatural de la historia, pero no por ello la historia es menos enfermiza, pues la conductora (interpretada por Mena Suvari) en lugar de limitarse a darse a la fuga a lo Farruquito, parece que se lleva al desdichado peaton hasta su garaje para dejarle morir. Aunque casi todo lo que he leído sobre el film, supongo que el día menos pensado, nos la encontraremos en alguna estantería del videoclub.

“STUCK”

Tras ese film, su siguiente trabajo, fue en “Fear Itself” que vendría a ser el equivalente a la tercera temporada de “Masters of Horror” de Mick Garris, o su sucesora, ya que básicamente ofrece el mismo tipo de producto. El episodio dirigido por Gordon, lleva por título “Eater”, según su director, aunque no está basado en la obra de H.P. Lovecraft, contiene elementos “lovecraftianos” y trata sobre una mujer policía novata (interpretada por la actriz Elisabeth Moss, que debe custodiar a un peligroso asesino en serie caníbal apodado “eater” (comedor) que al parecer, puede adoptar las características de aquellos a los que asesina después de comer (recordando en cierta forma al mito del Wendigo.

Por último, desde hace tiempo, se dice/comenta/confirma-desmiente/rumorea, que está dirigiendo “House of Re-animator”, otra bizarra secuela de su exitoso “Re-Animator” en el que el doctor West, sería requerido para revivir nada más y nada menos, que al presidente de los estados unidos. Según la IMDB, el proyecto sigue adelante y debería ver la luz para el próximo 2010, pero personalmente, confieso que vea o no la luz, no es gran cosa lo que espero de ese proyecto a estas alturas. El momento de esa saga ya pasó y las sucesivas secuelas, en mi opinión no han hecho sino degradar una historia que quedaba perfectamente cerrada. Con todo y con eso y conociéndome, es más que probable que si finalmente llega a ver la luz semejante proyecto, la curiosidad me impulse a verla (no nos engañemos, es casí seguro que así será), pero a decir verdad, estoy mucho más interesado en los que sean sus siguientes trabajos, que en esta tardía continuación del film que le dio la fama.

STUART GORDON

Pero volviendo con "Dolls", como casi todas las películas de Stuart Gordon, y como ya se dijo más arriba (al comentar su vida y obra), fue producida por Brian Yuzna.

COMO CASI TODOS LOS FILMS DE STUART GORDON, FUE PRODUCIDO POR BRIAN YUZNA

La banda sonora del film, la calificaría como “cumplidora”. Vamos, que no es que me parezca ninguna maravilla, pero cumple con su función sin desentonar, lo que no es poco, teniendo en cuenta que se trata del primer trabajo en estas lides del señor Fuzzbee Morse, compositor no demasiado conocido (por lo menos para mi) pero que por lo que he visto, pareció especializarse en películas de terror de serie B, ya que se encargó de la banda sonora de películas como : “Ghoulies II” de Albert Band (1987) o “Spirit of the Night” (1995) de Mark S. Manos.

En cuanto a los intérpretes, encontramos a un reparto poco numeroso, compuesto en gran medida, por actores televisivos, de larga carrera, pero no demasiado conocidos. Vamos, el típico rostro que nos resulta familiar, ya que le hemos visto “de rondón” en algún episodio de casi cualquier serie que se nos ocurra. En esta categoría, encontramos por ejemplo, a los señores Stephen Lee, Ian Patrick Williams, Guy Rolfe (este más veterano y con una carrera menos televisiva que los dos anteriores), y a la también veterana actriz Hilary Mason.

STEPHEN LEE

IAN PATRICK WILLIAMS

HIRALY MASON

Por otro lado, encontramos a la actriz Carolyn Purdy-Gordon, que es una habitual en los films de Stuart Gordon (que para eso es su esposa), pero que salvo excepciones como “The Arrival” (1991) de David Schmoeller y algún trabajillo para la pequeña pantalla, no ha trabajado para otros directores.

