Last House on Dead End Street

Ya he dicho más de una vez, que el mundo del cine, funciona por “ciclos”. Recientemente, surgió una discusión sobre las películas que tratan el peliagudo tema de las películas Snuff. Un par de “jóvenos” afirmaban películas como “Niku Daruma” (1998) de Tamakichi Anaru o el “August Underground” (2001) de Fred Vogel, eran rompedoras e innovadoras al mostrar un tema que ya habían mostrado de forma bastante aséptica y (para ellos) decepcionante películas como “Tesis” (1996) de Alejandro Amenabar o “Asesinato en 8 mm“ (1999) de Joel Schumacher. Me sorprendió que no conocieran la saga “Guinea Pig”, una serie de cortometrajes de origen nipón, que resultaron bastante polémicos en su momento (los años ochenta). Pero en realidad, ya en la década de los setenta, se había tocado tan escabroso tema en películas como “Snuff” (1976) de Michael Findlay, film rodeado de polémica en gran medida artificial, que es por muchos considerada como la primera película en tratar el tema. Aunque para mi, la pionera en este sentido, fue “The Last House on Dead End Street” (1977) de Roger Michael Watkins, que a pesar de comercializarse un año después de la mencionada “Snuff”, fue rodada varios años antes en concreto entre los años 1972 - 1973 aunque terminó retrasándose su salida al mercado, en parte por motivos legales y en parte, por no encontrar distribución.

No es mucho lo que puedo contar sobre Roger Michael Watkins. Nacido el 17 de septiembre de 1948 en Binghamton (USA), ya mostró inquietudes cinematográficas durante su juventud, siendo su primer cortometraje “Masque of the Red Death”, donde vemos a dos niños, peleando ante un péndulo de madera, en lo que parece un claro homenaje a “El Péndulo de la muerte” (1961) de Roger Corman.

SU PRIMER CORTOMETRAJE “MASQUE OF THE RED DEATH”

Algo más adelante, le seguirían algunos trabajos de más extensión y desde luego, mucho más interesantes como: “Ron Rico” donde vemos algunos elementos recurrentes como es el caso del sexo y la religión. Así, desde su impactante inicio en la figura de un niño Jesús, parece eyacular un curioso globo rojo, que se arrastra hacia una figura de la virgen María, veremos todo un desfile de tipos raros como un sacerdote de bigote hitleriano, una monja que se masturba (de forma más sugerida que explicita) con una botella o un curioso enano con abrigo.

EN “RON RICO” ENCONTRAMOS ALGUNOS DE LOS ELEMENTOS RECURRENTES COMO ES LA RELIGIÓN

También encontramos algunos de esos elementos en “Requiem”, donde un tipo termina entrando a rezar en una iglesia, para escapar de una especie de… ¿zombie maquillado a base de espuma?.

LOS FX DE “REQUIEM” SON… DISCRETOS

O en “Black Snow” un trabajo que combina el blanco y negro con el color, en el que encontramos un cementerio (la muerte es otro de los elementos recurrentes en sus trabajos).

“BLACK SNOW”

Tengo entendido, que el director británico Freddie Francis, se encargó en gran medida de su formación como director, Pero si por algo es conocido este director, es por su trabajo al dirigir y protagonizar “Last House on Dead End Street” (1977) uno de esos films de culto, que han sido fruto de la polémica y que a punto han estado de desaparecer del mapa. Según el director, la idea de ese film, se la dio por casualidad el director Nicholas Ray, al comentar el parecido de Watkins con Charles Manson. Rodada con un presupuesto de unos 2000 dólares (de la que afirmó que sólo 800 se invirtieron realmente en el film y el resto se lo gastaron en drogas), la película tiene mucho en común con “La Matanza de Texas” (1974) de Tobe Hooper. Ambas, están rodadas con escasos medios, con estudiantes y profesores, ejerciendo como actores, las dos son el trabajo más destacable de sus respectivos directores y aparte de un elevado grado de violencia y crueldad, ambas consiguen quizás de modo involuntario, lograr un ambiente sucio, sórdido y malsano, que hoy día sería difícil no sólo de conseguir, sino incluso de imitar. Siendo algo más retorcido y rebuscado, podríamos sacar otro paralelismo entre ambos films y es el echo de que mientras “La matanza de texas”, se basa en Ed Gein, “Last House on Dead End Street”, se basa en “la familia” el grupo liderado por Charles Manson que afirmó haber grabado asesinatos (contribuyendo a crear el mito de las snuff movies).