CAROLYN PURDY-GORDON (ESPOSA DEL DIRECTOR Y HABITUAL EN SUS FILMS)

Y por último, tenemos a un par de actrices, de fugaz carrera cinematográfica, como es el caso de la debutante Bunty Bailey, una bailarina y modelo, que de vez en cuando, hace algún papelito y la joven Carrie Lorraine, en el que fue el último papel de su corta carrera.

BUNTY BAILEY

CARRIE LORRAINE

En definitiva, un casting que cuenta con algunos actores y actrices “curtidos” y con otros bastante verdes, pero ninguno especialmente famoso. Con todo, algunos de ellos, como la joven Corrie Lorraine, hacen un trabajo más que notable, aunque no tengo noticia de que volviera a trabajar como actriz (y no porque esté muerta como dicen algunos). Como curiosidad, el señor Guy Rolfe (el anciano fabricante de muñecos), terminó encarnando el papel de Andre Touton, el juguetero de la saga “Puppet Master” de modo relativamente regular a partir de su tercera entrega.

GUY ROLFE

La historia nos presenta a una pequeña familia no demasiado bien avenida, compuesta por una niña de desbordante imaginación, su padre y como no, su malhumorada madrastra, viajando en su vehículo, hasta que este queda atrapado en mitad de una tormenta.

LA HISTORIA NOS PRESENTA A UNA FAMILIA NO MUY BIEN AVENIDA, QUE VIAJAN EN SU COCHE

HASTA QUEDAR ATRAPADOS EN EL FANGO EN MEDIO DE UNA VIOLENTA TORMENTA

Sin demasiadas alternativas, deciden encaminarse hacia un cercano caserón, en el que vive el matrimonio Hartwicke, compuesto por una entrañable pareja de artesanos fabricantes de muñecos.

LA FAMILIA OPTA POR DIRIGIRSE A UN CERCANO CASERON

QUE SE ENCUENTRA HABITADO POR EL MATRIMONIO HARTWICKE,

UNA ENTRAÑABLE PAREJA DE ANCIANOS, QUE SE ENCARGABAN DE FABRICAR MUÑECOS

Al lugar, también acudirá el orondo Ralph, acompañado por dos jovenes autostopistas, a las que recogió en la carretera. Todos deciden pasar la noche en el caserón, para marcharse al amanecer.

AL LUGAR TAMBIÉN LLEGARÁ EL ORONDO RALPH, ACOMPAÑANDO POR DOS JÓVENES AUTOESTOPISTAS,

Pero como los invitados no tardarán en descubrir, los numerosos muñecos que pueblan la casa de los ancianos, parecen tener vida propia y muy malas pulgas, por lo que no todos vivirán para ver un nuevo amanecer.

PERO LOS INVITADOS, NO TARDARÁN EN DESCUBRIR,

QUE LOS NUMEROSOS MUÑECOS QUE PUEBLAN LA CASA, PARECEN TENER VIDA PROPIA

Y MUY MALAS PULGAS, POR LO QUE NO TODOS LLEGARÁN VIVOS HASTA EL NUEVO AMANECER

Esta es quizás, una de las películas más peculiares del tándem Gordon/Yuzna, ya que sin salirse de su género preferido (el horror), deja a un lado las adaptaciones Lovecraftianas, para dirigir un cuento oscuro, en el que destacan principalmente dos elementos: una genial ambientación, muy cercana al giallo, con una decoración recargada y llena de espejos y muñecos y un trabajo de cámara realmente notable, que en ocasiones, emulando a la obra del gran director Mexicano Carlos Enrique Taboada en “Veneno para las hadas” (1984) al mostrar la acción, desde un punto de vista infantil.

LA PELÍCULA ES UN CUENTO OSCURO, CON ALGUNOS MOMENTOS FRANCAMENTE LOGRADOS

TIENE UNA AMBIENTACIÓN MUY RECARGADA

CERCANA AL GIALLO CON PROFUSIÓN DE MUÑECAS, ESPEJOS Y UN PARTICULAR USO DE LAS LUCES Y LAS SOMBRAS

LA CÁMARA EN MÁS DE UNA OCASIÓN MUESTRA LA ACCIÓN, DESDE UN PUNTO DE VISTA INFANTIL

El nivel de gore y violencia, es razonablemente alto. Ya desde esa primera fantasía de la joven protagonista, en la que su osito de peluche, se convierte en una bestia parda que ataca con saña a su madrastra, uno ya se puede imaginar, que aunque en la película no falte algún que otro gag y personaje de aire más cómico que otra cosa (como Ralph) esta no va a ser la típica comedieta, con algún elemento terrorifico.

EL NIVEL DE GORE Y VIOLENCIA

ES RAZONABLEMENTE ALTO, PARA UNA HISTORIA DE ESTE TIPO

LO QUE QUEDA CLARO DESDE LA PRIMERA Y VIOLENTA FANTASIA DE LA JOVEN PROTAGONISTA

La película, cuenta con casi todos los elementos de un cuento de hadas: una niña como protagonista, una malvada madrastra (la joven deja muy claro, que su verdadera madre vive en Boston) una casa en medio de la oscura noche y un final con moraleja, que es desde mi punto de vista, uno de los elementos más flojos (sino el más flojo) de todo el film.

EL FILM CUENTA CON TODOS O CASI TODOS LOS ELEMENTOS DE UN CUENTO DE HADAS, COMO SU JOVEN E IMAGINATIVA PROTAGONISTA

LA MALVADA MADASTRA

UNA GRAN TORMENTA

Y UNA INQUIETANTE Y SOBRENATURAL SITUACIÓN, CON MORALEJA FINAL

En resumen, no puedo decir, que piense que es ninguna obra maestra, ni siquiera la mejor película de su director y tiene algunos momentos que casi rayan en el ridículo y alguna situación sobreactuada, pero que merece y mucho la pena verse, por su ambientación y algunas de las secuencias con muñecos, más inquietantes que recuerde haber visto.

Cazador del Espacio : Aventuras en la Zona Prohibida

2009-07-20T08:34:00.006+02:00

En ocasiones ocurre, que una película que podría tener cierto éxito, pasa totalmente desapercibida para su público potencial, al coincidir su estreno con el “Blockbuster” de turno de similar temática, pero mayores medios. Este sin ir más lejos, es el caso del film “Spacehunter : Adventures in the Forbidden Zone” que aquí se estreno con el título de “Cazador del espacio: Aventuras en la zona prohibida” (1983) de Lamont Johnson, cuyo estreno, tuvo la mala suerte de coincidir con el de “El Retorno del Jedi” (1983) de Richard Marquand, aunque siendo justos, tampoco voy a negar que esa película, no era sino una explotación de bajo presupuesto, pensada para ser lanzada a rebufo de la misma, (o como hicieron en los USA, 5 días antes para que los aficionados fueran abriendo boca), pero las distribuidoras (por lo menos por aquí) calcularon mal la jugada y el film, que tengo entendido, que en algunas partes, incluso se estrenó en 3D (supongo que con las famosas gafas azules y rojas) por aquí paso totalmente desapercibido.

Nacido el 30 de septiembre de 1922 en California (USA), y siendo más conocido en la pequeña que en la gran pantalla (bueno eso es hoy día es casi un decir viendo el tamaño de algunas de las televisiones de plasma que más de uno se gasta), Lamont Johnson, es uno de esos directores que no son demasiado conocidos (por lo menos en España) a pesar de su larga y premiada trayectoria profesional.