EL NIVEL DE VIOLENCIA DE “LAST HOUSE ON DEAD END STREET” ES MÁS QUE ELEVADO

Pero a diferencia del film de Hooper, la película del señor Watkins, tuvo un viaje mucho más accidentado en su camino para llegar al gran público. Para empezar, su título original, era “The Cuckoo Clocks of Hell” pero como terminó en los circuitos de cine grindhouse (los célebres programas dobles de serie B) se cambió su título para utilizarlo cual explotatión de “Last house on the left” aka “La última casa a la izquierda” (1972) de Wes Craven y de paso, su metraje de 175 minutos, fue severamente recortado hasta los 77 de la versión actual. Esos cambios, no le hicieron mucha gracia a su director, que por cierto, apareció acreditado como “Victor Janos” en la faceta de director y como Steven Morrison como actor. Lo desconocido de su casting, junto a su aire semi documental, la convirtió rápidamente en un polémico film de culto, del que pronto empezó a circular el rumor, de que la película contenía asesinatos reales.

WATKINS APARECE ACREDITADO COMO VICTOR JANOS EN CUANTO A LA DIRECCIÓN

Y COMO STEVEN MORRISON EN LA ACTUACIÓN

A pesar del relativo éxito de este film, su director continuó dirigiendo productos de carácter más adulto (tirando hacia el porno) bajo distintos seudónimos como Richard Mahler, Roger Watkins o Ray Hicks, pero de ese tipo de trabajos, nada puedo contar, ya que aun no he podido ver ninguno.

Ignoro la fecha en la que se retiró o el número de películas que llegó a dirigir. De echo, en la IMDB ni siquiera figuran sus trabajos anteriores a “Last House on Dead Street”, pero la muerte se lo llevó recientemente. Para ser exactos, el 6 de marzo de 2007.

Así, nos dejó en silencio un director, que aunque no llegó a destacar demasiado en el género fantástico, nos dejó una de las películas más sucias y enfermizas del cine de terror de serie B.

ROGER WATKINS

Entre los actores, no encontramos rostros conocidos. Por lo menos no para mi, lo cual no es raro, teniendo en cuenta que la mayoría eran estudiantes que no volvieron a ponerse delante de las cámaras y que varios de ellos, probablemente utilizaran seudónimo. Aun y así, el trabajo de todos ellos, me parece más que notable, consiguiendo lo más importante para un actor: transmitir. Especialmente destacable me parece en ese sentido, la desquiciada interpretación del propio Roger Watkins, que llega en ocasiones a recordarme al mismísimo Klaus Kinski, su compañero de fechorías Ken interpretado por Ken Fisher y acreditado como Dennis Crawford o a modo de curiosidad, el pequeño papel que realiza como víctima ciega el señor Paul Jensen, acreditado como Paul Phillips.

ROGER WATKINS ESTA ESPECIALMENTE BRILLANTE EN SU DESQUICIADA ACTUACIÓN RECORDÁNDOME EN OCASIONES, AL KLAUS KINSKI MÁS FURIOSO

KEN FISHER TAMBIÉN REALIZA UNA NOTABLE INTERPRETACIÓN DE SU DESQUICIADO PERSONAJE

PAUL JENSEN INTERPRETA A LA PRIMERA VÍCTIMA DEL GRUPO

Otro de los grandes aciertos de este film, es sin lugar a dudas su apartado sonoro, que incluye desde chirriantes sonidos, a una música instrumental, como la que suena durante los primeros compases del film, que parece imitar los latidos de un corazón o esa inquietante música que suena de fondo durante las peores atrocidades, que termina confiriéndole un cierto aire semi documental de lo más enfermizo.

El argumento, nos cuenta la historia de Terry, un tipo que acaba de salir de prisión por un tema de drogas, que parece sentirse muy resentido con la sociedad.

EL PROTAGONISTA, ES UN RESENTIDO JOVEN, QUE ACABA DE SALIR DE PRISIÓN

Buscando venganza, Terry se alía con un grupo de jóvenes, que por desequilibrio o promesas de fama y fortuna, se unen a él, con el objetivo de dirigir un film realmente impactante, para lo que piensa grabar asesinatos.