No tardó en explotar su potente voz trabajando como disc jockey y en la radio, donde llegó a poner voz al mismísimo Tarzan. Pero como el limitarse a ser una voz, no debió bastarle, dirigió sus intereses hacia el teatro, viajó de Los Angeles a Nueva York (la ciudad de las oportunidades) y sin duda encontró la suya, trabajando como actor durante los años cincuenta, para algo más adelante, alternar su faceta como actor con la de realizador de series de televisión, siendo esta su faceta más premiada, al ser varias veces nominado en los premios Emmy, por su labor dirigiendo series. Aunque el galardón le fue esquivo durante años, finalmente pudo ganarlo (y no por última vez) a mediados de los años ochenta con “Wallenberg” (1985) biopic, en el que Richard Chamberlain, encarnaba a Raoul Wallenberg, un diplomático sueco, que salvo la vida de numerosos judios húngaros durante la segunda guerra mundial y que murió en Rusia en oscuras circunstancias, mientras permanecía encarcelado acusado de espionaje por los soviéticos.

“WALLENBERG : A HERO ‘S STORY” PROTAGONIZADA POR RICHARD CHAMBERLAIN, FUE EL PRIMER TRABAJO POR EL QUE LAMONT JOHNSON, OBTUVO EL PREMIO EMMY

Aunque menos exitosa y prolífica, que su producción para televisión, Lamont Johnson, también se aventuró a dirigir para la gran pantalla con títulos no demasiado conocidos (por lo menos para mi) como “Kona Coast” (1968), “The McKenzie Break” aquí más conocida como “Los que Saben Morir” (1970), “One on One” aquí conocida como “De hombre a hombre” (1977) o “Spacehunter : Adventures in the Forbidden Zone” que aquí se estreno con el título de “Cazador del espacio: Aventuras en la zona prohibida” en el año 1983, por citar sólo algunas de ellas. Sus films para la gran pantalla, no son películas “de oscar”, pero si como mínimo correctas y lo más importante: abarcan temáticas que van desde el cine deportivo a la ciencia ficción y a pesar de tener quizás, cierta predilección por el drama, a diferencia de otros directores, evitó estancarse en un género en concreto.

En resumidas cuentas, se trata de un hombre polifacético, que destacó especialmente en la pequeña pantalla. Aunque que yo sepa sigue con vida, hace ya varios años desde su último trabajo (concretamente la dirección de un episodio de la serie “Felicity", que tengo entendido, era todo un homenaje a “La dimensión desconocida”), por lo que sospecho que debe haberse retirado, aunque deja una buena cantidad de trabajos a sus espaldas, muchos de ellos no demasiado conocidos y que bien se merecen una oportunidad.

LAMONT JOHNSON

Del apartado musical, se encargó nada más y nada menos que el compositor Elmer Bernstein, entre cuyo curriculum se encontraban las composiciones de películas tan míticas como “Los siete magníficos” (1960) de John Sturges, “Saturno 3” (1980) de Stanley Donen o “Los Cazafantasmas” (1984) de Ivan Reitman. Sin duda, este no es uno de sus trabajos más memorables, sobretodo si la comparamos con sus trabajos más conocidos, se trata de la típica melodía instrumental (que es quizás la predominante en su carrera) apropiada y funcional… pero que dudo que nadie recuerde a los pocos días de haber visto la película.
En cualquier caso, dejo enlace al enlace en castellano de la Wikipedia, para que el que quiera saber más sobre la vida y obra de este compositor:

http://es.wikipedia.org/wiki/Elmer_Bernstein

ELMER BERNSTEIN

Entre los interpretes, encontramos a la pareja protagonista, compuesta por el entonces popular Peter Strauss (gracias a la serie “Hombre Rico hombre pobre” y la guapa actriz Molly Ringwald, durante su época dorada (los ochenta). En otros roles menos destacados, encontramos al siempre mítico Michael Ironside, interpretando al malo maloso de la película y a Ernie Hudson, que era por entonces un rostro relativamente popular en la pequeña pantalla.