EN SU BUSQUEDA DE VENGANZA, TERRY RECLUTA A UN GRUPO DE JOVENES

CON EL OBJETIVO DE DE DIRIGIR UNA IMPACTANTE PELÍCULA

QUE BASICAMENTE, CONSISTIRÁ EN FILMAR UNA SERIE DE ASESINATOS

Después de asesinar a su primera víctima, el temible grupo, secuestraran a dos magnates de la industria cinematográfica y a sus respectivas esposas a los que asesinarán después de someterles a distintas torturas y vejaciones.

ESTE CIEGO SERÁ SU PRIMERA VÍCTIMA

PERO SERÁN DOS MAGNATES DEL CINE Y SUS PAREJAS

LOS QUE SERÁN SOMETIDOS A LAS PEORES VEJACIONES

Y TORTURAS ANTES DE SU BRUTAL ASESINATO

Como puede verse, el argumento no sería hoy día ningún dechado de originalidad, pero a principios de los años setenta, época en al que determinadas películas, generaban todo tipo de leyendas negras a su alrededor, la película fue toda una pionera en su género. Sobretodo, si tenemos en cuenta que su argumento se inspira de modo más que evidente en los crímenes de la familia Manson (que recordemos fueron detenidos a raíz del brutal asesinato de Sharon Tate, esposa del director Roman Polansky). Aunque en este film, se asegura de retratar a las víctimas como a seres interesados y depravados. Así, nos los muestran durante una fiesta, en la que la esposa del anfitrión es azotada con el rostro pintado de negro, por un jorobado, mientras su esposo, discute sobre el negocio del cine pornográfico y que los espectadores piden algo mucho más impactante.

EL GRUPO DE ASESINOS, ESTÁ CLARAMENTE INSPIRADO EL “LA FAMILIA”

LA PELÍCULA SE ASEGURA DE MOSTRARNOS A LAS VICTIMAS

COMO A SERES INTERESADOS

Y DEPRAVADOS

El trabajo de cámara, es en ocasiones realmente chapucero, con planos extraños, movidos, mal iluminados… pero en ocasiones, quizás fruto de la casualidad, también consigue otros bastante logrados y incluso interesantes juegos de sombras. En cualquier caso, la película me recuerda en algunos aspectos al trabajo de cámara de algunos directores italianos como Lucio Fulci o del Español Jesus Franco, (con sus virtudes y defectos) ya que podemos encontrar uso del zoom, abundancia de primeros y primerísimos planos de personas y animales, elementos religiosos, primeros planos de estatuas que me recuerdan a los de las inquietantes muñecas de los giallo, máscaras, insertos de metraje (los del matadero de ganado), desnudos, y un gore mostrado de forma explícita.

EL TRABAJO DE CÁMARA ES CHAPUCERO DURANTE GRAN PARTE DEL METRAJE

LA ILUMINACIÓN MUY MEJORABLE

PERO EN OCASIONES TAMBIÉN CONSIGUE LOGRAR TOMAS QUE TIENEN POCO DE CHAPUCERAS

Y INCLUSO INTERESANTES JUEGOS DE SOMBRAS

TAMBIÉN ENCONTRAMOS PRIMEROS PLANOS DE PERSONAS

Y DE ANIMALES

INSERTOS EN EL METRAJE

ELEMENTOS RELIGIOSOS, PRIMEROS PLANOS DE ESTATUAS QUE RECUERDAN A LOS DE LAS INQUIETANTES MUÑECAS DE LOS GIALLO

MÁSCARAS

DESNUDOS

Y GORE EXPLICITO

Es en este punto, cuando uno se pregunta ¿qué es lo que pretende conseguir esta película?. Sin duda, lo que pretende es impactar al espectador y no sólo lo consigue, sino que además, logra transmitir una cierta sensación de “boyeurismo” y lo más importante, lo consigue sin que el film se haga aburrido.

EL FILM PRETENDE IMPACTAR

Y TRANSMITE CIERTA SENSACION DE “BOYEURISMO”

Sin duda, a ello contribuye el brutal recorte de su metraje original. Puede que la versión de casi tres horas, hubiera sido mucho más interesante. Viendo apenas 20 minutos del metraje que fue descartado, personalmente lo dudo y pienso que podría haber alargado su ritmo en demasía, aunque sin tener acceso a esa versión es difícil saberlo. El resultado final de ese corte, no dejó satisfecho a su director, que no reconoció ser el autor, hasta pasados varios años, aunque en ese sentido, hay un pequeño guiño al espectador, en el momento en el que aparece gritando repetidamente “i’m directing this fucking movie” (estoy dirigiendo esta jodida película) y ciertamente lo hacía. Aunque luego, no quedó demasiado contento con el montaje final que el distribuidor comercializó. Aun y así, el resultado es un film que merece y mucho la pena ser visto por los aficionados a este tipo de películas.

Ditirambo

Si por algo destacamos los españoles, es por nuestra costumbre de lanzar piedras contra nuestro propio tejado. Cinematográficamente hablando, siempre me ha sorprendido, el poco conocimiento que el aficionado medio, tiene sobre el cine español y lo rápidamente que lo desprecian, sin contar en la mayoría de los casos, de un gran conocimiento del mismo, pensando que este se limita a directores como Almodóvar y Santiago Segura y a las películas de “Cine de Barrio”. Quizás uno de los directores menos conocidos sea Gonzalo Suárez, creador del personaje de Ditirambo, protagonista del cortometraje “Ditirambo vela por nosotros” (1966) y de los film “Ditirambo” (1967) y "Epílogo" (1984), en la mayoría de los casos, protagonizados por el mismo.

Gonzalo Suarez, nació en Oviedo el 30 de julio de 1934. Hijo de un catedrático de francés, estudió filosofía y letras en la ciudad de Madrid.

A principios de los años cincuenta, sus inquietudes artísticas se decantaron por el teatro y la pintura, aunque para ganarse la vida, trabajó como periodista bajo el seudónimo de Martin Girard. También empieza a escribir libros.

Pero si nos centramos en su faceta relacionada con el mundo del cine (que es la que ahora mismo nos interesa). Podríamos decir, que su primer escarceo con el medio, es la adaptación cinematográfica de algunos de sus relatos como “Fata Morgana” que fue dirigida en el año 1965 por Vicente Aranda.

“FATA MORGANA” EL DEBUT EN LA DIRECCIÓN DE VICENTE ARANDA, ADAPTA UN CUENTO DE GONZALO SUÁREZ

Pero si hilamos aun más fino, su debut como actor y director, llegaría un año después, con los cortometrajes “El horrible ser nunca visto” (1966) que adapta un cuento perteneciente al libro “Trece veces trece” del propio Gonzalo Suárez y “Ditirambo vela por nosotros” (1966) que toma al personaje de Ditirambo, procedente de su novela “Rocabruno bate a Ditirambo”.

“EL HORRIBLE SER NUNCA VISTO”, UN CORTOMETRAJE

NARRADO COMO LAS PELÍCULAS MUDAS DE ANTAÑO

GONZALO SUAREZ COMO DITIRAMBO EN “DITIRAMBO VELA POR NOSOTROS”

El personaje de Ditirambo, una vez más interpretado por el mismo, sería de nuevo el protagonista en su primer largometraje. Rodado en 16mm y junto a la mayor parte de los actores con los que había trabajado en los anteriores cortos, dirige “Ditirambo” (1967) que fue considerada por muchos, como la primera película “moderna” del cine español.

EL ROL DE JOSE DITIRAMBO, ES INTERPRETADO POR EL PROPIO DIRECTOR

A este primer largometraje, le seguirían otros como “El extraño caso del Doctor Fausto” (1969), “Aoom” (1970) también conocida como “La muñeca asesinada”, película que como en sus anteriores trabajos, muestra unos elementos un tanto surrealistas combinando el drama con la comedia y deja clara su habilidad para lograr atmósferas realmente sórdidas y siendo incluso actualmente, uno de sus films más oscuros y complicados de encontrar.

“AOOM”

“Morbo” (1971) en la que una pareja de recién casados formada por Ana Belén y Victor Manuel (que habían contraído matrimonio en secreto poco antes del rodaje), son inquietantemente espiados.