Nacido en Nueva York el 20 de febrero de 1947, Peter Strauss (Peter Lawrence Strauss), no tardó en interesarse por la interpretación, de la mano del teatro durante sus vacaciones de verano. Pero no fue hasta mucho más adelante, cuando el salto a la gran pantalla. Aunque según la imdb, su primer trabajo fue en el film “Hail Hero!”(1969) de David Miller, aunque yo le recuerdo por su papel protagonista en el curioso y violento western (curioso por la brutal visión de los soldados de caballería, aquellos que solían ser los que rescataban a los protagonistas en la mayoría de westerns, al ser mostrados, como una violenta y viciosa turba al masacrar un poblado lleno de ancianos, mujeres y niños en la parte final) “Soldado Azul” (1970) de Ralph Nelson cuya versión española (por lo menos la que obra en mi poder) se encuentra censurada.

“SOLDADO AZUL” UN ULTRAVIOLENTO WESTERN, QUE OFRECE UN PUNTO DE VISTA DISTINTO AL HABITUAL EN ESTE GÉNERO

A este rol protagonista, le seguirían otros papeles en la gran y la pequeña pantalla, pero el que le convirtió en un rostro popular sobretodo en España, fue su papel de Rudy Jordache en la popular serie “Hombre Rico, Hombre Pobre”, serie que también hizo despegar a Nick Nolte (que interpretaba a su hermano) pero aunque por aquel entonces yo sólo era un crío, siendo sincero, al personaje que mejor recuerdo, es al malvado Falconetti.

LA SERIE “HOMBRE RICO, HOMBRE POBRE” HIZO DE PETER STRAUSS, UN ROSTRO POPULAR DURANTE LOS SETENTA

A pesar de su popularidad, su carrera como actor, fue decayendo poco a poco. No es que bajara su ritmo de trabajo ni que dejara de tener roles de protagonista, ya que pudimos encontrarle por ejemplo como líder de la resistencia judía enfrentado nada más y nada menos que contra Peter O’Toole en la mini serie “Masada” (1981) papel que le valió una nominación a los premios Emmy, o podemos encontrarle también en algún papel protagonista en la gran pantalla como en “Spacehunter : Adventures in the Forbidden Zone” (1983) de Lamont Johnson. Pero poco a poco, se fue convirtiendo en uno de esos solventes actores televisivos, cuyo rostro nos es familiar por aparecer en gran cantidad de series, pero en roles cada vez más secundarios. De todos modos, para el que quiera saber más sobre la vida y obra de este actor, dejo enlace a la página en castellano de la Wikipedia:

http://es.wikipedia.org/wiki/Peter_Strauss

En el film que nos ocupa, su personaje Wolff, es un canalla y empobrecido caza recompensas, que recuerda en gran medida (y dudo que por casualidad) a personajes como Han Solo, “serpiente” Plissken y incluso a los típicos detectives privados del cine negro, acosados por impagos y con una ex mujer que aunque nunca llegamos a ver, se le hará referencia en varias ocasiones. Estéticamente, también puede recordar a personajes como Mad Max, moviéndose en un vehículo bastante destartalado, en el que vive sus aventuras y acosado por un colega, con el que finalmente tendrá que unir fuerzas. No nos engañemos, no se trata de un personaje demasiado original, ni el súmmum de la interpretación, pero que sin duda satisfará a los fans del cine ochenteno, que encontraran en él, al típico antihéroe que tanto predominaba en sus películas de acción/ciencia-ficción.