“MORBO”

Esa pareja, también repetiría con el mismo director en “Al Diablo, Con Amor” (1973) sobre la que poco puedo contar, ya que no la he visto (o no la recuerdo en absoluto). Su siguiente trabajo “La Loba y la paloma” (1973) es una inquietante película, sobre una niña traumatizada por la visión de un asesinato, que es asediada por una serie de personajes que parecen dispuestos a cualquier cosa con tal de hacerse con el preciado botín.

“LA LOBA Y LA PALOMA”

A pesar de la calidad de esta película, lo cierto es que fue especialmente conocida, por una secuencia en la que la actriz Carmen Sevilla (si la de las ovejitas), mostraba fugazmente sus encantos.

A PESAR DE LA CALIDAD DE ESTE FILM, SU POPULARIDAD SE DEBIÓ PRINCIPALMENTE A ESTA SECUENCIA

Mucho menos polémica y galardonada con el premio Luis Buñuel, resultó su siguiente trabajo titulado “La Regenta” (1974) que adaptaba la novela de mismo título de Leopoldo Alas Clarín.

“LA REGENTA”

También fueron adaptaciones literarias, sus siguientes películas. Concretamente “Beatriz” (1976), adaptaba dos relatos de del Valle Inclán y “Parranda” (1977) una novela de Eduardo Blanco Amor. Por el contrario, su siguiente trabajo, fue “Reina Zanahoria” (1978) una comedia, protagonizada por un vendedor de libros (José Sacristán) que es reclutado por unos turbios empresarios, para que seduzca a una millonaria americana (Marilina Ross).

“REINA ZANAHORIA”

Sus siguientes trabajos como director, fueron el cortometraje “Una leyenda Asturiana” (1980) y uno de los episodios de “Cuentos para una escapada” concretamente el titulado “Miniman y Superlobo” (1979). Unos años después, dirigiría su siguiente largometraje en el que recuperaría su personaje de José Ditirambo, en la película “Epilogo” (1984) que adapta sus novelas "Gorila en Hollywood" y "Rocabruno bate a Ditirambo" aunque en este caso, el personaje de José Ditirambo, es encarnado por José Sacristan en lugar de por el propio Gonzalo Suarez, siendo a su vez Francisco Rabal, el encargado de interpretar a Rocabruno.

“EPÍLOGO”

Al año siguiente, dirigiría “Los Pazos de Ulloa” (1985) una miniserie de 4 episodios, que adapta las novelas de Emilia Pardo Bazán y que contó con un presupuesto de 250 millones de pesetas (lo que en aquella época y en este país no era moco de pavo). Aunque no era ese su primer trabajo para la pequeña pantalla (en el 1982, había dirigido un episodio de la serie “La mujer de tu vida”), “Los Pazos de Ulloa” resultó un gran éxito y galardonada con el premio TP (Tele Programa) a la mejor serie del año.

“LOS PAZOS DE ULLOA”

Aunque reconozco que en su momento, no resultó santo de mi devoción, su siguiente película “Remando al Viento” (1987) resultó premiada en el festival de San Sebastian, ganó 6 premios Goya y otro premio al mejor guión en el festival de cine fantástico de París. También resultó premiada su siguiente película “Don Juan en los Infiernos” (1991) que yo no he visto y por tanto poco puedo contar sobre la misma, al igual que “La Reina Anónima” (1992) que a pesar de que me ha sido recomendada en más de una ocasión, nunca he conseguido encontrar (bueno la verdad es que tampoco he hecho mucho por dar con ella).

La que si vi y me dejó más que satisfecho, fue “El detective y la muerte” (1994). En ella encontramos algunos de los elementos por los que este director parece tener debilidad: el boxeo, personajes extraños, situaciones algo surrealistas y ambientes sórdidos, combinados (como no) con una historia de amor y ese detective enamorado, amargado y un tanto inexpresivo, que puede recordar ligeramente a José Ditirambo.

“EL DETECTIVE Y LA MUERTE”

Aunque tampoco he podido verla, tengo entendido, que su siguiente película titulada “Mi nombre es sombra” (1996) es su particular versión del Doctor Jenkil y Mr. Hide, por lo que supongo se encuentra englobada dentro del fantástico.

En el año 2000, nos llegaría otro film como mínimo curioso titulado “El Portero”, en el que ya la primera imagen que vemos según empieza la película, es una imagen entre onírica y curiosa, con esa portería en mitad de una playa. En realidad, a pesar de su título, la película es un drama ambientada en la España de posguerra, donde el protagonista, un hombre que se gana la vida parando penaltis, se encontrará atrapado en medio de dos bandos enfrentados.

LA PRIMERA IMAGEN QUE VEMOS AL PRINCIPIO DE “EL PORTERO” ES CASI ONÍRICA

Aunque yo no he visto más trabajos suyos, aun dirigió tres películas más durante los últimos ocho años. Siendo la primera “El Candidato” (2002) toda una curiosidad que casi raya en la leyenda urbana, ya que por lo que tengo entendido, se trata de una sátira política, sobre un candidato secuestrado, que después de varias tribulaciones, termina planteándose su futuro en un club de alterne. La película, figura en la IMDB y tengo entendido, que el director quería que el film fuera protagonizado por Javier Bardem… sólo que no me consta, que nunca llegara a estrenarse y de echo, ese film ni siquiera aparece en su página web.

Las dos siguientes, llevan por título respectivamente: “El Genio Tranquilo” (2005), film relacionado con “Aoom” (concretamente con su rodaje) pero que no se estrenó en los cines de por aquí (o yo no di con ella) y aun no la he podido encontrar. La segunda, que lleva por título “Oviedo Express” (2007), tengo entendido que es una comedieta romántica y comercial, que no me llama la atención y que no he hecho por ver.

En resumen, si miramos en conjunto su filmografía, encontramos un amplio abanico de posibilidades, que engloban una gran variedad de géneros, por lo que muchas de las personas, que piensan que el cine español, sólo se limita a Pedro Almodovar, Alejandro Amenabar y las películas de Esteso y Pajares, quizás deberían darle una oportunidad a algunos de los films de este director. Después de todo, antes de criticar al cine español, lo lógico sería conocerlo en profundidad.

GONZALO SUÁREZ

Entre los intérpretes, aparte del propio Gonzalo Suarez, que interpreta el rol protagonista, encontramos a varios de los habituales en sus películas como la actriz Charo López en el papel de Ana Carmona (papel que a pesar de ser correctamente interpretado, el que el propio director, reconocería en una entrevista, que la actriz era demasiado joven para dar vida a ese personaje), Bill Dyckes, al que ya pudimos ver en los cortometrajes “Ditirambo vela por nosotros” (1966) y en la película “Aoom” (1970). A la actriz de origen soviético Yelena Samarina que da vida a la viuda que contrata al protagonista.

GONZALO SUAREZ

CHARO LÓPEZ

BILL DYCKES

YELENA SAMARINA

La música, creo que obra del también actor Lou Bennet, aunque en ocasiones es un tanto mejorable, acierta de pleno en su banda sonora que me recuerda a la de los westerns de Sergio Leone. Realmente apropiada para el final de la película.

La historia, arranca con la muerte del escritor Julio Urdiales, que al parecer conoció la fama y la fortuna, cuando ya era demasiado tarde para disfrutar de ellas. Su viuda, contrata a José Ditirambo, un antiguo periodista y escritor caído en desgracia por su obsesión con la verdad, para que localice y arruine la vida de una mujer, que en el pasado rechazó a su difunto marido.

LA HISTORIA ARRANCA CON LA MUERTE DEL ESCRITOR JULIO URDIALES

QUE CONOCIÓ TARDÍAMENTE LA FAMA Y LA FORTUNA

SU VIUDA CONTRATA A JOSÉ DITIRAMBO, PARA QUE ARRUINE LA VIDA DE UNA MUJER QUE EN EL PASADO RECHAZÓ A SU DIFUNTO ESPOSO

Ditirambo, irá siguiendo la única pista que la viuda del escritor pudo proporcionarle e irá conociendo a una serie de curiosos personajes, que a su vez le encargarán nuevas misiones, como el agonizante millonario Eduardo Palacios, que le entregará una maleta llena de dinero para entregarle a Ana Carmona o el ex campeón de boxeo “Pack Spack” que le rogará que mate al mafioso Jaime Normando, actual pareja de Ana Carmona.