PETER STRAUSS

Hija del pianista de jazz Bob Ringwald, la californiana Molly Ringwald, (Molly Kathleen Ringwald), parecía ya a tierna edad, encaminada hacia el mundo de la música y la pequeña pantalla. Dio sus primeros pasos en la pequeña pantalla, aunque no tardo en verse trabajando junto a intérpretes como John Cassavetes y Susan Sarandon en películas como “Tempestad” (1982) de Paul Mazursky. Su cabello pelirrojo, le hizo popular en roles de adolescente como “Dieciseis Velas” (1984) o “El Club de los Cinco” (1985) ambas de John Hughes. Puede que por culpa de intentar mantener esa imagen, que le proporcionó papeles durante los ochenta, rechazó los roles protagonistas de películas de los noventa como “Ghost” (1990) de Jerry Zucker y “Pretty Woman” (1990) de Garry Marshall. También tengo entendido, que el director David Lynch, se interesó por ella para su película “Terciopelo Azul” (1986) y le envió un guión para ofrecerle el papel de Sandy (la vecina adolescente del protagonista), pero parece ser que la madre de la actriz “interceptó” el guión y este nunca llegó hasta ella, por lo que el papel fue finalmente interpretado por Laura Dern.

DAVID LYNCH PERNSÓ EN MOLLY RINGWALD PARA SU FILM “TERCIOPELO AZUL”

Así podríamos decir, que mientras su físico le proporcionó ciertos papeles durante la década de los ochenta, también le produjo cierto encasillamiento, que la perjudicó en la siguiente década, donde su carrera, empezó a una espiral descendente, aunque no por ello se quedó de brazos cruzados y siguió trabajando en comedias como “Strike it Rich” (1990) de James Scott, “Boda Pasada por Agua” (1990) de Alan Alda. Quizás intentando un cambio de registro, a mediados de los noventa, llegaron trabajos que giran hacia el thriller como el mediometraje “Some Folks Call It a Sling Blade” (1994) de George Hickenlooper, “Malicious” (1995) de Ian Corson o “Baja” (1996) de Kurt Boss. Films quizás no demasiado conocidos ni memorables, que fue alternando con algunos trabajos para la pequeña pantalla.

Pasada la década de los noventa, su carrera tampoco parecía conseguir la popularidad alcanzada durante los ochenta, trabajando en películas como “Cut” (2000) de Kimble Rendall, “Cowboy Up” (2000) de Xavier Koller o apareciendo de vez en cuando en alguna que otra serie como “Medium” o en la que se encuentra trabajando últimamente “Vida Secreta de una Adolescente” (que por lo que parece, no está funcionando mal en los USA, pero que por lo que he leído, no ha cosechado demasiado éxito en la cadena Cuatro, que es donde se emite en España).

Su papel de Niki, en “Spacehunter:Adventures in the Forbidden Zone”, no es quizás demasiado destacable, pareciendo funcionar al principio más como un contrapunto cómico, que como sexy protagonista femenina. Especialmente, durante sus primeras apariciones, donde nos es mostrada como un personaje bastante sucio y escatológico, que más tarde emergerá de un baño forzado, como una guapa jovencita que terminará por ganarse el duro corazón del curtido protagonista.

MOLLY RINGWALD

Uno de esos actores, que son mayormente populares por sus roles como “malo de la película” es sin duda el señor Michael Ironside (Frederick Reginald Ironside) al que muchos recordarán por su papel de Ham Tyler en la mítica serie “V”.

MICHAEL IRONSIDE COMO “HAM TYLER”

Nació el 12 de febrero de 1950 en Toronto, (Canada). Comenzó a trabajar en el mundo del cine en pequeños papeles y en TV a mediados de los años ochenta y a raiz de su papel de Revok, el malvado de la película “Scanners” (1981) de David Cronemberg, se convirtió en uno de los villanos habituales del cine. Al igual que Powers Boothe, también es un habitual en papeles militares como en “Top-Gun” (1986) o de agente de la Cia. Se dice que en una ocasión dijo, que prefería los papeles de malvado, ya que “el bueno” solía recibir varias veces durante la película, mientras que “el malo” solo recibía una vez al final. Se trata de un actor muy activo, que ha participado en mas de un centenar de papeles y en los USA es además bastante popular, por ser el actor de doblaje de Sam Fisher el protagonista de la saga de videojuegos “Splinter Cell”. En cualquier caso, para todo el que quiera saber más sobre este actor, dejo un enlace a su página en la Wikipedia en castellano:

http://es.wikipedia.org/wiki/Michael_Ironside

En “Spacehunter:Adventures in the Forbidden Zone”, interpreta a “Overdog” un mecanizado villano, en la línea del de la posterior “Space Truckers” (1996) de Stuart Gordon. No nos engañemos, se trata de un personaje más ridículo que temible y probablemente, uno de los personajes menos carismáticos interpretados por el señor Ironside.