DITIRAMBO SEGUIRÁ UNA PISTA TRAS OTRA EN SU BÚSQUEDA DE ANA CARMONA

TOPANDO CON CURIOSOS PERSONAJES QUE LE ENCARGARÁN NUEVAS TAREAS COMO ENTREGAR UN MALETÍN LLENO DE DINERO

O ACABAR CON LA VIDA DE JAIME NORMANDO UN TIPO QUE AL PARECER, NO ES TRIGO LIMPIO

Esta película, que fue calificada por algunos como “la primera película moderna del cine español”, es en realidad un film difícil de clasificar, ya que tiene elementos de comedía, pero también de drama y sobretodo, de cine negro, aparte de incluir críticas más o menos veladas como la que se hace del periodismo, que rechazó al protagonista por su honradez.

LA PELÍCULA TIENE ELEMENTOS DE COMEDIA

DE CRÍTICA, EN ESTE CASO AL PERIODISMO

DE DRAMA

Y SOBRETODO DE CINE NEGRO

El personaje protagonista, José Ditirambo, no tiene absolutamente nada que ver con los duros detectives de las películas americanas. Obsesionado con la verdad, sólo parece engañarse a si mismo en el tema romántico, ya que aunque dice no creer en el amor, su atención termina centrándose habitualmente en las parejas en actitud cariñosa. Ditirambo tiene quizás más puntos en común con los personajes interpretados por Harold Lloyd que con aquellos a los que dio vida Humphrey Bogart. Aunque tampoco nos dejemos engañar. En palabras del propio director, Ditirambo es un “ángel exterminador” y aunque no por su voluntad, allí por donde pasa, parece seguirle la muerte. No es violento, pero si vive obsesionado con la verdad y está dispuesto a todo, con tal de conseguir sus objetivos.

EL PERSONAJE DE DITIRAMBO, NO TIENE ABSOLUTAMENTE NADA QUE VER CON LOS DUROS DETECTIVES DE LAS PELÍCULAS AMERICANAS, SE TRATA DE UN TIPO QUE RECHAZA PUROS PARA ACEPTAR CARAMELOS

DICE NO CREER EN EL AMOR, PERO LAS PAREJAS NO SUELEN ESCAPAR A SU ATENCIÓN

PERO NO ES NINGÚN PAYASO Y CUANDO LA SITUACIÓN LO REQUIERE, PUEDE SER IMPLACABLE

APARTE DE SU INTELIGENCIA Y SU OBSESIÓN POR LA VERDAD, NUNCA CEJA EN SU EMPEÑO, HASTA CONCLUIR CON LA TAREA ENCOMENDADA

Otro elemento especialmente destacable de esta película, es el trabajo de cámara e iluminación. Las sombras son utilizadas de un modo magistral para mostrar u ocultar personajes, combinación de planos generales con primeros o primerisimos planos de personas y objetos. También encontramos varios de los elementos presentes en algunos de sus trabajos: ambientes sórdidos, boxeo, espejos.

EL TRABAJO DE ILUMINACIÓN EN ESTA PELÍCULA

ES EN MI OPINIÓN EXCELENTE

COMBINA PLANOS PANORÁMICOS O GENERALES

CON PRIMEROS Y PRIMERISIMOS PLANOS DE PERSONAS O OBJETOS

APARTE DE INCLUIR AMBIENTES SORDIDOS

Y BOXEO DOS ELEMENTOS FÁCILES DE ENCONTRAR EN LAS PELÍCULAS DE ESTE DIRECTOR

O EL USO DE ESPEJOS COMO ESTA SECUENCIA EN SU CORTOMETRAJE “DITIRAMBO VELA POR NOSOTROS”

Los diálogos, curiosos y fluidos, con frases como “todo quema, todo mancha, todo pincha”, no dejan de resultar curiosos en una película española de los años sesenta, mucho antes de que directores como Quentin Tarantino, popularizaran sus peculiares diálogos.

LOS DIÁLOGOS SON TAN CURIOSOS COMO FLUIDOS

En resumen, una curiosa película, que cuenta con un atípico protagonista, que por desgracia, dudo que nunca sea emitida en programas como “Cine de Barrio” donde parecen creer (y por desgracia fomentar) que el cine español sólo se limita a películas de folclóricas y comedias con el sentido del humor de Esteso y Pajares. Una curiosidad que bien merece la pena descubrir.