MICHAEL IRONSIDE

Aunque el actor Ernie Hudson (Earnest Lee Hudson), bien se merecería que escribiera largo y tendido sobre su vida y obra, no lo haré, ya que no quiero alargar aún más esta parte y está disponible un artículo en la Wikipedia en castellano sobre el mismo, al que dejo enlace:

http://es.wikipedia.org/wiki/Ernie_Hudson

Su personaje en la película que nos ocupa, es el de un secundario no demasiado relevante, que a pesar de unas relaciones un tanto “tirantes” debido a la competencia por el botín, finalmente terminará optando por asociarse con el protagonista. Vamos, la típica situación, que resultará familiar a los aficionados al género western. En fin, la verdad es que no me parece ni que su personaje sea demasiado original, ni su interpretación especialmente destacable, siendo un secundario bastante soso, que al igual que la protagonista femenina, casi parece ejercer más como contrapunto cómico que otra cosa.

ERNIE HUDSON

La historia se inicia con una nave que debe ser evacuada apresuradamente y de la que sólo consiguen escapar tres bellas muchachas, que terminan en un inquietante planeta, por lo que no tarda en ponerse en marcha, la maquinaria para su rescate.

UNA GRAN NAVE ESPACIAL SUFRE UNA APARATOSO ACCIDENTE QUE CONLLEVA SU DESTRCUCCIÓN

UNA NAVE DE SALVAMENTO CONSIGUE ESCAPAR A TIEMPO

CON TRES GUAPAS PASAJERAS

QUE NO TARDAN EN SER CAPTURADAS POR LOS INGÍGENAS LOCALES

La recompensa por el rescate de las tres jóvenas, puede ser la oportunidad para que Wolff, un sórdido y empobrecido caza recompensas, pueda pagar algunas facturas (y la pensión de su ex mujer), así que se pone en marcha hacia ese planeta, donde al parecer, un primer intento de colonización, terminó con dos facciones enfrentadas.

LA RECOMPENSA POR EL RESCATE DE LAS JOVENAS, NO TARDA EN LLAMAR LA ATENCION DE WOLFF UN SORDIDO CAZARECOMPENSAS

QUE MALVIVE A BORDO DE SU NAVE

CON LA QUE NO TARDA EN ATERRIZAR EN EL PLANETA DE MARRAS

Después de presenciar un violento enfrentamiento entre las dos facciones, Wolff descubre que las tres macizas, se encuentran en poder del infame “Overdog”, en la zona más chunga del planeta, por suerte, no tarda en encontrar a Niki, una mugrienta indígena del lugar, que se ofrece a ser su guía (aunque más tarde se convertirá en una jovenicta de buen ver después de pasar por un buen baño).

WOLFF NO TARDARÁ EN TOPAR CON DOS FACCIONES ENFRENTADAS Y DESCUBRIR QUE LAS MACIZAS, SE ENCUENTRAN EN PODER DEL INFAME “OVERDOG” EN LA ZONA MAS PELIGROSA DEL PLANETA

POR SUERTE, ENCUENTRA A NIKI, UNA MUGRIENTA INDÍGENA QUE SE OFRECE A SER SU GUÍA

DESPUÉS DE UN BUEN BAÑO

EMERGERÁ CONVERTIDA EN UNA JOVENCITA DE BUEN VER

También encuentran a Washington, otro cazarrecompensas, que anda falto de fondos y con el que en un principio competirán, para terminar uniendo fuerzas al comprender, que el botín es lo suficientemente grande como para contentar a todos y la misión demasiado peligrosa para cualquiera de ellos en solitario.

TAMBIÉN ENCONTRARÁ A WASHINGTON, OTRO CAZARECOMPENSAS GALTO DE FONDOS

CON EL QUE TERMINARÁ UNIENDO FUERZAS

Finalmente, llegarán hasta la guarida de “Overdog”, que ya casí tiene más de máquina que de ser humano. ¿Conseguirán liberar a las muchachas?.

FINALMENTE, LLEGARAN HASTA LA FORTALEZA DE “OVERDOG”

¿CONSEGUIRAN RESCATAR A LAS MACIZAS?

La película, no deja de ser una explotation de menor presupuesto, mayormente de los films de la saga “Star Wars”, aunque también podemos encontrar elementos que parecen sacados de la saga “Mad Max” como esos destartalados vehículos que circulan por el desierto, lo que le da cierto aire de “pastiche”, que no será del gusto de todos, pero los aficionados al cine ochentero (entre los que por supuesto me incluyo), sin duda disfrutaran de estos entrañables detalles o de momentos tan memorables, como el asalto del barco sobre raíles o la aparición de las sireniles amazonas.

ESTOS DESTARTALADOS VEHÍCULOS, NO DESENTONARIAN EN LA TERCERA PARTE DE LA SAGA “MAD MAX”

EL ASALTO AL BARCO,

ES OTRO DE ESOS MOMENTOS QUE SUELE RECORDAR EL QUE HA VISTO LA PELÍCULA

La historia, a veces es un tanto irregular. Por ejemplo, al principio uno puede pensar que la sexy androide que acompaña al protagonista, va a ser la protagonista femenina del film, para ver con cierto estupor, como cae a las primeras de cambio. Aparte, las situaciones, parece transcurrir de un modo un tanto apresurado, lo que por un lado hace que el ritmo sea ágil, pero por otro, encontramos situaciones quizás un tanto desaprovechadas (como el encuentro con las amazonas y el ataque del monstruo acuático).

LA SEXY ANDROIDE QUE ACOMPAÑA AL PROTAGONISTA, CAE A LAS PRIMERAS DE CAMBIO, SIN DUDA UN PERSONAJE MUY DESAPROVECHADO

LAS AMAZONAS,

Y EL MONSTRUO ACUATICO, OTROS DOS MOMENTOS QUE SON DESPACHADOS QUIZÁS CON DEMASIADA CELERIDAD

A nivel técnico, su nivel también tiene altibajos. Sus FX, son bastante resultones para la época. Obviamente, no juegan en la misma liga que los de “Star Wars” y algunos “disfraces” y personajes, casi parecen escapados de una explotation italiana de bajo presupuesto, pero por otro, en ocasiones encontramos una fotografía y ambientación notables.

ALGUNOS FX, SON BASTANTE RESULTONES

PERO OTROS DISFRACES Y MAQUILLAJES, SON MÁS… DISCRETITOS

LA FOTOGRAFÍA

Y LA AMBIENTACIÓN

TIENE ALGUNOS MOMENTOS NOTABLES

Resumiendo. Se trata de una historia tan previsible, como escasamente original. Con unos medios técnicos que hoy día pueden parecer risibles y unos actores competentes, que tampoco se partieron especialmente la espalda en este trabajo. Pero quizás a causa de todos esos defectos, esta es una película que puede llegar a hacer las delicias de aquellos nostálgicos del cine de los ochenta. No es una gran película, pero sinceramente, pienso que de haber llegado a las salas unos meses más tarde, hoy día sería recordada por muchos miembros de mi generación, junto a títulos tan míticos como “Krull”, “Mad Max 2” o “El Alimento de los Dioses”.